EL COLOSO EN LLAMAS
Puntuación: 8
Duración: 2 h 45 m
País: USA / 1974
Dirección: John Guillermin / Irving Allen
Ha sido un placer revisitar esta superproducción paradigma del cine de catástrofes cuyo antecedente más glorioso pudo ser "San Francisco", allá por el 36 producida por la Universal y enmarcada en el famoso terremoto que asoló la ciudad a principios del XX.
La que nos ocupa sigue las directrices marcadas por "Aeropuerto" que inicia las series del genero con gran éxito de publico en los 70, esto es: un variado elenco de rostros famosos que se enfrentan a la catástrofe de turno en un relato de historias cruzadas. "El coloso" producida al alimón por Warner y Fox es quizás la mas acertada de la década con un Newman y McQueen como cabezas de reparto que derrochan carisma y buen hacer en sus respectivos personajes, apoyados por un abanico de secundarios ilustres que no desperdician el protagonismo de sus escenas, rodadas con eficacia por el tandem de directores en un acertado montaje y equilibrio entre las escenas de acción y los diálogos intimistas.
La tensión, emoción y el suspense no abandonan en ningún momento el extenso metraje que pasa en un suspiro entretenido. Obtuvo 8 nominaciones a los Oscars, se llevó tres, fotografía, canción y montaje.
Supuso la vuelta al celuloide del gran Astaire (premios incluidos), una de las últimas apariciones de William Holdem, la última de Jennifer Jones y muchos otros rostros conocidos cuyas carreras tuvieron desigual recorrido en el futuro.
La historia se basa en dos novelas que se publicaron a raíz de la inauguración de las Torres Gemelas y la inquietud que supuso su seguridad ante posibles incidentes, aunque para evitar polémicas y dada la critica que se realiza a los constructores la acción se ubicó en Los Ángeles.
La Universal replicó con "Terremoto" ese mismo año pero "El Coloso" es muy superior.
Durante el rodaje se provocó un incendio al que ayudó a apagar el propio McQueen, vestido con su traje de jefe de bomberos. Tanto Newman como el propio McQueen, amigos y amantes del riego, rodaron ellos mismos las escenas de acción.
Dentro de unos años seguro que seguiré disfrutando cuando acuda a una nueva cita con ella.
GRAN HOTEL
Puntuación: 7
Duración: 1 h 55 m
País: USA / 1932
Dirección: Edmund Goulding
A la ex-camarera de hotel y posteriormente escritora de éxito, la vienesa Vicky Baum le vino "dios" a ver, cuando el joven avispado Irving Thalberg, jefe de producción de la todopoderosa MGM se fijo en su novela como soporte para inventarse otro de sus proyectos novedosos: reunir en un mismo film a un puñado de estrellas en un relato de vidas cruzadas. A pesar de las reticencias iniciales del propio Mayer ante la idea de meter en el mismo corral a diferentes gallos, la cosa resultó un éxito, Thalberg aumentó su leyenda y la formula quedó patentada para la historia.
El producto narra con desigual acierto las vidas de varios personajes alojados en el Gran Hotel de un Berlín anterior al auge del nacional socialismo, recreado al detalle en un gran trabajo de decoración de Cedric Gibbons.
La película gano el Oscar, siendo la primera que lo lograba al mejor film sin contar con ninguna nominación más y hoy sigue resistiendo un visionado más que aceptable a pesar de sus dos horas de metraje que inicialmente fueron tres.
A mi juicio lo más destacado es precisamente las diferentes formas de actuar y encarar sus personajes de cada una de las estrellas que consiguen sustentar a un buen nivel sus roles con sus propias características actorales. Desde el teatral John Barrymore, a la fresca y natural Joan Crawford, pasando por el recital único y personal de la diva Garbo en el papel de otra diva, el siempre eficaz Beery y el lucimiento algo exagerado del papel bombón del otro hermano Barrymore para el cual estuvo propuesto con anterioridad Buster Keaton que probablemente también lo hubiera bordado si no hubiera sido rechazado por sus problemas de alcoholismo.
Todo ello enmarcado en el trajín y glamour del propio hotel símbolo de una sociedad que estaba a punto de saltar en pedazos.
LA PESCA DEL SALMÓN EN YEMEN
Puntuación: 7
Duración: 1 h 51 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Lasse Hallström
Con un titulo que nos evoca al documental o a filmografias de países exóticos, Hallströn vuelve a apoyarse en las adaptaciones literarias, en este caso la novela de Paul Torday para ofrecernos otra de sus buenas películas, en este caso una comedia romantica original y "diferente", si es que ello es hoy posible, manejando los recursos de forma suave y dosificada con un elenco muy equilibrado y con buena química donde Kristin Scott Thomas está arrolladora en un secundario explendido que pone el contrapunto a la pareja protagonista que miman sus personajes, con un Ewan Mcgregor en un registro poco habitual.
Con un desarrollo "in creschendo" hasta completar la primera hora, sufre de un cierto decaimiento en su tramo final, donde trata de ampliar su propuesta sin demasiada fortuna y fuerza un desenlace que no tiene la fuerza que se preveía.
En cualquier caso se disfruta con agrado y se agradece el esfuerzo por intentar remontar a contracorriente, como los salmones, en un genero sobreexplotado.
MADRID, 1987
Puntuación: 8
Duración: 1 h 42 m
País: España / 2011
Dirección: David Trueba
Dirige, guioniza, e incluso participa en la musica, Trueba al que solo le faltaba actuar, da el do de pecho con esta obra tan personal, tan a palo seco, tan arriesgada, tan desnuda (literal) y bien interpretada que nos agarra desde los primeros planos, nos encierra con la pareja protagonista y no nos deja salir hasta el último segundo de este encontronazo vital y generacional donde se solapan dos españas, fin y principio de vidas que no dejan de ser "sabotajes de sueños".
Fantástico el montaje de Marta Velasco y la fotografía de Leonor Rodriguez y magistral Sacristán en una clase de interpretación cinematografica cuyo verbo grave, aguardentoso, arrugado por la edad y la experiencia da todo su sentido a unos diálogos estupendos que en actores de menor fuste no aguantarían mas de diez minutos. Maria Valverde, "acorralada por el monstruo", sale más que indemne aportando mucho más que la insultante belleza de su cuerpo desnudo.
A llovido desde el 87, ¿en que hemos dilapidado nuestros sueños?
LA COSTILLA DE ADÁN
Puntuación: 10
Duración: 1 h 41 m
País: USA / 1949
Dirección: George Cukor
El hecho de considerar esta comedia como una de las mejores de la historia del cine ya le hace merecedora de un sobresaliente, luego vendrán los matices y los gustos de cada cual.
Cukor cuya filmografía en esa época ya no tenía nada que demostrar no gozaba sin embargo todavía de la libertad creativa que le iban a proporcionar el matrimonio de guionistas Gordon y Kanin con esta cinta, cuya sociedad dio grandes frutos y permitió a su amigo Cukor dirigir sin cortapisas sus proyectos.
Apoyado en un magnifico guión que redunda en el tema latente de la igualdad de sexos tras la participación masiva de la mujer en la contienda mundial, Cukor apuesta sobre seguro con los dos ases consagrados de Tracy y Hepburn en su sexto trabajo en común de los nueve que realizarían y donde aflora toda la magia y buen rollo de su convivencia como pareja en la vida real hasta el punto de poner en peligro muchas escenas cuando ambos no aceleraban a fondo en sus interpretaciones para dejar que fuese el otro quien se luciera. Sin duda fue el mejor de sus trabajos conjuntos y destilan un carisma arrollador.
Por otro lado los dos ases acaban convirtiéndose en un repoker con una elección acertadisima de los secundarios, algunos de ellos principiantes que llegan a "robar" escena a los dos monstruos como es el caso de Judy Holliday, quien a pesar de sus nervios (llego a regalar entradas de su función teatral al equipo para demostrarles que no era tan torpe como demostraba en los inicios del rodaje) ante el reto del paso del teatro al cine consigue un personaje para la historia, con la ayuda eso si de la propia generosidad de la Hepburn que supo ceder y potenciar el protagonismo de una Holliday aún lejos de la caza de brujas que truncó su carrera, en momentos claves, como la famosa escena del interrogatorio.
Humor y amor sobre una reflexión social con un director en estado de gracia en un tiempo dorado y añorado de mitos y leyendas como solo el cine norteamericano ha sabido sacar de su reluciente chistera.
ESTO NO ES UNA PELÍCULA
Puntuación: 6
Duración: 1 h 15 m
País: Irán / 2011
Dirección: Jafar Panahi
Panahi, director premiado y con un amplio curriculum ya no puede hacer cine durante 20 años y ha sido condenado a 6 años de prisión junto con el joven realizador Mohammad Rasoulof. Lo han decretado aquellos que entienden poco de arte y libertad de expresión y que pueden desgraciadamente encerrar, maltratar o incluso matar un cuerpo, pero mientras quede un soplo de vida, el poeta compondrá versos, el pintor pintara con su imaginación y el cineasta como tantos otros, hará cine.
Asistimos a un documental austero, nada atractivo para el espectador que acude al cine a pasar un buen rato, dentro de la casa del propio Panahi donde se encuentra recluido y de donde consigue fugarse a través de su imaginación y de la ayuda del documentalista y amigo Motjaba Mirtahmasb.
La escasez de medios y lo reducido del espacio aviva la creatividad y salen a la luz los recursos creativos y técnicos donde lo cotidiano a través de la improvisación se transforma y lo narrado se hace imagen en la pantalla de nuestra mente, mezclándose con la inmediatez de lo que ocurre fuera de esta morada cárcel en la que se encuentra recluido.
Acto de rebeldía, denuncia de una represión cultural, ventana al exterior por donde podemos asomarnos a un interior que no nos gustaría vivir.
Efectivamente, esto no es una película, es mucho más, es el alma, el chasis desnudo que enseña sin pudor la fuerza que se esconde en ese séptimo arte que llamamos cine.
INMIGRANTES L.A. DOLCE VITA
Puntuación: 6
Duración: 1 h 13 m
País: USA / Hungria / 2008
Dirección: Gabor Csupo
Csupo, animador húngaro afincado en Estados Unidos y creador de series como los Rugrats, aprovecha el tirón de series como Los Simpsons, en la que ha dirigido varios capítulos ( incluso se dice que el personaje del Dr. Nick esta basado en él), o "Padre de Familia" para narrarnos las andanzas de un grupo de inmigrantes afincados en un viejo edificio de aire colonial en Los Ángeles.
Centrado en la pareja protagonista de un ruso y un húngaro enlaza cuatro historias en las que con mayor o menor acierto nos presenta la "dolce vita" californiana y el contraste con las penurias para abrirse paso en la vida de la población inmigrante en "el país de las oportunidades".
Critica en tono ácido e irónico y a veces divertido que tras años de series en este estilo sorprende mucho menos de lo que debería y acaba por convertirse en un mero entretenimiento con una "fauna" de personajes entrañables donde se dan lugar todos lo tópicos del extranjero fuera de su país.
Plagado de cameos de personajes famosos pasados por el tamiz de un dibujo grotesco y personal al que como decía ya estamos acostumbrados. Con cuatro años despues de su estreno, se deja ver.
CAIRO TIME
Puntuación: 6
Duración: 1 h 29 m
País: Canadá / 2009
Dirección: Ruba Nadda
Ruba Nadda, directora canadiense de origen sirio y palestino, nos ofreces una historia de amor adulta, serena y sin grandes estridencias sobre el marco de un oriente medio personificado en El Cairo, donde los atractivos turísticos no ocultan un mar de fondo lleno de problemas de todo tipo.
Nadda apenas deja entrever sutilmente este mar y se centra en la historia de amor que surge inesperadamente en la vida de una mujer cuyo camino vital parecía agotado. Tampoco profundiza la directora en lo que apenas podemos intuir del interior de estos personajes y deja todo el peso en la excelente interpretación de la gran actriz que es Patricia Clarkson.
Gracias a ella se sustenta un metraje trufado de "especias orientales" que rayan peligrosamente en el turismo local. El poético desenlace apuesta por que en la vida siempre hay oportunidades para tener una aventura casual, pero ir a "ver las pirámides" es cuestión de compatibilidad de almas.
TAKE SHELTER
Puntuación: 8
Duración: 2 h
País: USA / 2011
Dirección: Jeff Nichols
Apenas termino de ver esta segunda obra escrita y dirigida por Jeff Nichols y ya estoy deseando visionar su anterior opera prima y la recién estrenada "Mud".
Este autor y director de unos prometedores 33 años natural de esa norteamerica profunda como es Arkansas cuyo entorno parece conocer perfectamente para explotar visual y dramáticamente y donde ha ubicado sus tres trabajos, nos regala una historia de múltiples interpretaciones donde se luce en una planificación excelente con un ritmo endiablado donde la serenidad se alía con la intensidad y nos va presionando suavemente, casi sin darnos cuenta hasta llegar a ejercer una tensión y una fuerza que nos sobrecoge con un Michael Shannon cuyo careto y físico parecen tallados exprofeso para este tipo de personajes y que ademas esta inmenso en un personaje atormentado y complejo, de esos que no se olvidan, secundado por la estupenda Jessica Chastain que no le va a la zaga.
La aparente mezcla de géneros que le abrirá las puertas de la distribución para el gran publico no es más que la cascara que envuelve una precisa disección sobre la relación del hombre con la sociedad que le rodea, sus miedos y temores personales fruto de su pasado y el coraje necesario para afrontar un futuro siempre incierto, en el que la lucha por los suyos , el amor imprescindible y el mantenimiento de su propia individualidad le harán refugiarse ante la inevitable tormenta final.
TOPKAPI
Puntuación: 5
Duración: 2 h
País: USA / 1964
Dirección: Jules Dassin
Dentro de la carrera de Dassin, esta es una obra de tono menor, comedia marcadamente comercial en pleno declive y como se ha escrito por ahí, hija de su tiempo, unos años 60 cargados de psicodelia que hoy se nos antoja muy kitsch.
Dentro del subgénero de robos, en el que Dassin nos había regalado "Rififi" en el 55, se recordará por la escena cumbre en el museo y por un siempre genial Ustinov que conforma un personaje divertido y entrañable en una actuación que mereció el Oscar al mejor secundario arrebatado al mismísimo John Gielgud por "Becket".
Ingenua hasta decir basta, posé el ritmo suficiente para entretenernos sin exigencias, hacer algo de turismo por Turquia y contemplar a la futura Ministra de Cultura Griega, Melina Mercouri y mujer del director ejerciendo de manipuladora ninfomana.
TRES VECES VEINTE AÑOS
Puntuación: 5
Duración: 1 h 30 m
País: Francia / Bélgica / Reino Unido / 2011
Dirección: Julie Gavras
Hurt y Rossellini sustentan una comedia dramática que no acaba de cuajar en ninguno de los dos aspectos.
Tras una primera media hora donde la visión sobre la frontera que supone cumplir 60 años y entrar en la etapa final de la vida da sus mejores momentos con diálogos mordaces y situaciones divertidas, la cosa va languideciendo al compás de una banda sonora fuera de lugar que parece recordarnos que el carácter de coproducción conlleva que cada país aporte algo por su parte sin que empaste en el todo.
CUMBRES BORRASCOSAS
Puntuación: 7
Duración: 2 h 8 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Andrea Arnold
Despues de sus tres primeras obras, definitivamente me gusta el cine que propone Andrea Arnold. Imperfecto, como todo, con sus luces y sus sombras, aún no acaba de explotar definitivamente con una gran obra pero lo está buscando y probablemente lo conseguirá.
Arriesgada y valiente se atreve con este novelón de la literatura universal de Emily Brontë lleno de pasión y tragedia y lo adapta por enésima vez con una mirada personal y sugerente subrayando las atmósferas y los entornos donde se desarrolla la trama, abundando en la teoría de que las latitudes y las tierras que acogen a los diferentes colectivos humanos estan íntimamente ligados a su carácter y condicionan sus acciones y sentimientos.
Para ello convierte el paisaje y el entorno (la casa, los animales, los objetos, la lluvia, el viento....) en uno más de los protagonistas. Abandona la original, en su día, estructura de "muñecas rusas" de la novela que tanto desconcertó a los críticos de la época, para apostar por una linealidad de los hechos de forma austera con escasos diálogos y carente de banda sonora. La fotografía se adueña de la cinta junto con la cámara de mano que acompaña a los personajes enfocando microscopicamente la realidad y desenfocando los sentimientos.
Los personajes, más cercanos a la versión descarnada de Buñuel en el 53 que a la romantica de Wyler en el 39, funcionan mejor en la primera parte y aunque cuenta con escenas de gran intensidad dramática el conjunto adolece de una cierta frialdad que choca con la intensidad pasional de la novela y un final que paradojicamente atempera el tono de lo que venimos presenciando y deja en el aire el futuro de los personajes rematados en la obra de Brontë.
Como anécdota, no menor, Arnold podría haberse ahorrado las escenas de maltrato animal que si bien desgraciadamente siguen perdurando en nuestros días, poco o nada aportan a la historia.
Interesante y notable trabajo a la postre que entusiasmará a muchos y será odiada por otros tantos. Para eso estan las grandes obras y sus múltiples visiones.
LOS PASOS DOBLES
Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: España / Suiza / 2011
Dirección: Isaki Lacuesta
Si no supiera nada más sobre este realizador catalán, esta obra personal y minoritaria, nada comercial, me habría despertado el interés por visionar más trabajos suyos anteriores. Y como además solo he visto este, pues eso, lo dicho.
Que no sea apta para todos los paladares y que dependa por ello del estado anímico, sensibilidad y gusto subjetivo de cada espectador, más que otro tipo de cine, no es obviamente sinónimo de mal cine o de "una gilipollez pretenciosa" como ha escrito Boyero con el que suelo coincidir muy a menudo y tiene todos mis respetos, por mucho que él no respete con dicho comentario el trabajo de Lacuesta.
Tampoco entro en si merecía la Concha de Plata del pasado festival de Donostia, el caso es que a mi personalmente me ha parecido un trabajo muy original, atractivo y creativo en el que nos acerca a una vida cuando menos peculiar como fue la del francés François Augiéras, escritor, pintor, aventurero que vivió una vida tan irreal y extravagante como la del protagonista africano que le encarna.
Lacuesta aún va más allá y aprovecha el amor de Augiéras por África para narrar, mitad documental, mitad ficción, la historia del personaje a través de la óptica de nativos de Mali, confiriendo a la historia un tono de cuento o leyenda africana que refuerza aún más si cabe el complejo mundo místico del francés y lo enlaza con el personaje y la obra de su amigo Miquel Barceló, quien asume el rol de un moderno Augiéras en su faceta de artista que en un nuevo siglo también busca refugio en África. Añade la historia en paralelo de aquellos que también se encuentran en proceso de búsqueda, siendo esta mucho más prosaica en principio, un tesoro, que acabará por ofrecer algo más importante y personal.
Ritos, tradiciones y una factura visual impecable forman un collage, un rompecabezas subyugante que me ha llevado a su terreno durante hora y media. Sobre gustos...
EXTRATERRESTRE
Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: España / 2011
Dirección: Nacho Vigalondo
Creo que este último trabajo de Vigalondo le ha quedado más redondo que la excesivamente pretenciosa e interesante de los "Cronocrimenes". Aquí consigue una comedia romantica con tintes suaves dramáticos y de película de genero, haciendo malabarismos con una producción bajo mínimos apoyado en un guión original y extravagante, con toques de humor absurdo, a mi juicio el único que dominamos con dignidad los españoles y cuatro actores principales que estan estupendos en sus roles sin que cojee ninguno de ellos.
Las diferente aristas de la propuesta mantienen la tensión y el interés, trufado de esa comicidad heredera de nuestra mejor tradición que no se prodiga en demasía.
Es cierto como se ha escrito que tiene los aires de un corto alargado y la publicidad de su cartel no tiene abuela pero aún así esta muy por encima de la media de las comedias que se estrenan fuera y dentro de nuestro país. Nos alegramos.
EL EXÓTICO HOTEL MARYGOLD
Puntuación: 6
Duración: 2 h 4 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: John Madden
Visión edulcorada y comercial de segundas o terceras oportunidades cuando entramos en el tramo final de nuestras vidas. Dejarlo todo y comenzar de nuevo en un sitio totalmente diferente al mundo que conocemos se nos ha pasado por la cabeza a muchos aún antes de llegar a esa etapa de la existencia.
Con un guión que toca varios palos pero todos ellos de puntillas y sin querer violentar a nadie, apuesta por el optimismo reflejado en la frase que se repite como karma varias veces en la cinta: "Al final todo acabará bien y si no es así, es que no es el final".
Tan ilusorio y optimista presupuesto y más teniendo en cuenta el marco donde transcurre la acción, una india superpoblada de gente cuyas desigualdades y miserias estan muy lejos de la esperanzadora frase, se sostiene básicamente por un elenco de ponerse firmes que dan vida a cada escena, llenan la pantalla y sacan petroleo de cada frase, acertada o no de los guionistas.
Solo por "degustarles" merece la pena resistir las dos horas de metraje. Todo lo demás incluida la dirección es otra historia que no pasará a la idem.
LA CENA DE LOS ACUSADOS
Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 1934
Dirección: W.S. Van Dyke
Pelotazo comercial debido básicamente al acierto que tuvo Van Dyke al elegir a la pareja protagonista cuya química funciona a la perfección con el añadido de su perro Asta, contrapunto divertido a todo tipo de situaciones.
Basado en la novela "El hombre delgado" de uno de los padres del cine negro, Dashiell Hammett, propició trece entregas más de las aventuras de la popular pareja de detectives , siendo esta y sobre todo "Ella, él y Asta" la continuación un año despues, las mejores.
Ritmo alocado, humor visual y equilibrada mezcla de géneros consiguen llevarnos en volandas, del enigma a la comicidad sin apenas darnos cuenta. Gozamos también de la presencia de una Maureen O´Sullivan con bastante más ropa que su famosa "Jane", señora de Tarzán, estrenada dos años antes. Llama la atención el grado de alcoholismo de sus protagonistas que no paran de beber, quizás para compensar el termino el año anterior de la famosa Ley seca que estuvo en vigor trece años.
LA GRAN PRUEBA
Puntuación: 8
Duración: 2 h 12 m
País: USA / 1956
Dirección: William Wyler
La mayoría de la critica la tacha de "blanda" en general y dentro de la obra de Wyller en particular. Quizás el delicioso tono de comedia de su primera hora, con un ambiente bucólico de una comunidad cuáquera en la Indiana de 1860 contribuya a tal apreciación pero en el fondo no es sino el preludio que nos muestra un mundo aseptico donde las pasiones de los seres humanos son restringidas artificialmente en base a un dios proveedor y misericordioso que nos librará de todo mal.
La realidad acecha durante todo el metraje y esta familia modelo, como cualquiera, no puede resistirse a la vanidad de quedar por delante en una carrera de carros, disfrutar de un capricho como un órgano o bailar con la persona que amas.
La guerra constituirá la "gran prueba" por las que pasaran con fortuna, aunque ya nada será igual.
Interesante reflexión sobre la religión y la conciencia individual.
La segunda parte toma un giro dramático y emotivo en la que la tensión a la que son sometidos los personajes en diferentes situaciones nos hará replantearnos la prioridad de nuestra relaciones con nuestros seres queridos y el orden de nuestras prioridades vitales.
El adolescente que necesita "convertirse en hombre" , la magia del primer amor, el padre y la madre que asumen y respetan la libertad de sus hijos aún a costa de perderlos. La reacción instintiva de la madre ante el maltrato de un animal de compañía, el sagrado valor de la vida por encima de la venganza ante quien a matado a un amigo, la visión cruda elemental y sincera del punto de vista de la infancia... Pues si esto es ser blando. Un servidor ha sentido pánico al ver como el hijo se despide para ir a la guerra. Sera que con la edad y los hijos también me he vuelto blando.
Basada en la novela de Jessamin West de 1945, este alegato antibelicista al final de la segunda guerra mundial, inspirada en los relatos que le contaba su madre cuáquera de su pasado en Indiana fue en principio un proyecto de Capra que no llegó a realizarse con un guión de Michel Wilson que denunció a la productora Allied Artists por basarse en él sin su autorización. Al final la película aparece en su estreno sin guionistas acreditados dado que Wilson estaba en la lista negra del macartismo. Primera aventura de Wyler como productor independiente duplicó su presupuesto inicial de un millón y medio de dolares y se salvó del fracaso comercial gracias al espaldarazo de la Palma de Oro que recibió en Cannes y los royalties por la canción de la película interpretada por Pat Boone.
Gary Cooper esta estupendo en su madurez en su doble faceta cómica y dramática al igual que el resto de un reparto donde incia su carrera un Anthony Perkins en papeles atormentados de desigual fortuna.
La cinta obtuvo 6 nominaciones. Todo un clásico.
ALMANYA. BIENVENIDOS A ALEMANIA.
Puntuación: 7
Duración: 1 h 37 m
País: Alemania / 2011
Dirección: Yasemin Sandereli
Toda moneda tiene dos caras y Yasemin Sandereli ha elegido para su notable opera prima la más amable e idílica, casi irreal de lo que conlleva la inmigración. Si aceptamos esto, como el que acepta que a pesar de que solo toque a unos pocos, la lotería existe, podemos disfrutar con esta familia que se reúne y reencuentra en torno al abuelo en un viaje a sus orígenes.
Apuesta su directora por la mezcla de razas y culturas, y todo tipo de comprensión sobre las vicisitudes de la vida.
Fabula o cuento tan lleno de bondades, no resulta empalagoso, más bien al contrario, nos divierte y enternece ante la visión de un mundo sin fronteras donde el respeto a las individualidades de cada cual se compartan con los demás.
El tono narrativo es fluido con una estructura semejante a "La princesa prometida" (1987) de Rob Reiner, donde a un niño se le va contando en flashbacks la historia a modo de relato o cuento.
El reparto esta equilibrado asumiendo sus roles sin mayor problema. No pasará a la historia pero la he disfrutado con agrado en toda su ingenuidad, en unos tiempos donde el drama necesita de carne cruda y violencia para ser altamente considerado y la comedia, de descerebrados escatologicos para ser "descacharrante" o adjetivos similares.
LA DANZA. EL BALLET DE LA OPERA DE PARÍS.
Puntuación: 8
Duración: 2 h 32 m
País: Francia / 2009
Dirección: Frederick Wiseman
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El veterano y reconocido documentalista Frederick Weiman nos ofrece una exhaustiva mirada al interior complejo y fascinante del Ballet de la Opera de París, mundialmente famoso.
Asistimos pues como invitados de lujo, casi sin molestar a los ensayos y entresijos no siempre artísticos de una compañía de este calibre y si bien nadie se comporta con libertad cuando sabe que una cámara esta presente, si que consigue reflejar el ambiente de puertas adentro con bastante fidelidad. Al menos puedo decirlo desde mi propia experiencia en el BNE en la etapa que dirigió Jose Antonio y que esta cinta no solo me evoca gratos recuerdos sino profunda admiración por todo el equipo que constituyen las gentes que sacan adelante tanto arte muchas veces ninguneado. Nada tiene que envidar nuestro BNE al parisino en su calidad y si mucho en sus medios y recursos.
En fin, que Weiman no olvida ni uno solo de los rincones, desde el edificio y sus tripas hasta el personal de limpieza, pasando por sastrería.... etc, etc y como no, los perennes e interminables ensayos de una profesión muy dura, la lucha de sus gestores y los vaivenes políticos de turno.
Pocos alardes de dirección se permite Weimar en una obra alejada del virtuosismo de "Pina", y se echan de menos algunas aclaraciones sobre el funcionamiento de todo el entramado para el neófito o la sobreimpresión de quien esta hablando o bailando y sobre que títulos recaen las escenas.
Documento en cualquier caso imprescindible para la historia, para las videotecas de los amantes de la danza y a pesar de su excesivo metraje para cualquier publico sensible a una de las representaciones artísticas más entroncadas con la espiritualidad del ser humano.
TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN
Puntuación: 6
Duración: 1 h 50 m
País: Reino Unido / USA / 2011
Dirección: Linne Ransay
Mucho ruido y pocas nueces. Linney se luce demostrando un amplio abanico de recurso filmicos que acaban por fagocitar el resultado de una historia inquietante y que por mucho que la realidad supere la ficción es poco creíble.
La angustia y el calvario que sufre la excelente Tilda Swinton funciona en la primera media hora, (la narración en flashback, el acoso de los vecinos, etc) despues se convierte en un interminable recorrido hacia un final anunciado y previsible sin que ninguno de los progenitores de este engendro psicológico surgido por generación espontanea, tome cartas en el asunto, con un Reilly forzado a ser un convidado de piedra inverosímil y una Swinton anonadada, atada de pies y manos por un guión que ejerce de destino fatal inexorable.
La premiada directora escocesa que aquí escribe, dirige , produce y parece tener alguna fijación por el tomate, es innegable que posee talento y personalidad creativa que esperemos cuaje mejor en próximos proyectos.
ADIÓS A LAS ARMAS
Puntuación: 6
Duración: 1 h 18 m
País: USA / 1932
Dirección: Frank Borzage
Parece ser que a Hemingway no le hizo mucha gracia esta adaptación de una de sus primeras novelas que refleja de forma autobiográfica sus experiencias como conductor de ambulancias durante la primera guerra mundial. A pesar de contar con Cooper, amigo y compañero de borracheras.
Borzage carga las tintas en el melodrama romántico y si bien la guerra está presente en todo momento lo hace de manera tangencial sobre la historia de sus protagonistas. Una Helen Hayes que acababa de recibir un Oscar por "El pecado de Madolon Claudet" y que está convincente dentro de un contexto poco realista. Gary Cooper, aparece como un gigante en tierra de liliputienses y se deja querer por la cámara sin arriesgar demasiado. Menjou, siempre eficaz aporta la visión cínica de una guerra despiadada donde a la postre nadie merece morir por unos ideales siempre manipulados, que jamás deberían hacer sombra al amor.
El paso del tiempo ha hecho mella y las elipses que aceleran la acción son muy ingenuas restando dramatismo al entorno. Obtuvo dos Oscars a la fotografía y el sonido que el estado de la copia que vi no permite disfrutar. Aún así, el melodrama funciona con momentos emotivos hasta una coda final excesivamente pretenciosa en lo formal por mucho significado poético que se le quiera dar.
¿Y AHORA A DONDE VAMOS?
Puntuación: 5
Duración: 1 h 37 m
País: Líbano / Francia / Italia / Egipto / 2011
Dirección: Nadine Labaki
Reconozco que me ha costado no abandonar este nuevo trabajo de Lbaki, precedido del éxito de la interesante "Caramel", durante su primera hora. A esta fabula voluntariosa y bienintencionada le falta la maestría del maestro Berlanga, para que lo pretendidamente gracioso lo sea, le falta mala leche y sobre todo le falta una dirección que sepa dinamizar un guión que avanza de forma lenta y previsible y unos actores que tengan el carisma suficiente para hacerlos entrañables.
Comparada con la "Fuente de las mujeres" de Radu Mihaileanu, de tematica similar sale bastante mal parada. Intenta Labaki ir tirando del carro con canciones, coreografías y nuevos personajes (las chicas de music-hall) sin que la cosa coja velocidad.
Es en su última media hora donde justifica su sentido partiendo de una ruptura dramática emotiva y sobrecogedora, donde las mujeres poseen la lucidez suficiente para soslayar sus creencias que solo generan muertos y agarrarse a la vida y al amor como única esperanza en un mundo que cambiará en cuanto restauren el puente que les une con la cruda realidad.
YOUNG ADULT
Puntuación: 5
Duración: 1 h 34 m
País: USA / 2011
Dirección: Jaison Reitman
Lo primero que me llama la atención es que a este drama tristón y patetico (en el buen sentido) se le califique de comedia, ni siquiera aunque se le añada en ocasiones, dramática.
El nombre de Charlize, el hábilmente engañoso cartel y las referencias de la nueva colaboración de Reitman con su guionista de "Juno", Diablo Cody, también contribuyen al despiste. Sin embargo nos encontramos con una obra nada comercial dentro de los cánones de los circuitos norteamericanos, muy sutil y con un resultado de los que cobran sentido más cuando los razonas a posteriori que cuando estas en la butaca esperando que tan buenos mimbres no se queden tan solo en eso.
Y a mi juicio se quedan, por mucho que entendamos lo que Cody y Reitman nos quieran contar sobre la sociedad actual, la perdida de las ilusiones juveniles, la búsqueda de la felicidad, el vacío existencial... y bla, bla, bla. Hay tramos de la cinta realmente reiterativos y soporíferos. Tampoco acaba de convencerme la subtrama del antiguo compañero de clase lisiado injustamente y sus consecuencias algo forzadas.
Reitman dirige con mimo la historia sustentada en su totalidad por una genial Theron que parece que encuentra sus mejores cotas interpretativas con personajes interesantes que ella sublima, en cintas débiles.
Preñada de detalles y metáforas, puede que el tiempo la revalorice o se quede como una curiosidad en la obra de Reitman.
CUENTA ATRÁS
Puntuación: 6
Duración: 1 h 25 m
País: Francia / 2010
Dirección: Fred Cavayé
Otra prueba más de que la industria francesa es capaz de competir con el cine americano incluso en uno de sus feudos como es el thriller. Como ejemplo valga la comparación con la estrenada este año "Al borde del abismo" de Aster Leth.
La credibilidad y por ende emoción y tensión de la francesa es muy superior a la norteamericana, tratando ambas temas parecidos, mil veces propuestos y sin mayor pretensión que entretenernos un rato (se agradece también el ajustado metraje de la europea).
Cavayé imprime ritmo y un buen montaje a la acción, con un elenco equilibrado y solvente entre los que se encuentra Elena Anaya y si bien no acierta a resolver con brillantez los momentos álgidos, se visiona con interés.
FRENCH KISSERS
Puntuación: 7
Duración: 1 h 25 m
País: Francia / 2009
Dirección: Riad Sattouf
Gracias a que obtuvo un Cesar a la mejor opera prima en el 2009, solo hemos tardado tres añitos en que se deje ver por estos lares, y eso que la industria francesa no debería tener queja de la distribución en nuestro país.
En cualquier caso la industria cinematografica francesa parece que goza de buena salud y me atrevería a decir que proporcionalmente sus cintas son superiores a la industria americana. Este es el caso de esta comedia sobre adolescentes dotada de ritmo, gracia y frescura con unos personajes y un entorno, no ya más cercano, a nuestra realidad europea, sino más creíble y acertada en el reflejo de una etapa de nuestra vida denominada como la "edad del pavo".
Un universo privado, alocado, lleno de descubrimientos, mitos y tabúes que pasan por nuestra vida como una tormenta de verano a veces intensa pero siempre pasajera.
Sattouf, realizador de cómics sobre adolescentes, ha sabido trasladar el lado divertido de su mundo a la pantalla.
ALAS
Puntuación: 8
Duración: 2 h 18 m
País: USA / 1927
Dirección: William A. Wellman
Cuando se habla de esta película lo primero que se dice es que fue la primera que ganó un Oscar como mejor película en la primera edición de los premios de la Academia creada por Mayer para contrarrestar los sindicatos de actores y técnicos, y que hasta la actual "The Artist", fué la primera y única muda en conseguirlo. Pues dicho queda.
Lo alucinante es que a sus 85 años se puede visionar sin problemas hoy día y ademas entretiene a pesar de su excesivo metraje.
Wellman lo borda con una planificación excelente sobre un guión que vive de un triangulo amoroso convencional que planea (nunca mejor dicho) sobre las escenas de la I Guerra Mundial en las que se ven inmersos sus dos protagonistas, autentico baluarte de la película rodadas con gran acierto y despliegue de producción de forma muy realista y que causan aún hoy envidia a muchos de los films posteriores.
Aportación de la Paramount a las películas de guerra que tanto gustaban por esas fechas con la malograda Clara Bow como reclamo publicitario.
Se da la circunstancia que director y dúo protagonista fueron aviadores en la vida real y debieron disfrutar del asunto. Hay comedia, melodrama, amistad, camaradería, tensión, emoción... fue un gran éxito en su momento impactando por sus efectos especiales (se llevaron otro Oscar) potenciados en las propias salas con sonido en directo. También sale Gary Cooper unos minutitos luciendo palmito en espera de mejores tiempos. Al final al guión le sobran escenas en el díscolo París y se olvida de dedicarle unos segundos para consolar y cerrar el personaje de Jobyna Ralston, a lo mejor para compensarla su amado en la ficción Richar Arlen se casó con ella en la realidad.
Lo dicho, que a esta pionera aún le queda marcha.
DECLARACIÓN DE GUERRA
Puntuación: 8
Duración: 1 h 40 m
País: Francia / 2011
Dirección: Valerie Donzelli
Sorprendente, innovadora y fresca tanta en su realización formal, llena de propuestas de todo tipo (musicales, humor, drama, ficción) y riesgos narrativos como en su punto de vista de una realidad terrible, afrontada desde el amor y las ganas de vivir.
Repaso artístico y emocional a la experiencia vivida por la propia pareja protagonista a raíz de la enfermedad de su hijo, que ha sabido transmitirla con acierto lanzando un mensaje vitalista y esperanzador, alejado de los cánones melodramáticos al uso que el cine da a este tipo de situaciones estremecedoras.
Digna de los presupuestos de una nueva nouvelle vague, supone un comienzo estelar para su directora y un reto dificil de mantener y superar. Seguiremos atentos.
POPIELUSZKO. LA LIBERTAD ESTÁ EN NOSOTROS
Puntuación: 5
Duración: 1 h 48 m
País: Polonia / 2009
Dirección: Rafal Wieczynski
Documento hagiográfico sobre el sacerdote polaco cuyas homilías en favor de los derechos de libertad del pueblo polaco en los 80 entroncaron con las movilizaciones del sindicato Solidaridad y le convirtieron en persona non grata para un régimen comunista dictatorial y represivo que acabó asesinándole.
Todo ello contado con cierta tosquedad en tono documental, sobre todo en la primera parte de la cinta, que amontona situaciones confusas subrayadas por escenas reales de la época. Es en su segundo periodo donde la actuación esforzada y solvente de Adam Woronovicz confiere algo de lustre a un personaje del que se nos cuenta poco más de lo necesario hasta su triste final.
Película que posee el beneplácito de la iglesia católica que recientemente beatificó a Popieluszco y que uno acaba con la sensación de que le utilizó como peón circunstancial en la lucha de Juan Pablo II, anticomunista de pro como el propio protagonista, sin arroparle lo suficiente ante una muerte anunciada y beneficiándose a la postre de su martirio. Desgraciadamente esta misma iglesia no fue ni mucho menos solidaria contra otros regímenes autoritarios (Chile, Argentina o la propia España) de diferente signo político e igual o peor comportamiento criminal.
Como recordatorio de lo que se coció en plena Europa antes de la caída definitiva del muro puede aportar cierto interés.
EL FORASTERO
Puntuación: 9
Duración: 1 h 40 m
País: USA / 1940
Dirección: William Wyller
Wyller estaba a sus 39 años en plena madurez profesional, no diremos que en su mejor momento porque no recuerdo un momento malo. Aquí vuelve a dar una lección magistral de cine, compendiando el genero del Western pasado, presente y futuro sobre la base de apenas unos apuntes sobre el personaje real del Juez Roy Bean que compró Goldwin y que Niven Bush supo convertir en una trama coherente alejada de la realidad histórica del famoso juez.
Cooper, ya estrella consagrada acepta compartir protagonismo con su amigo de tiempos pasados Walter Brennan que le roba el protagonismo componiendo un personaje entrañable y patético, odioso y querido a partes iguales.
Wyller mezcla de todo y lo hace con el ritmo y proporciones justas. Hay comedia de la buena con unos excelentes diálogos de Jo Swerling, propiciando un mano a mano entre Cooper y Brennan, donde se nota su compenetración más allá de la pantalla y que para mi es de lo mejor de la cinta. Pero también hay acción, drama, lirismo y recital de planos a la carta, cambios de ritmo, espectacularidad y tensión como para quitarse el sombrero. Desde esplendidas cabalgadas a infinidad de pequeños detalles sobre todo de comedia deliciosos (el enterrador, el aseo de Cooper, la graduación del whisky).
Sin olvidar el entramado de fondo donde la lucha perenne entre granjeros y ganaderos por un estilo y modelo de vida cobra su dramatismo en una tierra donde la justicia apenas era una caricatura representada por gentes que fueron mucho más arbitrarios, crueles y despiadados que el propio Roy Bean, apodado el "Juez de los ahorcados" cuando no hay constancia que Bean ahorcase a nadie.
Su pasión por la actriz Lilly Langtry a la que nunca llegó a conocer le confiere un aire de romanticismo ideal para la leyenda.
Por si todo ello fuera poco Greg Tolland se hace cargo de la fotografía aumentando su propia leyenda.
Y como anécdota final vemos a Doris Davenport, cuyo nombre en algunos carteles desaparece en favor de un Dana Andrews irrelevante en la cinta, interpretando una escena que nos remite a la Scarlett de "Lo que el viento se llevó", para cuyo papel quedo finalista y que pudo cambiar su destino. Al final no pasó del protagonismo femenino de esta cinta.
Brennan se llevó el Oscar (tercero de su carrera) arrebatandoselo a James Stephenson nominado por la otra película de Wyller ese año, "La carta" con nada menos que siete nominaciones. Y es que Wyller no paraba.
MONEYBALL.ROMPIENDO LAS REGLAS.
Puntuación: 8
Duración: 2 h 13 m
País: USA / 2011
Dirección: Bennet Miller
Se ha tomado su tiempo Miller, seis años, desde su estupenda "Truman Capote". Ahora asume este encargo de rebote despues de haber pasado por otros candidatos y realiza un trabajo notable apoyado por guionistas de lujo Zaillian y Sorkin, que no acaban de darle la puntilla a la historia de un hombre que tuvo la visión y el coraje de innovar, obligado por las circunstancias, el deporte nacional norteamericano.
Pitt se apodera del personaje y de la pantalla y hace que el metraje no decaiga en ningún momento, bien secundado por un John Hill fuera de sus registro habitual de comedia y un Hoffman invitado de lujo que si no fuera por lo anecdotico de su personaje se los zampa a todos.
Escenas de brillantes diálogos que ponen al descubierto lo que se cuece detrás del mero deporte, con jugadores que son intercambiados como cromos, en una autentico negocio. Negocio que Billy Beane manager de los Atleticos de Oakland cambió sin dejar por ello atrás cosas más importantes que el éxito, el dinero y la fama.
ALBERT NOBBS
Puntuación: 6
Duración: 1 h 53 m
País: Reino Unido / Irlanda / 2011
Dirección: Rodrigo García
El conjunto notable de las partes no desemboca en este caso en el mismo resultado final. El guión se queda escaso ante unos personajes que merecen más desarrollo. Desoladora, áspera, retrata las ilusiones y esperanzas de una vida mejor de una clase trabajadora al servicio, casi rozando la esclavitud, de otra clase acomodada en la Irlanda de principios del siglo pasado. Y en particular de la mujer, siempre ocupando lugar aparte entre los más discriminados de los discriminados.
Close, cuya implicación en la cinta ha sido total, nos regala momentos magistrales donde las ansias de encontrar su lugar en el mundo y sus frustraciones se condensan al limite a punto de explotar en una actuación contenida y peculiar. El resto del reparto femenino lo borda. Desde la genial Janet McTeer, pasando por la ascendente Wasikosvska, hasta Pauline Collins como la avispada Sr. Baker.
Rodrigo García pierde demasiado tiempo en contemplar a unos personajes que tienen mucho más que contar.
SOMBRAS DEL TIEMPO
Puntuación: 8
Duración: 2 h 2 m
País: Alemania / 2004
Dirección: Florian Gallemberger
Ocho años ha tardado en llegarnos esta notable película alemana ambientada en la india, aún cuando está muy por encima de las cintas que han pasado por nuestra cartelera durante dicho tiempo.
Impecable factura en una producción muy cuidada donde resalta la labor fotográfica de Jürgen Jürges y la dirección sobria y académica que lleva con buen pulso su director.
Tragedía dramática sobre el amor de dos personas zarandeadas por el destino, las circunstancias sociales y plagada de silencios llenos de esperanzas y cobardías.
Mantiene la tensión durante todo el metraje y nos implicamos con unos personajes a los que acompañamos en su devenir desde la infancia y que todo el elenco de actores, bien elegido, se encarga de hacer creíble. Siempre emotiva, aunque en su tramo final roce peligrosamente el melodrama.
Una historia de amor profundo que permanecerá en el recuerdo.
ORO NEGRO
Puntuación: 5
Duración: 2 h 9 m
País: Francia / Italia / Qatar
Dirección: Jean Jacques-Annaud
Alejado de antiguas glorias, Annaud se embarca con pasta de Qatar en una de aventuras con mensaje.
Todo es tópico, convencional y previsible, con una primera media hora para olvidar. Un estupendo Mark Strong apuntala algo el asunto pero a costa de poner en evidencia al resto del reparto donde Banderas compone un personaje de opereta pasado de muecas, excepto en la escena final donde ya es demasiado tarde.
Es muy dificil hoy en día rememorar aquellas cintas de aventuras para todos los públicos o una buena comedia que no tome al espectador por retrasado. Hay excepciones por supuesto, pero esta no lo es.
Las arenas del olvido la cubrirán para siempre en cuanto que "amenice" alguna sobremesa soporífera televisiva de fin de semana.
THE YELLOW SEA
Puntuación: 5
Duración: 2 h 21 m
País: Corea del Sur / 2010
Dirección: Na Hong-jin
Por los récords de taquilla tanto de "El hombre sin pasado", de Lee Jong-beon, como por esta que nos ocupa, en su propio país y a falta de mayor conocimiento de otro tipo de filmografia sur coreana, parece que a sus espectadores les va la marcha.
De las dos prefiero la primera, esta me parece excesiva en muchos aspectos no justificados empezando por el metraje y terminando por la inagotable violencia.
Es innegable que su director posee feeling y es capaz de dotar no solo de ritmo trepidante sino de pausas significativas e interesantes, pero todo ello lastrado por un guión imposible y farragoso cuyos tintes sociales del comienzo se quedan en pura y dura acción que por muy bien rodada que esté acaba empachando y por qué no, aburriendo.
Jong-beon prefiere cargar las tintas en el corre corre que te pillo en una reedición coreana y violenta de los Keystones Kops que en desarrollar todas las incógnitas que parecen tener los personajes y que al final quedan en la nada de la inmensidad, de la soledad, del mar amarillo.
VETE Y VIVE
Puntuación: 7
Duración: 2 h 14 m
País: Francia / Israel / 2005
Dirección: Radu Mihaileanu
A raíz de sus últimos trabajos como "El concierto" y "La fuente de las mujeres", me intereso por la obra de este director francés, judío de origen rumano, recuperando esta notable epopeya del 2005 sobre la vida de un niño etíope cuya madre, aún a costa de separarse de él, consigue que abandone la miseria y probablemente eludir la muerte en un campo de refugiados de Sudan, gracias a la campaña que realizó Israel en el 85 para trasladar a su territorio a los judíos etíopes llamados Fashalas.
A partir de ahí acompañaremos al joven Schlomo por su periplo vital (educación, familia de acogida) donde a los problemas inherentes de cualquier joven, se añaden el trauma del desarraigo, la intolerancia social y religiosa en Israel y el perenne deseo de reencontrase con la madre perdida.
Sencilla, llena de momentos emotivos y de gran belleza, peca de una falta de síntesis en la historia con un metraje excesivo. Posee buenas interpretaciones en los personajes principales y evidencia la facultad de su director para denunciar con un cine social que no reniega de una factura comercial y asequible a todos los públicos. Desgraciadamente su distribución es escasa y pasa fugazmente por nuestras carteleras.
UN LUGAR PARA SOÑAR
Puntuación: 6
Duración: 2 h 4 m
País: USA / 2011
Dirección: Cameron Crowe
Uno piensa que este tipo de películas, en su justa medida, deberían ser imprescindibles en la historia del cine, en tanto en cuanto cumplen una función relajante, de fabula o cuento moral para todos los públicos, en el que contra toda evidencia nos invitan a soñar con mundo y un ser humano mejores. Compensan así una balanza donde la violencia, el horror y la cruda realidad del día a día, de los que el cine debe dar testimonio, suelen descompensar.
Alejada de la estupenda "Jerry Maguire", aquí todo discurre en un tono menor y previsible, con momentos simpáticos entrañables y emotivos bien engrasados en los que no pesa el metraje, con interpretaciones solventes al servicio de la moraleja del asunto, y aunque un zoo no sea ni con mucho la mejor solución para los animales, nos transmite el amor y el respeto que deberíamos sentir por estos compañero de viaje.
El hecho de que se base en una historia real sobre el parque Rosemoore nos hace salir de la sala con un cierto optimismo pensando, que quizás sería bueno echarle 20 segundos de coraje a algunos momentos que podrían cambiar nuestra vida. Y es que en el fondo a nadie le amarga un dulce.
ROUTE IRISH
Puntuación: 7
Duración: 1 h 49 m
País: Reino Unido / 2010
Dirección: Ken Loach
Loach sigue ahí, perenne e incansable con su estilo propio, ajeno a modas y tendencias, golpeando insistentemente en nuestras conciencias, con su cine social, denunciando el día a día el lado oscuro de su sociedad, extrapolable al resto de la humanidad.
Ahora toca hablar de los buitres (con perdón para los animales) que se aprovechan para enriquecerse con los despojos de países y sociedades que ya bastante han sufrido con sus dictadores como para seguir sufriendo con sus supuestos "salvadores".
Bajo una envoltura de thriller vuelve a poner sobre la mesa el horror y la insensibilización a la que es capaz de llegar el ser humano en su afán de riqueza.
El retrato de esos mercenarios, profesionales sin escrúpulos, aventureros que acaban consumidos por su propia locura, sometidos a un stress emocional brutal, solo puede acabar en caminos extremos.
Si bien Loach no consigue una de sus mejores cintas si que nos motiva a la reflexión. Con ritmo pausado, buenas interpretaciones, el guión se estanca en ocasiones y el perfil de los personajes es algo plano apoyándose en premisas demasiado simplificadas y subrayadas, aunque no por ello carentes de valor.
BREAKING BAD (5ª temporada)
Puntuación: 9
Duración: 8 episodios de 46 m
País: USA /AMC
Creador: Vince Gilligan
Duración: 8 episodios de 46 m
País: USA /AMC
Creador: Vince Gilligan
Todo llega. Y así como el que no quiere la cosa ya solo nos queda la mitad de la última temporada de esta serie que quedará en mi memoria como una de las mejores, sino la mejor actualmente.
Walter, sigue su camino hacia el lado oscuro. El instinto de supervivencia y la cercanía de una muerte inevitable le lanzó a una carrera desenfrenada cuya inercia es imparable. Al final el precio a pagar está siendo tan elevado que no hay vuelta atrás.
Estos ocho capítulos, han vuelto a tener "picos" esplendidos y si bien el ritmo se hace más pausado la tensión sigue tan latente que se huele cada segundo. Mención especial para Jonathan Banks como Mike.
| Jonathan Banks |
Si no se vuelven locos, creo que acabaran bien lo que bien empezaron y Braking Bad ocupará el lugar de honor que se merece en la historia de la TV.
FRINGE (4ª Temporada)
Puntuación: 7
Duración: 22 episodios de 40 m
País: USA / 2011-2012
Creador: J.J. Abrams / Alex Kurtzman / Roberto Orci / FOX
La verdad es que haciendo honor a su título Fringe consigue siempre renovar al limite. En esta cuarta temporada con motivos sobrados, ya que si bien hay que quitarse el sombrero ante la maestría de los guionistas para darle mil vueltas al asunto, la verdad es que ha sido la más floja de las cuatro.
Hemos ido como una peonza de un universo a otro con duplicidad de personajes hasta decir basta, manteniendo un equilibrio siempre inestable entre los casos particulares y la trama general. Aún así, Fringe sigue siendo una serie entretenida y merece un buen final.
Para ello tiene la oportunidad con la próxima quinta temporada, que empieza en apenas un mes. Esperemos que lo consiga.
GRANDES ESPERANZAS (Miniserie para TV.)
Puntuación: 8
Duración: 3 episodios de 56 m
País: Reino Unido / BBC1
Dirección: Brian Kirk
La cadena pública británica roza ya la chulería. No solo adapta y produce las obras de Dickens una y otra vez, sino a cual mejor. Esta última entrega, enésima de sus adaptaciones en todos los medios, vuelve a lucir una producción ejemplar, una notable adaptación de Sarah Phelps y el consabido reparto inagotable de excelentes actores. Mención destacada para Gilliam Anderson en el sobrecogedor personaje de la señorita Havisham.
Dickens puede estar de enhorabuena en su 200 aniversario, sus novelas gracias principalmente a la fuerza de sus personajes siguen atrapándonos en sus diferentes versiones. Lo mejor sería releerle pero en su defecto buenas son tortas si tienen esta calidad.
EL CABALLERO OSCURO. LA LEYENDA RENACE.
Puntuación: 6
Duración: 2 h 44 m
País: USA / 2012
Dirección: Cristopher Nolan
Acababa de ver "Prometheus" y claro, en comparación estaba disfrutando con este Batman, pero al final sali con la sensación de que en el fondo y salvando las distancias, que las hay, no eran tan diferentes.
Final de la trilogía de Nolan sobre el hombre murciélago con la peor de las tres entregas. Teniendo en cuenta que la primera no estaba mal y la segunda excelente, pues.... casi que tocaba pinchar. Si la miramos como una película de superheroes (acción, efectos....etc) es bastante pobre (por cierto nunca me gustaron los "monster-moviles" militarotes de espantoso diseño conque se desplaza el héroe). Si pensamos en una película de Batman, pues tampoco sale muy agraciada. El caballero oscuro sale poco, muy a la luz del día donde se le ven las costuras y con pocos por no decir ninguno de sus originales gadgets. Las escenas de combate tanto de él como de la gata, son simplonas y desganadas.
Total que nos queda durante casi 3 horas un puñado de actores de primera fila en roles secundarios, con actuaciones secundarias que parecen más, invitados a la despedida del caballero oscuro que en vez de renacer parece que languidece.
Un guión convencional cuyo desenlace no lo redime y un malo muy interesante que me mantiene en la butaca lo suficiente para que no note el exagerado metraje, aunque al final suponga también una decepción.
Muchas de las escena se resuelven de forma, como ya hemos dicho antes bastante desganada y la frescura que Hathaway aporta a la gata negra tampoco se aprovecha (esperamos su propia película).
La coda final parece un inútil y tardío guiño a los fans prometiendoles más aventuras en el futuro con otro director que le ponga más ganas al asunto.
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| CARLOS LARRAÑAGA (1937-2012) |
Vaya racha que llevamos este año con la desaparición de actores y actrices españoles.
Ahora le ha tocado hacer mutis a Larrañaga. Inmerso en el mundo de la farándula (padres, hermana, hijos) a él le toco por guapito el papel más feo, el de galán. Cosa que asumió con buen hacer y dignidad dentro de las tablas y muy alegremente fuera de ellas como mandan los cánones y los estereotipos.
De chaval le recuerdo unido indisolublemente a Maria Luisa Merlo, en un duo actoral que implicaba calidad. Trabajó a destajo como casi todos los que "llegaron" en su generación, en cine, teatro y televisión. Qué tiempos aquellos cuando había trabajo. Fue esta última la que le hizo más popular aún si cabe para las nuevas generaciones con la serie "Farmacia de Guardia". Y si bien ninguna de sus interpretaciones ha dejado la suficiente huella como para recordarla de primeras, triunfó en su oficio y fue recompensado por ello.
En sus últimos años estuvo más en los medios del corazón que sobre los escenarios con su matrimonio de última hora, con una buena amiga, por cierto. También conocí a uno de sus hijos de cuyo nombre no quiero acordarme.
La última vez que le vi actuando fue en la película "Los muertos no se tocan nene" de Jose Luis García Sanchez, cinta que rezuma añoranza por tiempos y cómicos pasados y en la que Larrañaga demostraba con solvencia que sabía de lo que estaban hablando. Bon voyage.
EL CAPITÁN BLOOD
Puntuación: 8
Duración: 1 h 54 m
País: USA / 1935
Dirección: Michael Curtiz
Probablemente si hubiese que elegir un director "medio" que reflejara el arte cinematográfico, sería Michael Curtiz. Es impresionante su oficio y buen hacer en todo tipo de géneros.
En esta adaptación (hubo una anterior en el 24) para la Warner de la novela de aventuras de Rafael Sabatini, basada a su vez en la vida del pirata y posterior caballero Henry Morgan, poco hay que reprochar.
Modelo a imitar del cine de aventuras en general y de corsarios en particular sigue funcionando hoy día como un entretenimiento ejemplar arquetipico de situaciones y personajes del genero.
Es cierto que peca de algo discursiva, pasada de metraje y que recicla y utiliza sin pudor escenas de películas anteriores como "Sea Hawk" rodada una década antes, pero en los primeros años esta practica no era tan inusual y el resultado acabó por definir el genero.
Pero independientemente de que disfrutemos de la historia, y sus magnificas escenas de combate naval, "Capitan Blood" pasa a la historia con letras destacadas al reunir varios hechos significativos en el futuro del celuloide.
Gracias a su sorpresivo éxito comercial dado que sus protagonistas eran desconocidos para el gran público en ese momento,
inició una colaboración que daría otros muchos éxitos profesionales al trió Curtiz, Flynn y Havilland. Lanzo al estrellato a Flynn como el sucesor de Fairbanks, convirtiéndose en el prototipo universal del héroe aventurero, galante y arrogante que nunca le abandonaría y puso de relieve que Havilland no solo era su complemento ideal sino una gran actriz que fue capaz de quitarse el yugo de ser "la chica de Flynn". Ambos actores recién comenzaban sus carreras, Flynn accedió al papel de rebote y probablemente por influencia de su mujer de entonces, que también lo había sido del director. Como quiera que fuese y a pesar de su tosquedad e inexperiencia inicial comenzó a forjarse la leyenda....pero eso es otra historia.
PROMETHEUS
Puntuación: 3
Duración: 2 h 3 m
País: USA / 2012
Dirección: Ridley Scott
De las 22 películas que conforman la filmografia de Ridley Scott a lo largo de sus 47 años de profesión, hay de todo como en botica, muy bueno, bueno, malo y regular. Es obvio que sus dos mejores films estan en sus comienzos y forman parte de los iconos del séptimo arte como "Alien" o "Blade Runner". Le faltaba quizás algo muy malo y por fin lo ha conseguido con esta precuela o lo que sea de "Alien".
Espero que al menos le compense la taquilla porque este juguete artificioso e inútil debe haber costado un pico y medio. Despues de los 5 minutos iniciales con hermosas vistas aéreas creo que de Islandia, se inicia un despropósito de !dos horas!, donde el guión no tiene ningún respeto por la inteligencia del espectador y vive de añoranzas, y gore espacio futurista con pretensiones pseudofilosoficas de todo a 100.
Los diálogos no le van a la zaga, con una galería de ¿personajes?, algunos inverosímiles, que deambulan a la espera de alguna escena medianamente coherente para justificar sus sueldos. Pobres Fassbender y Theron.
Algunas de las escenas finales (no solo del final) rayan el ridículo más espantoso y Noomi Rapace no puede evitar ni un segundo que esperemos el milagro de que se convierta, dado que todo es increíble, en Sigourne Weaver, la única que podría recordarnos que Ridley Scott también hace buen cine.
ELLA, ÉL Y ASTA
Puntuación: 7
Duración: 1 h 49 m
País: USA / 1936
Dirección: W.S. Van Dyke
En este años del 36 Van Dyke rodó seis películas, entre ellas la famosa "San Francisco". En la Metro era un director apreciado porque rodaba muy rápido abaratando costes y si bien sus obras no figuran entre las destacadas de la historia del cine si que gustaban al publico de la época y la mayoría fueron rentables. En apenas 27 años de carrera rodó 87 largometrajes.
El que nos ocupa es la lógica secuela del gran éxito de "The thin man" (La cena de los acusados) y sobre todo de su pareja protagonista cuya química descubrió Van Dyke y que funcionó tan bien que rodaron 14 películas juntos, seis de ellas como la pareja de detectives Nick y Norah Charles creados por Dashiell Hammett.
William Powell en pleno apogeo de su carrera, apenas tuvo que continuar interpretando a un personaje muy similar al detective Philo Vance que ya venia encarnando.
La mezcla de comedia alocada (screewall) y genero detectivesco conformaba un producto agradable y entretenido, rodada de forma ágil, con actuaciones que denotan los inicios del director en el campo del vodevil, personajes excesivamente teatrales y una trama algo farragosa con excesivo metraje para este tipo de cintas. Se la considera mejor que su predecesora y hoy en día aunque se nota su envejecimiento aún resiste un visionado, aunque solo sea por ver a un jovencisimo James Stewart en su segundo año como actor cinematográfico, en un papel peculiar en su carrera.
Personalmente y por razones que desconozco su titulo en castellano quedó grabado en mi memoria desde mi infancia al igual que Asta, el Foxterrier que acompaña a la pareja y cuyas escenas se encuentran entre los mejores gags de la película.
RARE EXPORT. UN CUENTO GAMBERRO DE NAVIDAD
Puntuación: 5
Duración: 1 h 20 m.
País: Finlandia / Noruega / Francia / Suecia / 2010
Dirección: Jalmari Helander
Dicen que en el país de los ciegos el tuerto es el rey. Algo así debió pasar en el pasado festival de Sitges del 2010, para que esta stravaganzza, prometedora y decepcionante a la vez se llevase tres premios, incluido el de mejor película.
Como otros muchos directores que se dan a conocer con cortos exitosos, Helander quiere rematar la faena estirándolos con su primer largo. A posteriori es facil decir aquello de que lo que esta bien mejor no menearlo.
Con una buena factura visual, este cuento de navidad que comienza con un buen suspense fantástico que te engancha rápidamente acaba diluyéndose en una mezcla de géneros que de forma precipitada y casi vergonzosa termina por ser una película banal para niños y papas no muy exigentes.
Al final el añadido de "gamberro" al titulo original parece querer justificar la desigualdad del resultado final.
THE FADES (Serie de TV. Temporada única)
Puntuación: 6
Duración: 6 episodios de 56 m.
País: Reino Unido
Creador: Jack Thorne / BBC3
Esta claro que la BBC, no solo hace buenas series de época. Incluso está claro que con poquito presupuesto se las ingenia para entretenernos con este refrito juvenil de ángeles, zombies y demás parafernalia (sangre, violencia) al que añade su toque "british proletario" y su inconfundible humor de las islas. En este revolutum aún queda sitio para el amor de los adolescentes, y su desarraigo social actual.
Actores solventes con mayor o menor acierto en sus roles, pésimamente vestidos (supongo que será un reflejo de la moda actual británica) y una historia que tarda un par de episodios en arrancar con la suficiente fuerza para que nos enganchemos y nos reconcoma su desenlace. Desenlace que por otra parte mejor que hubiese terminado en el quinto episodio, dejando abierta la serie a una segunda temporada. Como no ha sido renovada había que terminarla como fuera y el resultado ha sido algo desigual. Suficiente para llevarse el BAFTA a la mejor serie dramática del año. En fin, agradecemos el esfuerzo y encantado de haberos conocido Fades.
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| AURORA BAUTISTA (1925-2012) |
Cuando empecé a tener algo de conciencia artística identifiqué a Aurora Bautista como una bella heroína de "películas antiguas" en pleno franquismo patriotero que por ende no me interesaban en absoluto. Para mí Aurora era siempre o Juana la loca, o Agustina de Aragón, o Teresa de Jesús, todas en películas de Juan de Orduña. Para un joven setentero aquello era un pasado rancio y trasnochado. No fue hasta que vi "La tia Tula" de Picazo cuando me di cuenta de lo equivocado que estaba.
La Bautista era y siguió siendo un pedazo de actriz, reconocida y premiada. Coincidí de "refilón" con ella cuando en una de sus vueltas al teatro interpretó un personaje divertidisimo en la obra "Paso a paso" de Richard Harris dirigida por García Moreno y con un elenco de actrices que quitaba el hipo. Aurora estaba genial, riéndose de si misma y demostrando que le sobraban tablas por todos lados. No paró de trabajar como todos los cómicos de raza que tienen la suerte de no ser olvidados por productores y directores y ahora nos dice adiós discretamente haciendo mutis por el foro de la vida. Reciba el merecido y entusiasta aplauso.
EL ACORAZADO POTEMKIN
Puntuación: 9
Duración: 1 h 20 m
País: URSS / 1925
Dirección: Sergei M. Eisenstein
Han pasado 87 años de esta "vaca sagrada" y pilar fundamental del cine universal. Aún hoy sigue apabullando, emocionando y sorprendiéndonos la maestría de Eisenstein en esa época. Sus virtudes técnicas, sobre todo en el campo del montaje son innegables y precursoras de todo lo que hoy nos parece normal cuando acudimos a una sala de cine.
Pero ademas, nos narra una historia, es igual que este basada en hechos reales de los comienzos en 1905 de la revolución rusa, que aún conserva todo su interés y que nos mantiene pegados a la pantalla, sobrecogidos por su desarrollo y su desenlace.
Es obviamente inevitable que todo el cine posterior y actual no convierta hoy día precisamente en un espectáculo para todos los públicos una cinta muda y en blanco y negro, aunque sinceramente no acabo de entender que esto último sea un hándicap insalvable, véase "The Artist" como ejemplo actual.
Lo que nació como un encargo político con fines propagandísticos se convirtió en una historia atemporal, de la lucha de cualquier individuo por su dignidad.
Internet esta lleno de pormenores sobre la yuxtaposición de planos, el ritmo, los encuadres, las influencias pictóricas, la ausencia de protagonismo individual....etc,etc.
La rebelión inicial en el acorazado y la inmortal escena de las escaleras de Odessa no necesitan de explicaciones para que sintamos que el cine puede contar historias y transmitir sensaciones mucho más allá que cualquier arte o ser un compendio de todos ellos.
El propio Eisenstein nos cuenta en un texto que podéis encontrar en "La claqueta" como fue el origen de la cinta, apenas de unas lineas de un estudio más exhaustivo sobre la revolución, los problemas que tuvieron para encontrar un acorazado similar al desaparecido Potemkin, y filmar la sensación de navegación cuando siempre rodaron en un barco anclado en el puerto cargado de minas, la denuncia que sufrió por los supuestos derechos de quien decía haber sido uno de los marineros sublevados, o incluso la sorpresa de saber que la represión de los cosacos en las escaleras no estaba en el guión inicial y surgió al pisar el escenario real del suceso.
Me alegro de haber revisitado este clásico que me aburrió en mi juventud y que vuelve lleno de sentido en mi madurez.
AL BORDE DEL ABISMO
Puntuación: 6
Duración: 1 h 42 m
País: USA / 2012
Dirección: Asger Leth
El cine sin lugar a dudas es arte, pero también entretenimiento puro y duro, sin que por ello las dos cosas tengan que ser excluyentes.
Así, con una gran obra maestra podemos "aburrirnos" y con un producto banal como el que nos ocupa, podemos pasar casi dos horas entretenidos.
Asger Leth, director Danés, triunfó con su documental "Ghosts of Cité Soleil" motivo por el cual se le da la oportunidad en las américas de estrenarse en el largo con este thriller de suspense trufado de caras conocidas y cuyo planteamiento inicial hubiera dado para mucho más.
Parece como si el equipo en general no se tomara la cosa muy en serio y asumiera desde el principio su carácter de mero entretenimiento apartándose de toda credibilidad y apostando por un ritmo incesante plagado de tópicos.
Worthington, hasta la fecha, no ha podido demostrar sus dotes interpretativas, si es que las tiene, más allá de ser una buena percha. Jimie Bell se mueve con desparpajo en cualquier genero y el maestro Harris engrosa su chequera en espera de mejores propuestas. El resto de secundarios rozan la categoría de tal y poco más. La producción es eficiente y la mayoría no hemos mirado el reló durante la proyección, ni tampoco seremos conscientes del escaso tiempo que tardaremos en olvidarla.
INMORTALS
Puntuación: 5
Duración: 1 h 50 m
País: USA / 2011
Dirección: Tarsem Singh
Viene desde los comienzos del cine, el hecho de que cuando un tema se pone de moda y una película triunfa ("300"), los productores y los estudios intenta seguir explotando el filón. Tambien pasa en otros ámbitos por supuesto.
No solo se repite el tema, en este caso la mitología griega, sino el estilo visual y para ello Tarsem Sing, hay que reconocer que lo tiene. Hasta la fecha prefiero la obra en conjunto de Zack Snyder. Ambos tienen mucho en común con la publicidad, los videoclips, el cómic, el uso del color..., sin embargo uno tiene la sensación de que la película que nos ocupa es un encargo comercial para el gran público, potenciado por el efecto 3-D, que parece que no acaba de ser la solución a los problemas de la industria.
Asi pues Sing, va a lo suyo conformando un espectáculo netamente visual donde Eiko Ishioka da rienda suelta a su imaginativo y operistico vestuario (repetirá en "Mirror, mirror") y consiente que los guionistas Parlapanides hagan de su capa un sayo con la mitología, convirtiéndola en un poupurri sin sentido con un guión que probablemente cabría en un frase.
Pasada de metraje, se sobrelleva gracias a un Mikey Rourke que una vez recuperado para el cine no deja de regalarnos estupendos villanos y las bien rodadas escenas de acción.
En el batiburrillo visual de Tarsem Sing, surgen influencias de carácter pictórico y teatral de gran belleza junto con otras rayanas en transparencias y cartón piedra de serie B.
A lo preadolescentes de mi época, seguro que les encantaría y puede que a los de ahora también.
HOUSE M.D (Octava temporada. Final de la serie)
Puntuación: 6
Duración: 23 episodios de 42 m
País: USA / 2011-12
Creador: David Shore / FOX
Duración: 23 episodios de 42 m
País: USA / 2011-12
Creador: David Shore / FOX
Vicodina, plasmaferesis, endocarditis, lupus, encefalopatia...etc,etc,etc. Este verano del 2012 durante dos meses palabras como las anteriores no han dejado de revolotear por mi cabeza. Las ocho temporadas de House con sus 177 capítulos me han acompañado día, tarde y noche en una maratón para descubrir porqué a mi hijo de 23 años le gustaba esta serie "de médicos".
El genial personaje del doctor House, transposición del Holmes de Doyle no ha dejado títere con cabeza en casi ningún aspecto de lo que nos hace seres humano y de todo aquello que hemos construido existencialmente a nuestro alrededor. La razón y el corazón en lucha permanente para entrever que solo somos un conjunto de reacciones químicas y que por algunas de ellas merece la pena vivir.
Los más o menos enrevesados casos médicos siempre fueron lo menos importante. La producción en general mantuvo siempre un tono notable y el plantel de actores supo imprimir su huella en nuestro recuerdo. Personalmente Cuddy y Wilson fueron mis preferidos.
Nada importa que esta última etapa haya sido probablemente la más floja de todas, que las nuevas incorporaciones al equipo no hayan tenido tiempo de cubrir emotivamente a los que abandonaron la serie en su tramo final y que la sensación de que con solo media docena de temporadas la cosa hubiese quedado más redonda, aunque hubiera dado menos beneficios.
Como digo, nada de esto importa, el doctor Greg House nos ha enseñado que el afán de subsistencia de nuestro ADN y el egoísmo de cada una de nuestras células necesita del amor y la amistad. Hasta siempre "doc".
108 CUCHILLO DE PALO
Puntuación: 7
Duración: 1 h 33 m
País: Paraguay / 2010
Dirección: Renate Costa
Alude el título metafóricamente a todos aquellos que se salen de la norma, los que no quieren seguir la tradición, lo que tiene que ser, lo que dios manda....etc. Canones absurdos impuestos por una sociedad que tiene miedo y probablemente envidia al diferente, estigmatizandolo y cargándole la culpa de todos nuestros males. Terreno abonado para que el poder de turno nos controle con el miedo a ponernos una de esas etiquetas y coartada perfecta para sus abusos.
Renate Costa ha sabido pese a su escasez de medios poner el dedo en una llaga antigua, ciclica y dolorosa en la que Paraguay como ejemplo no es el único país de una lista interminable en una u otra época.
El caso de los 108 lista de los homosexuales que detuvo el gobierno del dictador Stroessner a raíz del asesinato del locutor Bernardo Aranda en el 59 le sirve a la directora para indagar en el pasado de su propio tío que tuvo que pasar por el mismo calvario 23 años despues, en este caso por el asesinato del adolescente de 14 años Mario Luis Palmieri en el 82.
Los pormenores de la represión, sus causas y sus implicados no son más que el marco para que la propia Costa afronte frente a su padre sus propias contradiciones emocionales, que desembocan en un choque respetuoso de ideología y generacional.
Excelente trabajo de fondo cuyo ritmo lento y carencia de atractivo visual puede lastrar la audiencia y distribución que se merece.
ARTHUR CHRISTMAS (OPERACIÓN REGALO)
Puntuación: 8
Duración: 1 h 40 m
País: Reino Unido / USA / 2011
Dirección: Sarah Smith y
La factoría inglesa Aardman, creada allá por los 70, por Peter Lord y David Sproxton, no ha parado de crear brillantes trabajos en el campo de la animación.
Especializados en la técnica del stop-motion nos regalaron los inmortales Wallace & Gromit y la original versión del clásico "La gran evasión" (John Sturges. 1963), "Chicken Run".
Su primera incursión por ordenador fue la trepidante "Ratonpolis" y ahora una vez cancelada su asociación con DreamWorks, inician una nueva aventura con Sony.
El primer titulo son estas navidades de Arthur que nada tienen que envidiar al ritmo vertiginoso de "Ratonpolis", y que si bien a primera vista y dado su tematica navideña, parece una más de las cintas ciclicamente programadas a tal efecto en estas fechas, lleva el sello y la calidad de los personajes magníficamente definidos y entrañables de la casa, con una realización técnica y artística espectacular siempre atenta a los detalles.
Gustará y emocionará a pequeños y mayores la mezcla de tradición y modernidad del mito de Santa. Doblaje original espectacular y buena banda sonora.
Ahora nos espera el segundo trabajo recién estrenado, "Piratas". Afortunadamente en el mundo de la animación hay vida más allá de Pixar.
LA FUENTE DE LAS MUJERES
Puntuación: 7
Duración: 2 h 16 m
País: Francia / Bélgica / Italia / 2011
Dirección: Radu Mihaileanu
La verdad es que disfruté bastante con el anterior trabajo de Mihaileanu, "El concierto". También con esta nueva propuesta que nos acerca la "Lísistrata" de Aristofanes a la problemática de la mujer en general y a la del mundo árabe en particular en nuestros días.
El director ha tenido la virtud de abordar un tema más que sangrante con un envoltorio bello, emotivo, romántico, divertido y porque no, comercial. Consigue con ello llegar a nuestras conciencias con una distribución internacional mucho más amplia de lo que hubiera conseguido si la cinta hubiera sido más realista y descarnada.
Un buen trabajo coral actoral, con un fotografía y un diseño de vestuario excelente, dentro siempre de los margenes suavizados del tono de fabula o cuento moralizador que entronca perfectamente con la tradición oriental.
La lucha de estas mujeres de aldea por conseguir su dignidad termina en un falso final feliz, al igual que la obra de Aristofanes dado como está el patio al respecto despues de 2.500 años.
HOUSE M.D. (Séptima temporada)
Puntuación: 7
Duración: 23 episodios de 42 m
País: USA / 2010-11
Creador: David Shore / FOX
Duración: 23 episodios de 42 m
País: USA / 2010-11
Creador: David Shore / FOX
Nos lleva la mitad de esta temporada a lo que podría haber sido el final de la serie, con un House que por fin, alcanza el equilibrio, se relaja de sus traumas y encuentra el amor con Cuddy. Capítulos agradables para aquellos que les gustan los finales felices y apuestan por el romanticismo.
Pero no hay que olvidar que House, como toda serie de televisión no deja de ser un lucrativo negocio que hay que estirar lo máximo posible, así es que los guionistas que despues de seis temporadas ya se han ganado el sueldo, rizan el rizo, incorporan un nuevo personaje, cosa que se agradece, en la jovencisima doctora Masters y hacen que el Doctor Jekyll, vuelva a convertirse en su versión Hyde y lo vuelva a joder todo retomando un planteamiento, que a parte de algún capitulo suelto, donde los sueños oníricos nos regalan una stravaganzza musical divertida, empieza a resultar algo cansino.
En la octava, algunos personajes claves abandonan la serie buscando las lentejas en otros proyectos y en la mente de todos está que a las andanzas del peculiar, genial, amado y odiado doctor hay que ponerle punto final.
La serie ha sabido mantener un tono, con altibajos, siempre notable y se merece un buen broche final. Veremos, que dijo un ciego.
UN MÉTODO PELIGROSO
Puntuación: 8
Duración: 1 h 33 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: David Cronenberg
A los fans de Cronenberg, quizá les sorprenda negativamente este trabajo más "académico", menos arriesgado que sus obras anteriores y prácticamente carente de acción. Por otro lado el "gran publico" desconocedor de las teorías de los padres del psicoanálisis moderno, no encuentre suficiente carnaza en la relación extramatrimonial de Jung con una de sus pacientes cuyo trabajo en el mismo campo a pesar de tener gran importancia, acabó siendo relegado por el machismo imperante en el mundo científico.
Así pues tenemos un biopic sobre Carl Gustav Jung, que nos entreabre las puertas al interior de la mente humana y sus pasiones inconscientes, tema por otro lado afín a la obra de Cronenberg, el cual dirige con elegancia y brillantez un guión básicamente discursivo y consigue trasladar con acierto al lenguaje filmico la obra teatral en la que se basa.
Por otro lado sintetiza de forma sencilla y fiel los principales hechos relevantes en la vida de Jung hasta su ruptura personal e idiologica con Freud.
Una cuidada producción y sobre todo una lograda interpretación del trío protagonista al que habría que añadir a Vincent Casell.
20.000 AÑOS EN SING-SING
Puntuación: 7
Duración: 1 h 18 m
País: USA / 1933
Dirección: Michael Curtiz
Once y dieciséis películas llevaban respectivamente en apenas tres años la Davis y Tracy cuando abordaron este drama carcelario de la Warner en el 32. Evidentemente aún no eran los mitos que luego fueron, sobre todo ella que no parecía que fuera a destacarse demasiado. En ninguna de sus biografías figura la cinta que nos ocupa como destacada, a pesar de ser un notable trabajo en su conjunto, tanto de cada uno de ellos como del director, un Michael Curtiz solido y curtido que lleva a buen termino una historia heredera del éxito que tuvo "Soy un fugitivo" el año anterior, donde se denunciaba, entre otras cosas, las leyes penales.
Aquí también se hizo un llamamiento para la reforma de dichas leyes. La cinta prolonga la serie de películas de gansters que venían declinando, situándola en el penal de Sing-Sing, donde asistimos al consabido intento de evasión y a la reconversión moral de un "tipo duro" (inicialmente pensado para James Cagney) interpretado por Tracy que lleva el personaje a su terreno conformando un personaje lleno de humanidad que tantos éxitos le reportaría en el futuro.
La Davis, radiante a sus 24 años apuntala con buen hacer el papel de "la chica", en un rol que estaba a punto de abandonar, afortunadamente, para siempre.
Curtiz, en pleno apogeo de su carrera mueve la cámara con soltura en un abanico de planos ágiles potenciando el conjunto de la prisión y el drama personal de los protagonistas.
La carga de moralina y la poca credibilidad de la historia no impide que despues de 80 años se visione con agrado.
LA CHICA MÁS FELIZ DEL MUNDO
Puntuación: 6
Duración: 1 h 39 m
País: Rumanía / Holanda / 2009
Dirección: Radu Jude
Con el retraso habitual, dos años, nos llegó en Noviembre, este trabajo del siempre interesante cine rumano, aunque sea en coproducción. Radu Jude exprime al máximo su carencia de presupuesto y nos ofrece un drama efectivo y sencillo, bien rodado e interpretado, aunque con un guión del propio Jude que se estira en exceso remarcando situaciones cuyas metáforas son evidentes sin necesidad de tanta repetición.
El Bucarest actual sirve como marco para la lucha generacional universal. Cada uno de nosotros somos hijos de nuestro tiempo y circunstancias que han marcado nuestras vidas y el dificil equilibrio de convivir con nuestros hijos que no sufrieron nuestro pasado y quieren dejarlo atrás para disfrutar de su presente siempre generara choques, incomprensiones y egoísmos, perfectamente definidos en el film.
Tambien afloran los antagonismos del medio rural y la ciudad y del comunismo y capitalismo. Estos últimos con el denominador común de ser capaces de generar espejismos de felicidad que solo producen frustración.
El coche como símbolo de la moderna felicidad, icono del máximo premio en casi todos los concursos sigue siendo el reflejo patético de una sociedad de brillantes apariencias y oscuras realidades.
Dicen que el resultado final se parece al cine del maestro Berlanga. Bueno, se da un cierto aire. Pero de lejos y con poca luz.
HOUSE M.D. (Temporada sexta. Serie TV.)
Puntuación: 8
Duración: 22 episodios de 42 m
País: USA / 2009-10
Creador: David Shore / FOX
Duración: 22 episodios de 42 m
País: USA / 2009-10
Creador: David Shore / FOX
Tras el pequeño bajón de la temporada anterior, el equipo se pone las pilas y arranca con media docena de capítulos estupendos, con un House emulando a Nicolson en "Alguien voló sobre el nido del cuco". Abandonada la vicodina, nos encontramos con un House que intenta "portarse bien". Los casos se suceden sin grandes altibajos argumentales y Cuddy, toma protagonismos con una entrevista antes del arranque de la serie y un capitulo dedicado íntegramente a sus personaje.
La temporada mantiene un tono notable poniendo sobre la mesa gran cantidad de temas sobre los que seguro se generará tertulia y termina con un emotivo, esperanzador e inquietante final.
A los seguidores nada que modifique su fidelidad y si alguno tiene la suerte de no conocer la serie, pues el disfrute con 8 temporadas va para largo.
MEDIANERAS
Puntuación: 8
Duración: 1 h 34 m
País: Argentina / España / Alemania / 2011
Dirección: Gustavo Taretto
Para los altos, para los bajos, para los gordos, para los delgados, para los de Facebook, para los de Twitter, para las guapas, para los feos, para los que ríen, para los que lloran, para los que sueñan, para los que duermen, para los que se mueren por vivir, para los que viven muriéndose...... para todos.
No se si Tarentto, Argentino y creativo publicitario se ha inspirado en el famoso anuncio "Para todos" creado por McCann Erikson Argentina en el 2002 para Coca-Cola, donde la conjunción entre una voz argentina en off que iba describiendo una serie de estados y acciones humanas era perfecta con las imágenes de productos de la marca (botellas, latas, etiquetas...etc) que ilustraban de forma original, divertida y emotiva dichos estados y acciones.
Medianeras, primer largo de Tarentto, ampliación del corto del mismo titulo que realizó en 2004, es dicho anuncio elevado a la categoría de film, donde el producto en este caso somos los humanos, reflejados y psicoanalizados (como no siendo argentino) por los edificios que construimos.
Disfrazada de comedia romantica es un ejercicio de estilo, de alumno destacado de escuela de cine que sabe diseccionar cada uno de los elementos que componen una película por separado para volverlos a ensamblar en un puzzle inteligente, irónico , dramático y divertido, sin que ninguno de ellos pierda su importancia individual. Así, musica, fotografía, ritmo y sobre todo encuadres componen un colage realmente notable y recomendable.
El hecho de que los protagonistas hablen poco y los veamos como personajes de un cuento narrado por una voz en off que careciendo de imagen hace que estas tengan mucho más valor, revirtien aquello de que una imagen vale mas que mil palabras.
En definitiva una "stravaganzza", una "delicatessen" que consigue explicar lo complicados que somos de una forma sencilla, saliendose de los carriles habituales sin infringir las normas.
| SANCHO GRACIA (1936-2012) |
Uno de los programas de TVE que más nos gustaban en casa por los años 60 era "Novela". Gracias a él pudimos conocer grandes éxitos de la literatura universal con grandes personajes de la misma. Sancho participó en muchas de ellas y le recuerdo con especial cariñó como D'Artagnan en "Los tres mosqueteros", de Dumas.
Hacía 8 años que había regresado a España este madrileño que tuvo que exilarse a Uruguay por la Guerra Incivil y donde se forjó como actor a los pechos de Doña Margarita Xirgu.
Galan, de aspecto chuleta como buen madrileño, transmitía una seguridad y empuje a sus personajes que le convertían en el centro sobre el que giraba toda la acción. Pero es que ademas era un gran actor, cuya dicción, introspección, manejo de su particular voz e inteligencia escénica le convirtieron en uno de los grandes. Dominaba igual las tablas que la cámara y la inmensa popularidad le llegó con "Los camioneros" y le consagró para la posteridad popular con su "Curro Jimenez". Es importante recalcar el "su" puesto que la simbiosis con el personaje fue total y actor y bandolero se fundieron para siempre. Pocos son los capaces de superar un encasillamiento tan brutal. Por supuesto que Sancho lo consiguió. Le encantaban los retos y los nuevos proyectos.
En tv me quedo como recuerdo de oro el personajes de uno de los jurados que interpretó en el Estudio 1 que realizó G.P.Puig de la obra de Reginald Rose para tv, "Doce hombre sin piedad". Allí estaban los mejores y por supuesto Sancho estaba allí.
Siguieron cuarenta años más de éxitos en cine, tv y por supuesto teatro donde tuve el orgullo de coincidir con él en el "Don Juan Tenorio" que interpretó de manera singular y con lleno diario en el Teatro Español de Madrid en 1995. Un sueño cumplido. Gran interprete con un control de las tablas lleno de descaro e irreverencia que ponía nerviosos a aquellos que no comprendían que actuar es un juego sobre todo, nada divo y excelente compañero.
Tuve la suerte de que también comenzaba a foguearse Rodolfo su hijo, digno sucesor de su padre en todos los niveles.
De aquella época Sancho me regaló unos instantes personales de su vida fuera de la escena que, si bien no es ahora el momento de contar, para mi quedaran guardados como un tesoro de la calidad humana del hombre fuera de sus personajes.
Se nos ha ido uno de los grandes. Rodolfo, del que Sancho se sentía orgulloso estoy seguro aumentara la leyenda y Felix Sancho Gracia seguirá vivo en nuestro recuerdo.
GARTXOT
Puntuación: 8
Duración: 1 h 25 m
País: España / 2011
Dirección: Asisko Urmeneta y Juanjo Elordi
Me empieza a aburrir el hecho de repetir que si las buenas películas nacionales como esta, tuvieran el apoyo y la distribución que se merecen, la imagen de nuestro cine mejoraría notablemente. Me temo que como Gartxot todo acabará en tragedia.
Mientras, podemos "disfrutar" (menudo dramón) de esta historia que posee fuerza narrativa y emocional, amén de ofrecer otra visión original y fresca del arte de la animación con un dibujo que nos recuerda al famoso Cobi de Mariscal y que subraya la interesante diferencia de todo el conjunto con los cánones establecidos de la industria de animación norteamericana.
No es una película para llevar a los niños, a no ser que queramos traumatizarlos o adoctrinarlos con fábulas que poseen siempre en todas las culturas un fuerte cariz maniqueo, de la que "Gartxot" no escapa y que me atrevería a decir que potencia.
Asi pues propuesta para adultos que denuncia la opresión de los poderosos, en este caso la iglesia "vampirica" (el abad es como Nosferatu) con el consentimiento de las autoridades locales e incluso la monarquía, que miran para otro lado aunque no les guste lo que vean, sobre el pueblo en general y las minorías étnicas en particular.
La unidad en la diversidad no ha sido nunca del agrado del poderoso y la unificación religiosa a lo largo de la historia siempre ha funcionado como la mejor arma para contener las discrepancias. Todas las iglesias mayoritarias tienen amplia experiencia en ser ejecutoras de dicha filosofía al servicio del poder de turno, cuando no ocupando ellas mismas ese poder.
El cantar de Roldan acaba constituyéndose en metáfora de que por muy bello que sea lo que se nos cuente la realidad fue otra y aunque la historia abra y cierre caminos, nunca debe ocultar la verdad.
Lamentablemente, como dice el refrán: "nada es verdad ni mentira, todo depende del color con que se mira". "Gartxot", esta basada en la narración "El bardo de Itzaltzu" que escribió Arturo Campión en 1917.
El propio Campión se constituye en el paradigma de que nada es blanco ni negro. Pamplonés, lingüista, político, padre del nacionalismo vasconavarro, amante de su tierra y sus tradiciones.....escribió el relato en castellano igual que parte de su obra (la película solo utiliza Euskera y el latín ni lo traduce) y dejó constancia por escrito tanto de su nacionalismo excluyente de lo español como de su apoyo y misteriosa "adhesión inquebrantable a la Junta Nacional de Burgos", un mes despues del alzamiento de los sublevados.
Dejando a un lado el calado político, "Gartxot" nos habla de un pueblo, de sus diferencias enriquecedoras, de sus tradiciones, de su alma y de su música bellisima. Aspectos de los que todos debemos sentirnos orgullosos y contribuir a preservar y respetar.
ARGEL
Puntuación: 4
Duración: 1 h 48 m
País: USA / 1938
Dirección: John Cromwell
Terrible y desafortunado intento de fotocopiar el clásico francés "Pepe le Moko" de Julien Duvivier, estrenada un año antes y en la que se consagró Jean Gabin. Walter Wanger, productor "independiente" compró los derechos del film francés que no se pudo estrenar hasta el 41 y regaló a sus paisanos esta versión llena de tópicos, clichés y malas actuaciones a la que la industria recompensó con 4 nominaciones a los Oscars, aunque al final no se llevó ninguno. Hay que reconocer que las nominaciones a mejor actor secundario para Gene Lockhart y mejor fotografía no andaban desencaminadas.
Encargó el asunto al fogueado John Cromwell cuya primera declaración acertada fue que no se podía mejorar el original y se limito a copiarlo, suponemos que con desgana, visto el resultado.
El casting de secundarios es tan irregular como una montaña rusa, la versión doblada insufrible, los diálogos sonrojantes incluso para esa época. Boyer parece incrustado de una de sus películas románticas y melodramáticas, fuera de lugar y en muchas ocasiones sobreactuado, con una sonrisa perenne encantadora y más falsa que la Kasbah de cartón piedra que construyeron en estudio para complementar los planos de la real robados a la cinta francesa, autentica protagonista de todo el asunto. Años más tarde se constituiría en metáfora de la Francia presa del dominio nazi contribuyendo a inmortalizar la obra de Duvivier.
Otra de las perlas de Cromwell, fue que Hedy Lamar no podía ser considerada como actriz y que su trabajo fue apaño del montaje. Teniendo en cuenta que este también es un desastre pues...; Digamos en el descargo de la actriz que su vida si fue una autentica aventura dramática y que su inteligencia (fue una famosa inventora que hizo posible que ahora podamos disfrutar del WIFI), estaba por encima de su belleza, que ya es decir.
Todo lo demás es increíble y la mayoría de las veces mueve a risa, nada de la mezcla de pasión y cine negro del original y es que las fotocopias carecen de alma.
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| MARILYN MONROE (1926-1962) |
Madre mía, medio siglo ya desde que falleció Marilyn. Norma Jean tuvo una vida personal y profesional tan complicada como un cubo de Rubick y las librerías e internet están llenas de biografías de todos los colores que tratan de dar con la autentica e inalcanzable verdad de quien se convirtió por méritos propios en un icono del siglo XX en general y del cine en particular.
Los amantes de los laberintos, las teorías de la conspiración o el psicoanálisis más profundo encontraran mucho material en lo publicado sobre su vida.
Es indudable que todo el equipaje interior que llevamos dentro hace que la imagen que proyectamos fuera con nuestro trabajo sea la que es y Norma no habría sido nunca Marilyn sin sus propias y generalmente traumaticas experiencias vitales.
Pero actuar es al mismo tiempo un don y un oficio y Marilyn poseía el don innegable y se esforzó en su oficio para demostrar que era una buena actriz. Sin duda lo era, más allá de comentarios alagueños a posteriori sobre los mitos que mueren jóvenes y declaraciones sobre lo difícil y complicado que fue en buena parte de su carrera trabajar con alguien tan inseguro e inestable.
Respetemos pues en este aniversario su vida privada y recordemosla como me atrevo a pensar que ella hubiese querido. Una buena actriz que nos dejó personajes inolvidables.
Comenzó muy jovencita como modelo publicitario llegando a ser un rostro popular en múltiples portadas. Es innegable que la cámaras la adoraban y que su aniñado rostro confería a su sensualidad evidente una sensación de ternura, de animalito desvalido al que se le perdonan sus travesuras y al que hay que proteger.
Tras unas pruebas para el cine ofrecidas por Howard Hughes para la RKO, prefirió firmar pequeños contratos con la FOX y COLUMBIA, donde se fue fogueando en pequeños papeles, algunos de ellos, sobre todo en películas de éxito como "La jungla del asfalto" o "Eva al desnudo", que recibieron atención y buenas criticas.
Aciertos y errores la llevaron de nuevo a la FOX donde siguió la misma tónica.
Su primer papel dramático principal fue en "Niagara", donde la critica del momento si bien no fue muy benévola con ella si que consolidó su fuerte presencia sensual a la que se le añadiría la imagen de "rubia tonta" con el éxito que definitivamente la convirtió en una estrella: "Los caballeros las prefieren rubias". Y además sabía cantar y bailar.
Todo este bagaje inicial no la impidió intentar mejorar lo estudios que no pudo terminar matriculándose en clase nocturnas universitarias de arte y literatura y de rebote en el Actors Studio de Strasberg, quien declaró que Marilyn y Brando eran los mejores. Sin datos para poder contradecirle mi experiencia personal es que los maestros que tienen escuelas con nombre siempre aseguran de los alumnos que posteriormente triunfan que ellos ya lo sabían.
El colofón y la guinda a su faceta de modelo se lo marcó apareciendo como la primera chica de página central de la recién estrenada revista Playboy en el 53. Todo un bombazo mediático aunque las fotos publicadas estuvieran tomadas de unas sesiones anteriores en el 49 para un calendario que nunca llegó a editarse.
A partir de "Los caballeros....", le siguió "Como casarse con un millonario" y empezaron a llegar los premios y el reconocimiento como actriz de comedia. Una vez alcanzada la cima comenzó su particular cuenta atrás en una lucha constante para encontrar su lugar en el mundo y en la profesión. La presión en ambos mundos fue tan fuerte (Matrimonios, acosos de productores, alcohol, abortos, barbituricos, discrepancias con directores y actores) que solo lo consiguió en el mundo de la ficción con un puñádo de cintas para la historia donde ella siempre brilla.
"Bus Stop", "Con faldas y a lo loco", "El príncipe y la corista", "La tentación vive arriba", "Vidas rebeldes".
La ingenua y despreocupada vitalidad que destilaban sus personajes en la pantalla nunca se correspondió con su trastienda emocional. Si fuese cierto que al final decidió suicidarse, es inevitable no acudir a la metáfora de ello como el último y definitivo acto por controlar su propia existencia por encima de todos y todo y conseguir a la postre el reconocimiento máximo para la eternidad.
DESENGAÑO
Puntuación: 8
Duración: 1 h 36 m
País: USA / 1936
Dirección: William Wyller
El director más joven de la Universal, destacó lo suficiente como para que Goldwyn le pusiera en su nómina, aunque ya bien cumplidos los 30. Su relación dio buenos frutos, siendo uno de los más tempranos esta "Dodsworth", cuya novela original publico Sinclair Lewis en el 29, una año antes de que fuera el primer escritor norteamericano galardonado con el Nobel.
Dicen que a Goldwing no le interesaba tanto la novela original como el éxito teatral que cosechaba por entonces su versión teatral, de la cual la película es una adaptación.
Willer la despojó de su teatralidad y con sobriedad y serenidad la dotó de un ritmo pausado y fluido, apoyado por una solida base actoral en la que si bien destaca Walter Huston, Mary Astor esta esplendida en su secundario y Ruth Chatterton brega con un personaje mucho más complejo de lo que aparenta. Un veinteañero David Niven, deja su huella en sus escenas al igual que Paul Lukas y John Payne. La gurú del método actoral Stanislawsky, Maria Ouspenskaya nos deja un testimonio de su labor (fue nominada al Oscar) por este secundario que pasados los años se me antoja un pelín subrayado. Da la casualidad de que Walter Huston era para el propio Staniwslasky el mejor actor que existia.
Chascarrillos aparte, impresiona aún hoy día como Willer va más allá de la critica social de la burguesía norteamericana de Sinclair y desnuda de forma aseptica las relaciones de pareja y como las circunstancias vitales, el paso del tiempo y la diferencia de edad (algo muy usual entre matrimonios acomodados) hace que afloren las pasiones por encima de las razones y nuestro instinto de supervivencia animal intente desesperadamente agotar los últimos tragos existenciales antes de la inevitable decadencia final.
La verdad es que la actitud comprensiva y pragmática de Dodsworth para con su esposa y el propio descubrimiento de este de las segundas o terceras oportunidades, da para una reflexión y debate más que interesante sobre las relaciones de pareja y la búsqueda de un equilibrio no traumatico en ellas.
El final no esta a la altura de todo ello desdibujando de forma simplista y misogina el personaje que encarna Ruth Chatterton en busca de un culpable nominal que permita un "happy end" a gusto de los espectadores. A uno le vienen a la cabeza que pasaría por la mente de aquellas mujeres españolas, si es que llegaron a ver estrenada la cinta, a las que les esperaban más de cuatro décadas de sumisión incondicional al genero opuesto.
Para terminar otra casualidad, cinco años antes Ruth Chatterton estrenaba otra película, en la que también trabajaba Paul Lukas, cuyo titulo original, "Unfaithful" (Infiel) también" se cambió por "Desengaño".
LA GUERRA DE LOS BOTONES
Puntuación: 7
Duración: 1 h 35 m
País: Francia / 2011
Dirección: Christophe Barratier
Barratier sigue en la misma linea despues de "Los chicos del coro", rentabilizando pelis con niños alrededor de la segunda guerra mundial en un Francia rural, quizás añorada, llena de buenos sentimientos, con producciones notables y cargadas de un sentimentalismo algo dulzón.
Ahora versiona la excelente cinta del 62 de Ives Robert sobre el clásico altamente recomendable de la literatura infantil y juvenil del mismo titulo que escribió Louis Pergaud en 1912. Pergaud, fallecido en la contienda de la primera guerra mundial no es responsable del cariz algo chauvinista que Barratier otorga a la resistencia francesa en el film. Siempre dentro del tono "light" y meloso que este director imprime a sus trabajos.
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| "La guera de los botones" 1964 |
Ya hubo otra versión intermedia allá por el 94 y otra del mismo 2011 que compite en Francia con la que nos ocupa y que de momento no nos ha llegado.
La base de Pergaud desde luego es garantía de pasar un rato divertido y agradable con las andanzas "pueblerinas" de estos chavales con los que el que mas y el que menos nos podemos identificar y que cada vez quedan más lejos, en unos tiempos donde la revolución tecnológica parecía ciencia ficción inalcanzable y los sistemas de valores se regían por otros parámetros.
A los que ya pasan de los 40 les recomiendo la versión del 62.
EVA
Puntuación: 7
Duración: 1 h 34 m
País: España / 2011
Dirección: Kike Maillo
Grata sorpresa. No estamos acostumbrados por estos lares a buenas películas de genero y menos de ciencia ficción. Con un planteamiento sencillo y algo previsible Kike Maillo consigue un resultado optimo, de cuidada producción y con un trasfondo mucho mayor del que nos ofrece la trama.
Bien interpretada, con la guinda de un Homar que compone un personaje que daría para otra cinta, un eficaz trabajo fotográfico y una dirección clásica puesta al servicio de la historia sin riegos que pudieran romper el ritmo narrativo adecuado.
Oportuna que no oportunista, pone sobre la mesa un futuro casi presente en el que nuestra relación con las maquinas requerirán de códigos nuevos y plantearan problemas y soluciones de dificil respuesta ética y emocional.
Las leyes de la robótica de Asimov se nos vienen inmediatamente a la cabeza y la conveniencia y el riesgo de que los futuros robots sean, cual si fuéramos dioses, a nuestra imagen y semejanza. ¿Hasta donde puede llegar la inteligencia artificial? ¿Hasta que grado podrá nuestra propia inteligencia convivir con otras clonadas?
"Eva" es una dignisima propuesta que nos augura que no tardaremos mucho en descubrirlo.
THE AMAZING SPIDERMAN
Puntuación: 6
Duración: 2 h 16 m
País: USA / 2012
Dirección: Marc Webb
A Marc Webb fajado en el mundo del video musical y con solo un film largo anterior, le cayó en suerte resetear la saga del hombre araña, del cual se declara fan.
Y si bien él ha salido ganador de la apuesta en base a la recaudación, el producto final es mejor en los trailers. Así pues otra decepción relativa, cuando uno se las prometía muy felices con Andrew Garfield, actor solvente de aspecto aniñado, que encajaba en el relevo físico de un Tobey Maguire cercano a la cuarentena.
Poco o nada aporta tanto a los origines del lanza redes como a la aventura en si, más cercana a uno de los cómics de relleno, esas historias cortas que enlazan arcos argumentales más elaborados y emocionantes. Todo transcurre de forma previsible y correcta y en algún momento, iniciada ya la traca de acción, dejo escapar algún que otro bostezo.
Si esta no fuera la cuarta película moderna sobre el trepamuros quizás merecería mejor puntuación, pero a estas alturas y con "The Avengers" sentando cátedra, acaba siendo un producto olvidable.
Si que me emociona ver a veteranos como Martin Sheen y Sally Field, cuya carrera uno ha ido acompañando, subiendo el nivel del conjunto con su presencia. Emma Stone esta de moda e igual sirve para un roto que un descosido y Rhis Ifans intenta con su buen hacer que el Dr. Connors (El lagarto) tenga más interés que el justito que le han dado los guionistas, y ya se sabe que para que el héroe sea más héroe necesita un buen villano.
Por otro lado creo que los fans hemos aprendido a superar los detalles que no cuadran con nuestras amadas colecciones de superheroes y disfrutamos con que el cine les haya hecho un hueco respetable.
Esperemos que la segunda y tercera parte de estas aventuras sean más interesantes y spidey recupere el humor ingenioso y socarrón con el que se defiende de sus problemas cotidianos.
HOUSE M.D (5ª Temporada)
Puntuación: 6
Duración: 24 episodios de 42 m
País: USA / 2008-09
Creador: David Shore / FOX
Duración: 24 episodios de 42 m
País: USA / 2008-09
Creador: David Shore / FOX
En plena consolidación del éxito y con récord de audiencia en el 2008, la serie, a mi juicio, se relaja y nos ofrece una quinta temporada sin grandes episodios, picoteando un poco de allí y un poco de acá, sin lineas argumentales duraderas, donde los integrantes del equipo se pasan la pelota de la trama de unos a otros. Particularmente fallidos me parecen los primeros seis episodios donde se incorpora la figura del investigador privado contratado por House y que desaparece sin más al no cuajar ni encajar el personaje.
Las diversas relaciones amorosas entre los antiguos miembros y los nuevos tampoco aporta gran cosa, y la desaparición de uno de ellos de forma sorpresiva y abrupta tampoco supone ningún punto de inflexión importante.
Asi pues temporada de transición con un final algo forzado, sin que nada de ello impida a los incondicionales del doctor desear que sus andanzas continúen y mejoren en la sexta.
BOLETO AL PARAÍSO
Puntuación: 5
Duración: 1 h 28 m
País: Cuba / 2010
Dirección: Gerardo Chijona
El veterano director Chijona aborda un tema, o varios, realmente explosivos en una Cuba desesperanzada de los 90, donde un grupo de adolescentes confusos inician una huida hacia adelante por un laberinto sin apenas salida.
Funciona mejor la primera parte, donde todo es más simple dentro del dramatismo que conlleva el acosos sexual de la protagonista y Chijona se mueve con más soltura en un terreno que le es más conocido. El giro que suscita el cruce de las dos historias en que se basa el guión parece venirles un poco grande a todo el equipo y la cosa toma un cariz errático cercano al melodrama cayendo en muchos de los tópicos que el propio director ha declarado que quería evitar. A veces a uno le parecía estar leyendo una de las novelas juveniles del jesuita Martín Vigil, allá por los 60 y hay un cierto tufillo por contradictorio que parezca a eximir al régimen de las causas que llevan a su juventud a situaciones tan desesperadas, por mucho que dispongan de centros de asistencia para curar enfermedades físicas cuyo tratamiento debe ser preventivo y social. En definitiva la realización no está a la altura de lo que se nos quiere contar. La interpretación voluntariosa de un casting no profesional buscando acercarse al documental termina por jugar en contra y el disparo en nuestras conciencias acaba por ser de fogueo por mucho que resuene.
NANNERL, LA HERMANA DE MOZART
Puntuación: 6
Duración: 1 h 54 m
País: Francia / 2011
Dirección: René Féret
Hay que reconocerle a René Feret, actor y director con una obra escasa y poco conocida por aquí, el excelente resultado de este "biopic" sobre la hermana mayor de Mozart, realizado con escaso presupuesto (apenas se nota) y con un elenco en su mayoría familiar, dado el protagonismo de dos de sus hijas y otros miembros en labores técnicas.
Tanto la música compuesta por Marie-Jeanne Serrero para la ocasión y la fotografía de Benjamin Echazarreta terminan de rematar con efectividad el marco apropiado para la historia.
Una historia que guioniza el propio Feret insinuando mucho y mostrando poco. El papel omnimodo del padre y jefe de la familia Mozart, sus periplos por las cortes europeas, exhibiendo a sus hijos como prodigios de feria, la relación cariñosa entre hermanos que conlleva el sacrificio de la hembra por las normas machistas de la época, detalles de la infancia del genio, etc, etc, todo esta ahí, pero contado de una forma tan sutil que no acabamos de pasar de la superficie y nos invita a acudir a la biblioteca para saber más sobre la vida de esta mujer que vio cercenado su arte por ser mujer y estar a la sombra de, probablemente el compositor más grande de la historia.
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| "Nannerl" (1751-1829) |
Añade Feret una importante parte de ficción, como es el encuentro con las hijas del rey con las que entabla amistad y un posible desengaño amoroso con el propio delfín de Francia.
Parece que nada de eso esta documentado, ni siquiera hay constancia de sus posibles composiciones, pero adereza la historia y le confiere a la protagonista un carácter más rebelde del que probablemente pudo tener bajo la influencia de su padre, al que se vio obligada a "servir", incluso renunciando a su primer amor y casándose pasada la treintena con un hombre mayor, millonario eso sí, que la permitió vivir desahogadamente hasta el final de sus días, desentendiéndose de su hermano y aunque ciega y agotada por la edad, no en la pobreza como nos cuentan al final. Dichos comentarios "murió pobre y se dedico a recopilar la obra de su hermano" parecen basarse mas en la novela "La sorella de Mozart" de Rita Carbonnier, que en la realidad.
Lo que si queda claro es que Mozart dedicó un puñado de obras a su hermana y que las hijas del director estan estupendas en sus papeles, aunque según ha declarado la mayor, no le tire mucho esto de la interpretación.
Esperemos que su padre no sea tan castrador como el de Mozart y como mujer del siglo XXI pueda elegir su camino libremente.
ONE DAY
Puntuación: 6
Duración: 1 h 48 m
País: USA / 2011
Dirección: Lone Sherfig
La directora danesa Lone Sherfig tiene talento. Ya lo demostró con su anterior trabajo, la estupenda "An educatión", quizás por eso uno esperaba más de este su siguiente trabajo.
Lo bueno es que no es una comedia romantica al uso aunque se le parezca, sino más bien un drama romántico con más cargas de profundidad que las que aparenta. Lo malo es que a pesar de que la pareja protagonista funciona, la mayoría de estas cargas llevan la pólvora mojada y tardan bastante en explotar alargando situaciones repetitivas que acaban por minar la credibilidad de la relación que se nos cuenta y desear un menor metraje. Quizás la culpa la tenga que esta concebida para un mercado más amplio como el americano. O la adaptación de David Nicholls de su propia novela.
Emotivo y previsible final con una coda bastante forzada que parece pedir perdón por el gasto generalizado de Kleenex.
Como sabemos casi todo esta ya inventado y la novela de Nicholls no deja de ser una vuelta de tuerca de "El próximo año a la misma hora", recomendable y excelente adaptación de la obra teatral del mismo titulo que realizo Robert Mulligan allá por el 78, con mucho más acierto sobre los mismos temas que la cinta que nos ocupa, más adornada esta con vistas turísticas y música ablanda corazones.
LA CARA OCULTA
Puntuación: 6
Duración: 1 h 43 m
País: Colombia / España / 2011
Dirección: Andres Baiz
Si uno consigue no abandonar en la primera media hora gracias a la suma de banalidades tópicas, la falta de carisma y vocalización de Quim Guitierrez y el deseo obsesivo de Andres Baiz de rodar desnuda a Martina García, puede que probablemente nos enganchemos a una trama sugerente (siempre y cuando no hallamos visto el trailer que lo destripa todo).
A partir de aquí no es que Quim mejore ni que Baiz renuncie a sumar a Clara Lago a sus colección de desnudos sin cuento, pero si que deja que la actuación de las chicas, sobre todo de Clara suba el nivel y el guionista empieza a ganarse su sueldo.
Hay momentos interesantes y el thriller nos arrastra a un final a gusto de cada cual con un sabor agridulce y la seguridad de que el material daba para más que una dirección de andar por casa.
DANCING DREAMS
Puntuación: 7
Duración: 1 h 29 m
País: Alemania / 2010
Dirección: Anne Linsel y Rainer Hoffman
Documental sin grandes alardes de autor, estreno de Anne Linser en el largo sobre el proceso creativo y puesta en escena con jóvenes adolescentes no profesionales que Pina Bausch acometió en el 2008 sobre su espectáculo "Kontakthof".
Pina fallecería pocos meses despues, siendo estas unas de sus últimas imágenes grabadas.
Sirva esta agradable y "edulcorada" narración, (los aspectos problemáticos y más duros han sido soslayados) como testimonio de su testamento a las nuevas generaciones, introducción al profano a su obra, al mundo de la danza teatro y de paso a concienciar del poder que posee el arte dramático en cualquiera de sus facetas para educar física y mentalmente, potenciando valores de convivencia, autoestima, superación personal y una largo etc que algunos países llevan siglos entendiendo y entre los que desafortunadamente no se encuentra el nuestro.
No es el momento ni el lugar para hablar de ello, pero este documental es una pequeña muestra, con una juventud alemana multicultural que encuentra en este proyecto un camino nuevo por el que merece la pena transitar.
Sirva también de aperitivo para acercarse a la obra maestra de Win Wenders, "Pina", todo un lujo para el alma y los sentidos.
LAS MALAS HIERBAS
Puntuación: 6
Duración: 1 h 44 m
País: Francia / Italia / 2010
Dirección: Alain Resnais
Últimamente estoy redescubriendo o mejor dicho descubriendo a los grandes gurus de la "nouvelle vague" francesa empezando por el final. De adelante hacia atrás. Hace poco fue Godard con "Film Socialisme" y ahora Alein Resnais. La mayor sorpresa es la marcha creativa que tienen estos dos tipos nonagenarios y como usan y abusan de una maestría fílmica para hacer lo que les venga en gana. Se lo han ganado.
Visionar estas malas hierbas es disfrutar de una dirección envidiable, que juega y domina todos los recursos para conseguir una narración impecable. Fantásticos los actores, la música, la fotografía, el tratamiento del color, la narración en off.... otra cosa es el guión, aquello que nos quiere contar Resnais y que a mi personalmente y exceptuando algún momento especial me deja bastante frío con un último tramo alejado de la base minima (el relato "El incidente") sobre la que se asienta, que me invita a desconectar y a aventurar que un metraje más corto habría sido deseable.
Obra de autor, personal e intransferible y puede que la despedida de un maestro de la pantalla.
BEGINNERS
Puntuación: 8
Duración: 1 h 45 m
País: USA / 2010
Dirección: Mike Mills
Segundo largo de Mills que a tardado cinco años en decidirse a contarnos esta historia profundamente autobiográfica presentada con un cuidado y delicadeza que rezuma en toda la cinta. Sin estridencias, ni concesiones a la galería nos regala las vivencias de unos personajes que tienen miedo a comenzar sus vidas en solitario y que intentan soltar el lastre que para bien o para mal han acumulado en la vida que hasta la fecha les ha tocado vivir. Son experiencias muy personales, alejado Mills de conflictos sociales o moralejas universales.
Una ejemplar puesta en escena manejando con acierto el siempre espinoso tema de la reiteración de flashbacks y que si en algún momento se queda atascada sabe salir con solvencia e imaginación utilizando recursos originales. La química entre McGregor y Lauren es perfecta y emocional y Plummer nos regala otra de sus estupendas composiciones que jalonan su extensa carrera.
Aún le sobra espacio a Mills para que echemos una ojeada al camino pasado y actual de aquellas personas que aún sufren y padecen discriminación por sus preferencias sexuales, a lo efímero de la vida o al misterio impenetrable de la mirada de Arthur un compañero de viaje que entiende mejor que los humanos que el amor, la amistad y la lealtad estan por encima de todo.
AMIGOS
Puntuación: 5
Duración: 1 h 40 m
País: España / 2011
Dirección: Borja Manso y Marcos Cabotá.
Enfocada al consumo televisivo mantiene el mínimo de dignidad para que pasemos un rato entretenido con un planteamiento a priori interesante y que enseguida deviene en una comedia previsible, plana y voluntariosa, como sus actores protagonistas, llena de altibajos (más bajos que altos) a todos los niveles. Se agradece la sátira sobre la tv basura y más teniendo en cuenta que produce Telecinco 5.
Lo mejor la caratula de presentación.
BLACKTHORN, SIN DESTINO
Puntuación: 7
Duración: 1 h 38 m
País: España, Francia, Bolivia / 2011
Dirección: Mateo Gil
De todos es sabido que somos siempre más críticos con lo nuestro que con lo de los demás. No cabe otra que alabar la decisión y valentía de Mateo Gil en abordar un genero mítico con los recursos de producción patrios, aunque sea en cooperativa. Y precisamente es la producción la que sale más que airosa de esta revisión del final de los famosos forajidos que inmortalizaron otra pareja de inmortales, Paul Newman (Sundance) y Robert Redford (Cassidy), en tierras Bolivianas.
Sobre un notable guión de Miguel Barros y una esplendida fotografía de Juan Ruiz Anchía, Gil emula los westerns crepusculares del maestro Peckimpah con un reparto solvente, donde Shepard aporta el rostro y tipo necesario, amén de su sobrada experiencia, Noriega consigue salir ileso del envite y Stephen Rea lo borda como siempre.
La película es disfrutable y entretenida. Sufre de una edición de montaje en muchos tramos algo precipitada, no dando tiempo a que dejen poso algunas de las imágenes, los diálogos no hacen justicia a los personajes ni al guión y Gil desnivela la balanza más preocupado de convencernos de que cumple con todos los requisitos de autentico Wester y abandona un poco a los personajes y la trama en si. Tanto unos como otros daban para mucho más.
LA LOBA
Puntuación: 9
Duración: 1 h 56 m
País: USA / 1941
Dirección: William Wyler
Ahora que estamos inmersos en uno de esos periodos de crisis cíclicos y perennes desde que el homo sapiens sapiens se dio cuenta de que algunos pocos de su especie, podían dominar al resto, siempre y cuando estuvieran dispuestos a conseguirlo a cualquier precio y por encima de todo, es el momento ideal para visionar o revisionar esta joya.
Wyler cuya obra y curriculum ya lo quisieran aquellos que no le consideran entre los grandes directores de todos los tiempos, la dirige con una solvencia narrativa que quita el hipo, mimándola al detalle y con una fotografía en blanco y negro gloriosa firmada por otro de los más grandes Gregg Tollan.
Todo ello sobre la obra de teatro "The little foxes" (Las pequeñas zorras) que por muy bíblico que fuera su origen, les debió parecer poco apropiado a las mentes calenturientas de los censores españoles. Su autora Lillian Hellman también la guioniza y se realiza con la mitad del reparto que la estrenó, a excepción de Tallulah Bankhead que fue sustituida por La Davis en el papel protagonista. Parece ser que Bankhead y la autora no se llevaban demasiado bien a pesar del éxito teatral. El caso es que la Davis se apodero del papel por una pasta y le imprimió su sello personal imponiéndose a Wyler que veía al personaje más seductor y menos rocoso.
Tan rocoso que La Davis unió su imagen con el del personaje para la historia y aún perdura, en una gran actuación (para mi gusto un pelín chiquitín pasada), eclipsando a un reparto magnificó sin cuya replica nada hubiera sido igual, a excepción de la pareja de jóvenes cuyo romance añadido al original es la parte más débil y desagradó a la autora. No obstante y a pesar de que el nivel interpretativo de ambos no está a la altura del resto, sí creo que cumplen una función de minima rendija por donde poder seguir en la lucha con la vana ilusión de que puede que algún día el mundo sea diferente y no se salgan con la suya los de siempre. Mención a parte para Patricia Collinge que se merecía todos los Oscars del mundo y que a la postre se llevó Mary Astor por "La gran mentira", en un secundario para la gloria.
El final, que a muchos no les convence, dado que no queda suficientemente castigada la maldad con la inevitable soledad que conlleva, a mi hoy día me parece perfecto y me imagino a Regina despues de quizás uno o dos segundos de duda emocional, descojonandose detrás de los visillos de todos los pringaos que la van a permitirse darse la gran vida los años que le quedan y esculpiendo en su epitafio un cínico y desafiante: !Que me quiten lo bailao!"
Esos entes anónimos que se esconden bajo el eufemismo de "los mercados" deben sentirse muy solidarios con ella.
REDENCIÓN (TYRANNOSAUR)
Puntuación: 6
Duración: 1 h 29 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Paddy Considine
Peter Mullan tiene uno de esos caretos que la cámara quiere sí o sí. Últimamente anda encasillado en papeles muy parecidos pero uno tiene la sensación de que el objetivo le amaría igual se ponga en el pellejo que se ponga. Ademas resulta que es buen actor y mejor director.
Otro actor de esos a los que les dan premios sigue cosechandolos con esta su opera prima bien realizada y cuyo guión, del propio Cosidine, a mi juicio es su punto flaco. Película violenta sobre la violencia que sin mostrarla explícitamente, nos violenta durante hora y media.
Independientemente de que no soporto la violencia con los animales y me apunto a aquello de que los niños y los animales no tienen la culpa sino los padres y los amos. Lo de amo ya se las trae, menos me gusta que de alguna manera Cosidine justifique la bestia que llevamos dentro en función de como nos vaya la vida y que asumamos un castigo proporcional.
"He hecho lo que todos querríamos hacer y nadie se atreve", declara en un momento dado el protagonista. Pues mire, no. Lo del ojo por ojo nos deja a todos ciegos y el director no se molesta en sugerir las causas y los remedios antes de que todo explote en nuestra cabeza y agarremos el bate.
Entronca en este sentido con "Harry Brown" de Daniel Barber. Parece que algunos ingleses y su forma de mejorar la sociedad se esta radicalizando con mensajes que empiezan a oler a fascismo.
Nada que objetar al excelente trabajo de Olivia Colman y a la denuncia sobre el sangrante, y nunca mejor dicho, problema de la violencia de genero.
Alguien no obstante debería escribir un ensayo sobre la proporcionalidad que se da últimamente entre los film violentos o sobre la violencia y la cantidad de premios que cosechan. Cuanto más carne cruda macerada más estatuillas.
HOUSE M.D. (Serie tv. cuarta temporada)
Puntuación: 8
Duración: 16 episodios de 42 m
País: USA / 2007-08
Creador: David Shore / FOX
Menos cantidad en esta cuarta, solo 16 episodios, debido a la huelga de guionistas pero igual calidad. El equipo habitual de House descansa con un menor protagonismo y es reemplazado por un nuevo equipo cuya elección se lleva la trama de la primera mitad de la temporada.
Un par de invitados, Jeremy Renner y Mira Sorvino ponen el punto a dos episodios y finalizamos con un brillante y emotivo final que sigue dejando el listón en lo más alto.
AMÉRICA, UNA HISTORIA MUY PORTUGUESA
Puntuación: 6
Duración: 1 h 46 m
País: Portugal / Brasil / España / Rusia / 2011
Dirección: Joäo Nuno Pinto
Una de las pocas oportunidades de visionar cine del vecino de al lado, no sabemos muy bien por qué. Nuno Pinto se estrena con su particular visión sobre la nueva tierra de promisión en que durante un tiempo se ha convertido la vieja Europa y que parece que no ha durado mucho.
La necesidad del que emigra es aprovechada por aquellos que se ceban en la desgracia ajena, sean particulares o conformen redes mafiosas. Portugal, como España son puertas de acceso a esa nueva América donde los sueños suelen acabar en pesadillas.
Pinto sabe recrear una atmósfera de opresión en la que estan atrapados tanto los emigrantes como los que se aprovechan de ellos, apoyado por una acertada fotografía y un elenco que cumple con sus roles sin grandes alardes. Maria Barranco compone un personaje un pelín pasado.
Películas como "Welcome" y "Le Havre" por poner dos ejemplo diferentes aciertan en mayor medida con la misma tematica con diferentes estilos.
A Pinto se le va la energía en la forma, algunas de las imágenes poseen gran fuerza expresiva y se queda en la superficie de unos personajes tipo que merecerían un mayor desarrollo. El ritmo es desigual y el producto en general se queda en un buen intento.
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| (1917-2012) |
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| De aquí a la eternidad |
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| JOHNNY GUITAR |
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| CONSPIRACIÓN DE SILENCIO |
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| MARTY |
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| LOS VIKINGOS |
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| DOCE DEL PATIBULO |
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| GRUPO SALVAJE |
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| LA AVENTURA DEL POSEIDON |
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| EL EMPERADOR DEL NORTE |
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| 11 09 01 |
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| RED |
"Ernest Borgnine, actuó en 120 películas. En cada una de sus escenas los protagonistas pasaban a ser secundarios. Descanse en paz"
EL MUNDO SEGÚN BARNEY
Puntuación: 7
Duración: 2 h 9 m
País: Canadá / 2010
Dirección: Richard J. Lewis
Barney es un tipo como cualquiera, tan odioso, miserable y patético como simpático, divertido e ingenioso. Depende de la versión de cada uno. El caso es que él tiene su propia versión, su particular e inigualable versión de esa vida que nos toca solo una vez.
Y nos la cuenta según la novela multipremiada del canadiense Mordecai Richler con un guión demasiado extenso de Michael Konyves y una dirección primeriza de otro canadiense que sale airoso del asunto, básicamente gracias a que Paul Giamatti da un recital inconmensurable de actuación.
El solo se apodera de las luces y sombras de todos los Barneys de este mundo y hace que le adoptemos hasta el final de sus días, perdonemos sus errores y echemos una lagrimita junto a las flores de su tumba. Da igual que la mayoría de las situaciones y los diálogos no brillen como debieran, Giamatti nos las vende y se las compramos todas.
Estupenda Rosamund Pike como el amor de su vida y no hay que perderle la pista al secundario que hace el papel de padre de Barney, un tal Dustin Hoffman. Este chico llegará lejos.
778 LA CHANSON DE ROLAND
Puntuación: 6
Duración: 1 h 18 m
País: España / 2010
Dirección: Olivier van der Zee
El director, holandés afincado en el país vasco consigue llevar a buen termino su personal curiosidad sobre los hechos acaecidos el 15 de Agosto de 778, dirigiendo y guionizando un documental más televisivo que otra cosa, sobre la derrota de la retaguardia del ejercito de Carlomagno que se molestó en acudir desde toda "Europa" con el cebo que le puso el gobernador sarraceno de Zaragoza.
En última instancia y vaya ud. a saber por que, el moro donde dijo digo dijo diego y decidió que ya no quería combatir con el emir de Córdoba y que de regalar Zaragoza a los Francos (entiéndase los hombres del todavía no emperador Carlomagno), "nastis de plastis".
Total que despues de un mínimo asedio infructuoso los susodichos Francos se volvieron a sus obligaciones no sin antes pagarla con Iruña/Pamplona, cosa que presumiblemente debió molestar a los vasconavarros, que son muy suyos y a la que cruzaban los pirineos por no se sabe donde los emboscaron y les dieron la del pulpo.
Algunos siglos despues, el monje normando Turoldo escribió en en 1170 o copió de alguna obra anterior "La Chanson de Roldan", poema épico cuya belleza y transcendencia literaria y cultural esta a la altura de las mentiras históricas que cuenta.
Todo esto ya se sabía sin que Van der Zee, aporte nada nuevo y su escaso presupuesto lo dedica a mostrar los infructuosos, hasta la fecha, diferentes trabajos que tratan de encontrar el lugar geográfico exacto de la emboscada, recreada con más voluntad que acierto donde aflora el escaso presupuesto de un documental no por ello interesante.
PRIMOS
Puntuación: 6
Duración: 1 h 37 m
País: España / 2011
Dirección: Daniel Sanchez Arevalo
Primos te engancha con un inicio prometedor, para posteriormente soltarte en un terreno de nadie, darte carrete, desorientarte y cuando estas apunto de abandonar volver a engancharte con una comedia amable y bienintencionada cuyo nivel sin ser notablemente elevado debería marcar referencias mínimas de calidad en la comedia patria.
Despues del "atracón" de "Gordos", Sanchez Arévalo nos invita a una merendola campestre y festiva en el marco incomparable, que diria Matias Prats de la bella Comillas. Tres niños grandes, inmaduros, en busca de su lugar en el mundo. Tres historias que con desigual acierto se entrecruzan durante un verano demasiado azul. Buenas interpretaciones generales, algunas más esforzadas y voluntariosas, problemas de vocalización endémicos en los jóvenes actores españoles y un poso dulzón y agradable al final.
El director vuelve a demostrar que tiene mano para los diálogos donde se luce el reparto con una Inma Cuesta que atrae todas la miradas y que en otro país y otra industria seria una estrella.
FILM SOCIALISME
Puntuación: 6
Duración: 1 h 42 m
País: Suiza / 2010
Dirección: Jean-Luc Godard
En algún momento de mi infancia probé el gazpacho y por las razones que fueren me desagradó. Hasta los 30 años y en base a aquella experiencia me negué a volver a probarlo. A partir de ese momento las cosas cambiaron a favor del gazpacho y me convertí en unos de sus fans lamentando el tiempo perdido.
¿Me pasará esto con Godard, gurú de la "nouvelle vague" francesa?
Me encuentro con la obra obra de este creador radical en la etapa final de su vida, 82 años, y sobrepasada la "madurez" en la mía y lo primero que se me ocurre es compararlo con el gazpacho. Perdón.
El caso es que "Film Socialismo" me ha sorprendido y abrumado con un aluvión de imágenes que provocan todo tipo de sentimientos con un montaje marca de la casa que trasluce un nervio y vitalidad impropio de un anciano y que rezuman experiencia cinematografica y vital por los cuatro costados.
Mucho más próximo al video arte para exhibirse en un museo que en una sala comercial donde puede provocar la ira o el abandono masivo del publico estandard desconocedor de su famoso apellido.
Entiendo que el maestro vomita en "colores" todo el sentimiento de frustración que le merece la Europa actual, montando un collage alucinógeno cuyas claves cifradas puede que no entienda ni él.
A servidor le han venido algunas ideas a la cabeza y poco más, pero he aguantado hasta el final. Por algo será.
NAGORE
Puntuación: 6
Duración: 1 h 17 m
País: España / 2010
Dirección: Helena Taberna
Se cumplen ahora precisamente cuatro años de la muerte de Nagore, una joven estudiante de enfermería a manos de otro joven residente de psiquiatría, durante las fiestas de San Fermín.
El caso tuvo amplia repercusión mediatica dado que se le intentó encuadrar dentro de violencia de genero, se personaron en la causa como acusadores varios estamentos oficiales y se llevó a cabo con un jurado popular.
Helena Taberna nos lo recuerda dos años despues en un documental de factura televisiva en donde la tragedía del suceso se impone emotivamente sobre cualquier otra consideración tanto artística como de aporte de nuevos datos o planteamientos reflexivos.
El suceso en si ya conlleva implícito la postura personal de cada cual ante los hechos y la toma de conciencia del sistema judicial de que disponemos para juzgarlos.
VISIÓN (La historia de Hildegard von Bingen)
Puntuación: 6
Duración: 1 h 48 m
País: Alemania / 2009
Dirección: Margarethe von Trotta
En mayo de este 2012 el Papa Benedicto XVI, "canoniza" de hecho a quien ya era considerada santa y la propone como Doctora de la Iglesia. Margheritta von Trotta nos cuenta con un estilo clásico, sencillo y a grandes rasgos, quien fue.
La directora posee un amplio curriculum etiquetado de feminista y la suficiente y probada solvencia para que este su último trabajo mantenga los niveles necesarios de calidad en una producción bien cuidada y fotografiada con buen ritmo narrativo.
El elenco responde sin problemas al tratamiento de biopic informativo acelerado, casi documental sin apenas ahondar en la personalidad de la santa y en el complejo mundo de las mujeres religiosas medievales.
Las asombrosas aportaciones literarias en diversas disciplinas (mística, cosmología, medicina, música, etc) sin haber cursado estudios, "provenientes de sus visiones", que incluso le llevaron a profetizar, su fuerte carácter y determinación y las relaciones que mantuvo con importantes personalidades de su época la convierten en un personaje de interés del que Trotta apenas se limita a sacarla a la luz invitándonos a conocerla mejor.
HOUSE M.D. (Serie tv. 3º temporada)
Puntuación: 8
Duración: 24 episodios de 42 m.
País: USA / 2006-07
Creador: David Shore / FOX
Esta tercera temporada le subimos la nota. Los "casos" siguen con la misma estructura repetitiva pero el personaje se vuelve aún más oscuro e irritante llevando las situaciones de su entorno y los temas que nos proponen aún mas al extremo. Nos acorralan contra las cuerdas y el debate a favor o encontra esta servido.
Llegan más premios y la producción se permite estirarse un poquito más sobre todo en los rodajes iniciales en exteriores.
La incorporación del gran de David Morse y la subtrama que ocupa casi la primera mitad de la temporada eleva el nivel general. El resto del equipo alcanza sus mejores cotas y el final propone el necesario cambio despues de tres sesiones, dejando el listón en lo alto.
Vamos a por la cuarta.
NOSFERATU
Puntuación: 5
Duración: 1 h 24 m (según versión)
País: Alemania / 1922
Dirección: F.W. Murnau
Se cumplió en Abril de este 2012 el centenario de la muerte de Bran Stoker autor de la novela "Drácula" sobre quien recomiendo el articulo publicado en "Pasamiedo.com", desvelador de muchas de las claves de su vida y su obra.
Buen momento pues para visionar su primera adaptación a la pantalla por Murnau, considerado máximo exponente del influyente expresionismo alemán y uno de los mejores directores de la historia.
Como la mayoría de su obra se ha perdido y solo he visto este "Nosferatu" por el que popularmente se le recuerda no puedo desde mi humilde punto de vista, estar o no de acuerdo con tal afirmación.
Me sorprendió sin embargo constatar que en la "Gran Historia Ilustrada del Cine" publicada por la editorial Sarpe a mediados de los 80, apenas le dediquen unas lineas de pasada a su "Nosferatu"
Sí constato que la hora y 28 minutos de la versión que vi fue un autentico horror, valga el chiste facil, con una copia en estado pésimo como la mayoría que se conservan y una banda sonora exasperante.
En mi reconocida ignorancia no acabo de encontrarle la "gracia" a esta libre adaptación de la novela que incide más en los aspectos más aburridos de la misma, teniendo en cuenta que esta tampoco es que fuera un jolgorio. Su ritmo lento, su intertitulos más lentos aún, escasa acción, escasos recursos técnicos, interpretación teatral ,las posibles mutilaciones de la copia, la escasa presencia del conde Drácula (tuvo que ser rebautizado como Orlok al perder la productora los derechos ante la familia de Stoker) y que a estas alturas los conceptos de miedo o ni siquiera inquietud han variado bastante de los del publico del 22, poco ayudan.
Tampoco alcanzo a ver y mucho menos emocionarme con sus supuestas virtudes expresionistas, ni con las teorías sobre lo que Murnau quería expresar: la Alemania deprimida después de la guerra, los miedos y deseos freudianos, la batalla entre la luz y la sombra....etc, etc, etc.
Desmitifica bastante al conde el puñado de planos en los que al desembarcar en Wisborg se pasea con su ataud a cuestas y como anecdota le vemos reflejado en el espejo de la habitación en la escena final. Imperdonable para un vampiro que se precie.
Fuera bromas es innegable que la caracterización del vampiro, propia de los "monstruos" de la época, alejado del aspecto más seductor de los Dráculas posteriores y probablemente del de Stoker cuya influencia del actor Henry Irving estaba muy presente, ha dejado poso, mitos y leyendas y por supuesto algunas de las escenas, sobre todo las que juegan con las sombras son magistrales pero poco más me aporta esta obra que por muy pionera que fuera, competía en el mismo periodo de tiempo con las de Griffit o Sjöström por poner dos ejemplos de diferentes estilos.
Las películas, como los chistes si hay que explicarlos demasiado pierden la gracia.
LA VIDA EN TIEMPOS DE GUERRA
Puntuación: 6
Duración: 1 h 38 m
País: USA / 2009
Dirección: Todd Solondz
Si el doctor House rodara una película puede que se pareciera a las de Solondz. Obsesivo y reincidente en su tematica hurga una y otra vez en los reluciente cubos de basura de la burguesía acomodada estadounidense, para componer un colage existencial absurdo y deprimente ante el que solo cabe el humor (negro) o pegarse un tiro.
Cuenta siempre con la baza de unos diálogos notables al que sus planteles de actores les sacan el máximo rendimiento y mueve la cámara con encuadres elegantes y un estilo preciso y conservador, marco ideal donde explotan sus paranoias.
Admirado y odiado esta entrega retoma sus orígenes y se hermana según reconoce el mismo con sus primeros y más apreciados trabajos.
El resultado es desigual con momentos brillantes y otros que acaban en vías muertas o en destinos donde el espectador no acaba de descubrir los códigos que le indiquen a donde nos quiere llevar.
Probablemente es un trabajo menor pero no hace que pierda el interés por su políticamente incorrecta obra.
EL GABINETE DEL DR. CALIGARI
Puntuación: 8
Duración: 1 h 11 m
País: Alemania / 1920
Dirección: Robert Wiene
Allá por los años 19 y 20 todo en el cine estaba por hacer y la fascinación que este nuevo método artístico de expresión ofrecía era campo abonado para todo tipo de aventuras y creaciones.
El momento histórico, terminada la primera guerra mundial, el país, Alemania, en una centroeuropa de gran tradición de cuentos de terror y las casualidades de la vida llevaron a producir esta obra indispensable en la historia del cine.
No es que el argumento sea una maravilla, retocado ademas de la idea original de sus creadores por Fritz Lang dado que podía ofender al estado el darse cuenta que el sonámbulo que es obligado por Caligari a cometer los crímenes pretendía ser un trasunto (muy por los pelos en mi opinión) de lo que el propio estado había hecho en la guerra pasada con el pueblo dormido.
Por otro lado los recursos filmicos que utiliza Wiene son precarios y escasos (no tenia experiencia cinematografica) y se limita a aportar su experiencia como director teatral convirtiendo el producto casi en teatro filmado, apoyado por las histrionicas actuaciones de los actores. Defectos todos ellos que acaban por darse la vuelta subrayando el carácter freudiano y "expresionista" de la cinta. No en vano se la considera la piedra angular del cine expresionista alemán.
Dejemos para las tertulias de expertos si la cinta es o no realmente expresionista más alla de sus decorados teatrales (que lo son) y cuyo estilo vino dado más por la necesidad ,escaseaba la iluminación y tuvieron que pintar las sombras, que por elección pero lo que es innegable es que son estos los que confieren una ruptura con lo visto hasta esa fecha y hace de "El Gabinete...." una deliciosa stravaganzza que impactó en su momento y que aún hoy se degusta con placer. Al ver las primeras pruebas director y productor (Pommer) quedaron encantados. Su influencia en el cine posterior independientemente del genero y de la etiqueta artística diferente es incuestionable.
SHAME
Puntuación: 6
Duración: 1 h 49 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Steve McQueen
Paja mental sería hacer un chiste facil y probablemente injusto con este segundo proyecto de McQueen, director proveniente del mundo del video y al que se le nota en cada plano que quiere ser trascendente.
Me aburren sus planos estáticos tanto como los interminables travellings, me aburre su monótona banda sonora que subraya machaconamente que lo que ocurre es inquietante, me aburren los desnudos a granel por obvios en alguien que tiene una adicción al sexo y que a estas alturas ni siquiera deberían escandalizar en los circuitos comerciales. Me aburre ver como se estira el sufrimiento enfermizo y existencial para rematar la faena con un final tan manido.
Me gustan algunos diálogos y situaciones brillantes donde el protagonista se esfuerza por volver a la "normalidad" y adoro a Carey Mulligan que lo borda. Fassbinder tampoco es manco pero poner cara de póquer siempre ayuda mucho a que imaginemos un atormentado mundo interior.
Ya que el director lleva el nombre de un clásico, y hablando de adiciones, me quedo con "Dias de vino y rosas" (1962) de Black Edwards, y les perdono a Lemon y Remick que no enseñen el culo.
No se pierdan Shame dicen los que saben que es una obra maestra del siglo XXI.
LAS UVAS DE LA IRA
Puntuación: 8
Duración: 2 h 9 m
País: USA / 1940
Dirección: John Ford
Ford acababa de tener un gran éxito con "La diligencia" y en sus vitrinas lucia su primer Oscar por "El delator". Podía tener más opciones a elegir buenos argumentos y la novela de Steinbeck acababa de llevarse el Pulitzer contando magistralmente los años de depresión americana agravados por la climatología adversa en muchos estados del centro sur.
Nunnally Johnson habitual guionista de Ford sintetizó la novela en dos horas dejando el terreno despejado para que Ford tuviera su mejor acierto eligiendo al gran Gregg Toland como director de fotografía que supo ser digno sucesor en la pantalla del testigo histórico de los hechos y sus gentes que había dejado la fotógrafa Dorothea Lange. Asi pues la cinta es un recuerdo imborrable de las grandes migraciones que se produjeron hacia California en busca de un sueño que acabó siendo una lucha por la subsistencia.
Se ha alabado mucho el mensaje de solidaridad que refleja la película, mucho más optimista que el libro donde la balanza se equilibra con la xenofobia y el enriquecimiento de los terratenientes a costa de la miseria de de unos compatriotas de una nación cuyos estados no estaban tan unidos como indica su nombre.
Nunnally se deja en el camino el profundo retrato psicológico de cada uno de los personajes que se da en la novela y apuesta por unificarlos en un todo familiar donde solo sobresale Fonda en una individualidad que empieza a tomar conciencia social y política de lo que esta ocurriendo. Se cambia el orden de los hechos para no dejar en tal mal lugar al estado y se le dota de un final más optimistas de cara a la galería.
El equipo actoral, casi habitual en las películas de Ford, solvente como siempre y el propio director se luce con sus virtudes expresionistas en los primeros minutos y con los grandes espacios marca de la casa en el largo viaje a la tierra prometida.
Que este clásico del cine no les impida leer una novela mucho mejor.
TONI
Puntuación: 8
Duración: 1 h 22 m
País: Francia / 1935
Dirección: Jean Renoir
Cuando vi "Los santos inocentes" se la recomendé a mis padres alabando todas sus maravillas. Cuando la vieron no se sintieron impresionados en absoluto, es más ni siquiera entraba dentro de su concepción de una gran película.
Decía mi padre que todo lo que ocurría en la cinta el lo había vivido con creces y que al cine hay que ir a divertirse, a evadirse a soñar con mundos y aventuras imposibles y no a observar las miserias de la realidad.
Esto fue lo que debió pensar el publico del 35 para que "Toni" fuese un fracaso comercial. La nuevas inquietudes de Renoir por la clase obrera y el intento de reflejar sus vidas de la forma más real posible, le llevó a rodar este melodrama trágico basado en hechos reales, instigado por su amigo productor y director Marcel Pagnol.
Considerada como uno de los primeros precedentes del neo-realismo italiano de la década siguiente (Visconti, fue ayudante de realización), supuso un punto de inflexión en la obra de Renoir, una prueba más en su camino hacia un estilo más poético que daría sus mejores obras.
Rodada en gran parte en exteriores con un tono casi documental y con actores noveles y no profesionales, asistimos básicamente a un melodrama rural donde las esperanzas de los inmigrantes chocan con las barreras sociales, los temores de los lugareños y la precariedad de sus vidas. Llama la atención el rol desempeñado por las mujeres, meros objetos de deseo y bestias de trabajo paridoras que luchan en la sombra con sus propias armas por encontrar un lugar digno bajo el sol.
Renoir imprime fuerza y belleza a sus imágenes con abundancia y variedad de planos y recursos apoyado por una excelente fotografía de su sobrino Claude.
"Toni" no aparece entre las obras destacadas del maestro pero sin duda lo es.
EL GATO CON BOTAS
Puntuación: 7
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 2011
Dirección: Chris Miller
Obviamente nada que ver con el famoso cuento popular recopilado por Perrault en el siglo XVII.
La fama de este secundario de la saga "Shrek" ha llevado a Dreamworks a darle un protagonismo del cual ha salido airoso gracias a un guión solvente de acción y aventuras para todos los públicos, donde el Zorro se mezcla con el spaghetti western, personajes como Humpty Dumpty popularizado por Lewis Carroll en su "Alicia a través del espejo" para acabar en la trama del cuento de "Las habichuelas mágicas".
Tal batiburrillo solo podía provenir de Hollywood. El personaje tiene carisma, bien doblado por Banderas, y él y sus amigos y enemigos nos entretienen en una aventura trepidante, estupendamente animada y cuyo pulso decae en los momentos finales con las consabidas codas musicales marca de la casa que empiezan a ser repetitivas.
Habra secuela.
DRIVE
Puntuación: 7
Duración: 1 h 35 m
País: USA / 2011
Dirección: Nicolas Winding Refn
Repasando los comentarios y criticas de la obra de este productor, guionista y director Danes, me atrevo a aventurar que este su octavo largo es el que le ha hecho sacar la cabeza de una cierta mediocridad reincidente en el thriller más trillado.
Al hablar de oídas concedamosle el beneficio de la duda.
El premio a la mejor dirección en Cannes y algunos boca a boca acompañados de dos de los actores jóvenes actuales más prometedores, hicieron que mis expectativas con respecto a "Drive" fueran altas.
Cumplidos los primero 10 minutos seguían en lo más alto, pero poco a poco, casi sutilmente el ritmo, el guión y los personajes se van volviendo convencionales a veces pretenciosos y el misterio y la magia desaparecen. Mulligan, Gosling y los estupendos e ilustres secundarios no fallan pero el guión a cada minuto se acerca más a un buen episodio de una serie de éxito, subrayado por un final que augura secuelas. El director ya tiene una saga con "Pusher".
Últimamente se considera signo de cierto pedigrí rodar escenas de violencia extrema de forma muy explicita, pero Winding Refn no es Scorsese por mucho que intente hacernos guiños con "Taxi drive".
La producción es buena y como trhiller de acción funciona perfectamente, Refn sabe manejarse en las atmósferas nocturnas, sucias y ásperas y sobre todo en los planos en los interiores de los coches donde se refugia el protagonista de un mundo que presumiblemente le atormenta (la fabula de la rana y el escorpión) y que se nos esconde en todo momento. Es ahí donde las luces y las sombras se confunden donde "Drive" tiene sus mayores aciertos y fracasos.
HARRY BROWN
Puntuación: 6
Duración: 1 h 43 m
País: Reino Unido / 2009
Dirección: Daniel Barber
A sus 79 años, poco o nada tiene que demostrar Sir Michael Caine. Su carrera, en la que ha habido de todo, le convierte en una leyenda viva y hay que degustar sus últimas interpretaciones como oro en paño, más allá de mayordomos de Batman.
En la cinta que nos ocupa, él vuelve a ser el valor más solido con una interpretación por encima del producto que nos ofrece el premiado director en publicidad Daniel Barber y que se estrena con este western justiciero de desigual factura.
Parece mucha coincidencia que el protagonista se llame Harry y que su apellido Brown (marrón) esté tan próximo al sinónimo de sucio, porque al igual que el personaje encarnado por Eastwood, este otro Harry, llega a la conclusión de que la "basura" más vale eliminarla que reciclarla.
No se preocupa Barber de equilibrar la balanza, tomándose su tiempo para que entendamos porque unos actúan de una forma y olvidándose de los otros, en un planteamiento excesivamente maniqueo. Aquello del ojo por ojo ya sabemos como termina.
En cualquier caso Barber compone escenas de gran acierto, con diferentes estilos y crea algunas atmósferas realmente inquietantes, sobre todo en la primera mitad. Después se vuelve muy convencional abocando todo a un final precipitado.
No se llegó a estrenar en España a pesar de algunos premios y titulares tan exagerados como: "la mejor película inglesa del año".
Una vez más hay que recurrir a Caine para justificar su visionado.
HOUSE (Serie tv. 2º temporada)
Puntuación: 7
Duración: 22 episodios de 42 m.
País: USA / 2005-06
Creador: David Shore / FOX
Hay que reconocerle a los guionistas el aparente pozo sin fin de casos médicos raritos que puedan sustentar una serie de 22 capítulos por temporada. En esta segunda entrega la serie se consolida y empiezan a aflorar nominaciones y premios a granel.
Personalmente no he notado un salto de calidad notable, la estructura es calcada a la primera temporada y a pesar de que descubrimos algo más sobre la vida privada de este acrata antisocial, no acaban de convencerme los capítulos dedicados a ello (su anterior ruptura sentimental y el origen de su minusvalía).
House sigue funcionando a un buen nivel, gracias a los mismos presupuestos de la temporada anterior y poco a poco van tomando más dimensión el resto del elenco con un Wilson que toma por derecho propio el lugar que siempre ocupó Watson en la obra de Doyle.
Programada inicialmente para dos temporadas, el éxito que obtuvo les abrió un horizonte imprevisible. Hoy sabemos que la serie ha finalizado en una increíble octava sesión.
Dado que me he metido las dos primeras seguidas en apenas una semana el propio House me receteria algún tiempo de descanso antes de la tercera. Ya veremos.
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| JUAN LUIS GALIARDO (1940-2012) |
Cuando leo la necrológica de Galiardo, descubro lo poco que he visionado de su trabajo, a pesar de ser un actor popular y sobradamente conocido.
De su etapa de juventud, de la que por cierto es dificil encontrar material gráfico, le recuerdo como un galán en películas olvidables de los 60 y 70 en las que apenas aportaba un físico portentoso, entre señoras ligeritas de ropa. Probablemente hizo cosas mejores que yo no vi.
A partir de los 80 y cumplida la cuarentena su imagen se hizo mas "respetable" y aprovechando el cambio de los tiempos el actor, el buen actor que llevaba dentro empezó a encontrar su sitio. Desde entonces hasta hoy, mucho teatro, cine y televisión que por carambolas de la vida tampoco he visto lo suficiente.
Es cierto que en la profesión se le tenía por un gran amante de su trabajo y de las actrices que compartían el mismo y le achacaban una "loca energía". Los eufemismos conque Echanove le describe, hablan entrelineas del vendaval que debió ser.
No sobran apasionados en nuestras tablas y se nos acaba de ir uno de ellos. Hace años, Charlton Heston, le dedicó una frase tildándolo de "convincente". Al final Galiardo terminó por convencernos a todos con su buen hacer, de que merece estar entre los grandes.
LAZO SAGRADO
Puntuación: 5
Duración: 1 h 28 m
País: USA / 1939
Dirección: John Cronwell
Cromwell había cumplido ya los 50. Steward y Lombard 31. Él estaba en un año crucial para su carrera con cinco películas en cartel, entre ellas "Caballero sin espada" de Capra y ella ya estaba consagrada como actriz de comedia y quería demostrar (lo hace) que también estaba capacitada para el drama o en este caso el melodrama.
El trío por tanto prometía, pero el título no aportaría casi nada a la carrera de ninguno de ellos. Puede que Selznick, el productor metiera más mano de la debida, dado que Cromwell había demostrado y demostraría que era capaz de dirigir con inteligencia, el caso es que la película esta troceada en tres partes "zurzidas" entre si de forma tosca y cayendo en todos los subrayados y tópicos posibles para tocar la fibra de un espectador de la época, proclive a dejarse llevar por las emociones más primarias.
La abundancia de planos efectistas sobre todo en los dos tercios finales, lastrados con una recargada banda sonora y un fotografía esplendida, para una película de terror, es difícilmente soportable hoy día.
La ligera comedía introductoria no acaba de explotar sus posibilidades, el dúo protagonista algo crecidito para sus personajes, con una imagen demasiado madura de ella, no consigue que empaticemos con sus desventuras sean cómicas o dramáticas, y cada uno se limita a salvar sus escenas individuales con sobrada calidad.
Los secundarios apenas aportan nada y el viento argumental va cambiando de dirección con algunos momentos interesantes (la fiesta de fin de año), para desembocar en una historieta final donde la pretendida tensión nunca es creíble y los efectos sonrojantes.
HOUSE M.D. (Serie TV. 1ª Temporada)
Puntuación: 7
Duración: 22 episodios de 42 m.
País: USA / 2004
Creador: David Shore / FOX
Hace 8 años ni siquiera estaba especialmente interesado por las series de tv. Comenzaban por entonces para la FOX la andanzas del Jefe del departamento de diagnósticos del Hospital (ficticio) Universitario Princenton-Playsboro de New Jersey. Vamos, otra de médicos.
Nunca me interesaron las series de médicos ni de grandes hospitales. Independientemente de mi hipocondría personal los elementos comunes y clichés de este tipo de series se repiten una y otra vez. Con un par de ellas es más que suficiente.
Pero..... y si metemos en el centro de este laberinto de batas blancas y quirofanos un "virus extraño" políticamente incorrecto, que además sea un clon de Sherlock Holmes y que trate cada enfermedad como un caso policíaco con un equipo al que putea socraticamente. Hagamosló tan imperfecto en lo personal como brillante en lo profesional, añadamos humor muy ácido e inteligente y habremos creado una serie tan adictiva como la vicodina que House traga sin parar.
Es cierto que aún así no se libra del inevitable lastre de capítulos muy episodicos, jerga medica ininteligible para los simples mortales, casos con demasiados denominadores comunes y una estructura descaradamente repetitiva.
Hugh Laurie se confundirá para la eternidad con su personaje al que ha sabido dotarle del carisma necesario para que le amemos y odiemos a partes iguales. El resto del elenco corre detrás de él, en una producción fiel al genero, formando los arquetipos de contraste de manera eficaz para que brille su estrella.
Acaba de terminar la octava temporada, la de su despedida. Si el nivel se mantiene como en esta primera sesión, creo que voy a pedir al doctor House que me interne al lado de la pantalla.
MAD MEN (5º Temporada)
Puntuación: 7
Duración: 1 episodio doble y 12 de 45 m. aprox.
País: USA / AMC
Creador: Mattew Weiner
Se hizo esperar, pero al final, quien tuvo retuvo y esta quinta entrega no ha necesitado forzar la marcha, ni giros imprevistos, ni lineas argumentales largas y solidas.
Le ha bastado hechar un vistazo general a como le van las cosas a cada uno de sus protagonistas, con un Draper más domesticado, mantener la calidad en la producción y el buen hacer de sus interpretes para pasar sin apuros a una sexta donde sus guionistas deberían añadir más leña al fuego, cosa que en esta temporada solo lo hacen a partir del capitulo 10, consiguiendo en este y en los dos siguientes que movamos el culo del asiento y dejemos de relajarnos.
Cambios, haberlos los ha habido pero casi al final del partido, dejando sus consecuencias para la próxima. Deseamos que no tarde mucho.
LA CAÍDA (TV)
Puntuación: 6
Duración: 1 h 29 m
País: Reino Unido / 2009
Dirección: Dominic Savage / BBC
En Septiembre de 2008 el castillo de naipes que el capitalismo más feroz venia construyendo con la complacencia general de políticos y gobiernos, empezó a derrumbarse con el anuncio de quiebra de la compañía de servicios financieros Lehman Brothers. El derrumbe aún continua.
En apenas unos meses la BBC ya ponía en imágenes con esta película de una forma simple y sencilla las consecuencias de ello. El todo vale y la codicia de unos le sirve al capitalismo más feroz, para dar una vuelta de tuerca a su propio sistema y sacar la máxima rentabilidad de aquellos a los que mantenía con los recursos económicos básicos, ofreciéndoles un espejismo de mejora social, a sabiendas que no solo no lo alcanzarán sino que probablemente lo perderán todo en el intento.
Tan inmisericorde es el invento que no le importa que llegado el momento sus propios ejecutores, mercenarios embriagados por el subidón de la riqueza facil también caigan y sean devorados por el monstruo que han ayudado a construir.
Entonces descubrimos que aquellos que nos representan han estado mirando para otro lado y lo siguen haciendo. Que no hay refugios donde esconderse ni soluciones, ni vuelta atrás.
Para algunos de los protagonistas esta caída supone un despertar, una toma de conciencia brutal de lo que es realmente importante más allá de las posesiones materiales y se agarran a ello como un autentico salvavidas. Otros se desprendieron de él pensando que el barco que habían elegido nunca se hundiría y acabaran dejándose arrastrar al fondo antes de tiempo y otros al fin, salvados in extremis, estarán dispuestos a seguir reiniciando el juego, vendiendo su alma una y otra vez a aquellos dioses inaccesibles que habitan un Olympo construido con nuestro trabajo y nuestro esfuerzo.
BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR
Puntuación: 7
Duración: 2 h 7 m
País: USA / 2012
Dirección: Rupert Sanders
Se cumplen por estas fechas los 200 años de la primera edición del cuento de los hermanos Grimm y la industria cinematografica nos ofrece nuevas y variadas versiones del cuento clásico, inspirado en lo sustancial en hechos y personajes probablemente reales y que inmortalizó para la edad moderna Walt Disney.
Esta que nos ocupa supone el debut en la pantalla grande de Sanders forjado en la publicidad, donde ya se prefiguran sus dotes fantasiosas e imaginativas con un fuerte poder visual.
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| Espejo "parlante" en Lohr, Alemania. Supuesto inspirador del del cuento. |
El notable conjunto del producto final es superior a las partes del mismo, ofreciéndonos una cinta entretenida con un gran diseño de producción y una dirección grandilocuente, efectista, buenos FX, plagada de referentes (las escenas calcadas del "Señor de los anillos" comienzan a ser un tópico clásico) de otras cintas y el suficiente presupuesto para que Sanders mueva la cámara con picados y panorámicas espectaculares.
El conjunto como hemos dicho posee fuerza y ritmo, apostando por un guión que va saltando de genero en genero con mayor o mejor acierto en una versión de la historia donde los "enanitos" aparecen tarde y desaprovechados, la química entre el triangulo amoroso es bastante sosa, y Kristen Steward carece del carisma que merece el personaje, demostrando hasta la fecha que sus dotes de actriz funcionan mejor cuando no es el centro de atención ("Runaways"). Uno habría apostado por Carey Mulligan, o Saoirse Ronan, pero claro el tirón de "Crepusculo" y el inminente cierre de la saga vende mucho.
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| INSUPERABLES |
En el otro lado de la balanza, Charlize Theron, equilibra sobradamente con una composición destacada de la malvada madrastra, mezcla de Lady Macbeth y Anibal Lester, aunque todavía ninguna versión se atreve con los otros dos intentos de liquidar a la princesa y el cruel final de los zapatos candentes.
Cuidada fotografía y potente banda sonora completan dos horas que justifican el precio de la entrada.
PD. Tranquilo Walt tu versión del 37 sigue siendo la mejor.
DIAMOND FLASH
Puntuación: 6
Duración: 2 h 10 m
País: España / 2011
Dirección: Carlos Vermut
Antes de nada agradecerle a Carlos Vermut su osadía por este salto mortal al vacío, donde sin importarle el seguro batacazo comercial que le espera al final del mismo, nos regala piruetas en el espacio, cabriolas imposibles que hacen que el aire viciado y enrarecido por la costumbre del cine actual se mueva lo suficiente como para que hablemos con interés de SU película.
Un su con mayúsculas pues, produce, dirige, guioniza, fotografía, monta..., afortunadamente deja la interpretación en manos, mayoritariamente femeninas que realizan un trabajo impagable, sobre sus textos. Si además también han sido dirigidas por él, cosa que desconozco, chapó.
Exasperante e hipnótica, hasta decir basta, pasada de metraje y realizada en la más absoluta pobreza de medios y también de recursos de dirección. Tenemos el ejemplo de "Dispongo de barcos" realizada con una Handicap de mano con mucha más imaginación en el lenguaje fílmico.
Imaginación que le sobra en un guión solido, abierto, y que apuesta por la sorpresa y el desconcierto constante en el que el espectador debe poner mucho de su parte. Eso, siendo bueno en sí, no evitara alejar, si es que llegan a visionarla dada su casi nula distribución, a tres cuartas partes de una audiencia que prefiere por su comodidad las cosas trilladas y mascadas.
Uno de los personajes llega a plantear precisamente este quid de la cuestión. El ser humano necesita comprender y clasificarlo todo para su propia seguridad existencial.
Después el éxito obtenido con su corto "Maquetas", seguro que Vermut consigue con este salto llamar la atención sobre una forma de trabajo que podría ser la alternativa a los tiempos de crisis que corren y correrán por nuestras carteleras. Sin embargo me temo que tendría que domesticarse mucho para poder socavar las mentes cerradas de quienes reparten las migajas y de los que pagamos las entradas. Suerte.
JUSTIFIED
Puntuación: 7
Duración: 13 episodios x 48 m aprox.
País: USA / 2012
Creador: Graham Yost / FX
El acotado mundo del Marshall federal, Rayland Gives afincado en Kentucky, para más señas en el condado de Harlam, confirma con esta tercera temporada que se ha ganado un puesto entre las mejores series del momento.
Si bien es cierto que la segunda ha sido hasta la fecha la mejor, quizás porque Elmore Leonard, autor de las novelas en que se basa, echó una mano, esta tercera ha mantenido el nivel notable y se ha ganado la renovación para una cuarta entrega.
Timothy Oliphant, actor principal y productor sigue actuando de forma muy inteligente, dejando que la trama y los personajes secundarios estén por encima de su protagonismo personal. Dicho planteamiento se acentúa en esta última entrega con múltiples facciones enfrentadas en un laberinto de personajes que se han zampado la serie en un suspiro sin dejarnos tiempo apenas de respirar. La vida privada de Rayland ha tenido que esperar. La notable producción, fotografía, guiones y el buen hacer del reparto seguro que continuaran en la esperada próxima entrega.
TU Y YO
Puntuación: 7
Duración: 1 h 28 m
País: USA / 1939
Dirección: Leo McCarey
Una de las comedias románticas por excelencia que generó una segunda versión del propio McCarey, "Algo para recordar" con el mismo guión escrito a cuatro manos, en el 57 con Cary Grant y Deborah Kerr, que a su vez inspiró la cinta del mismo titulo en español, de Nora Ephron con Tom Hanks y Meg Ryan en el 93. Así mismo se hizo otro remake al año siguiente dirigido por Glenn Gordon Caron con Warren Beatty y Anette Bening.
Y es que la historia de Mildrem Cram y el propio McCarey junto con el guión de Delmer Daves y Donald Odgen es explendido, números musicales aparte. Por otro lado es imprescindible el buen hacer y la química entre los protagonistas, cosa que Boyer y la Dunne consiguen. Ella estuvo nominada al Oscar por su papel pero a mi me gusta mucho mas él en un perfecto equilibrio entre un cinismo de vuelta de todo y el enamoramiento más redentor, vital y maravilloso. Perdón pero uno es un romántico.
Con dos partes bien diferenciadas, la primera es una comedia deliciosa, ágil y encantadora a bordo de un crucero donde se encuentra la pareja protagonista. La segunda da paso, entre canción y canción de la Dunne que nos pone de los nervios porque ralentiza la trama ( tampoco es que sean maravillosas por mucho que una de ellas, "Whising", optara al Oscar), a un melodrama romántico teñido de moralina que se perdona por ese final antologico donde es imposible no consumir media docena de Kleenex.
¿He dicho ya que soy un romántico?.
EL DOCTOR ARROWSMITH
Puntuación: 6
Duración: 1 h 33 m
País: USA / 1931
Dirección: John Ford
El gran aliciente de esta cinta es ser la única versión cinematografica que se ha rodado de la novela homónima ganadora del Pulitzer del futuro primer premio Nobel norteamericano Sinclair Lewis. Y por supuesto que la dirige el maestro Ford.
Ford tenía 37 años, amplia experiencia en el cine mudo y esta fue una de su primeras películas sonoras. El director declaró que nunca le gustó adaptar novelas, quizás sea este uno de los motivos por los que la cinta no forma parte de su filmografía destacada, a pesar de que contó con 4 nominaciones a los Oscars incluido el de mejor película.
Su "mano" se nota sobre todo en las escenas dramáticas, donde aporta su influencia expresionista adquirida en Alemania.
Por lo demás es un biopic en el que Sidney Howar como guionista intenta condensar los hechos más relevantes de la vida de un médico cuya pasión por la investigación científica, en este caso microbiologia, tiene que luchar con su vida sentimental y sus principios éticos y profesionales.
Ford va saltando de un lado a otro intentando ensamblar las tres piezas básicas y es más lo que se intuye que lo que nos muestra. Por otro lado el original fue censurado en 8 minutos para que el perfil de Arrowsmith no tuviera fisuras y el "desliz" sexual, sugerido en la versión resultante, no empañara el sacrificio de su abnegada mujer Helen Hayes.
Colman,y Hayes, (muy mayores para las etapas iniciales de sus personajes) estan en el comienzo de sus brillantes carreras, sobre todo ella que recibe el Oscar este mismo año por "El pecado de Madelon Claudet". Mirna Loy también encuentra su hueco aunque desdibujado por la censura.
La critica social que caracterizó la obra de Sinclair Lewis termina viéndose reflejada en los criterios deshumanizados y resultadistas de la empresa de investigación donde trabaja el protagonista.
Como curiosidad recomiendo el articulo publicado en "Revista de Medicina y Cine. Número 3. Foro de los editores" de la Universidad de Salamanca, en el que se comentan los fallos de rigor científico que se dan en la película. Algunos muy llamativos.
ATTACK THE BLOCK
Puntuación: 6
Duración: 1 h 20 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Joe Cornish
Desde luego hay que reconocerle al polifacético Corbish (actor, presentador, guionista) en su debut en el largo que ha sido capaz de jugar bien sus cartas y llevarse el bote con apenas una pareja de seises.
Una buena idea, actores eficaces y mucho ritmo para entretenernos apenas una hora y veinte con el juego del corre, corre que te pillo de unos alienigenas de original diseño que tienen la desgracia de aterrizar en un barrio marginal de Londres. Con un arranque algo titubeante y donde nadie para de correr, poco a poco se van definiendo situaciones y personajes, salpicados con notas de humor digno que hacen llevaderos los mismos tópicos del genero mil veces vistos.
Unas gotitas de redención social poco creíbles rematan un producto final efectista y efectivo que a uno le pilla ya un poco mayor para tomárselo muy en serio.
Tiene, eso si, los requisitos necesarios (bajo presupuesto y monstruos "diferentes") para que le endosen la etiqueta de película de culto. Pues eso.
CREBINSKY
Puntuación: 5
Duración: 1 h 30 m
País: España / 2011
Dirección: Enrique Otero
Parece que Otero tenía claro que esta historia sobre estos dos hermanos gallegos de apellido soviético, criados al abrigo de una vaca y su ingenio para reciclar aquello que el mar arroja a las costas de una Galicia, siempre bella, daría sus frutos.
Lo intentó en el 2002 con el corto "Os Crebinsky", y ahora se pasea por festivales recogiendo algún que otro premio. Nos alegramos.
El desencanto viene cuando después de un arranque más que prometedor con una hermosa animación y un planteamiento original, mágico y atrayente, poco a poco va derivando en un film convencional, con caídas de ritmo abismales donde la historia de unos salvajes entrañables más cuerdos que la locura que les rodea, en un viaje existencial a sus orígenes, se transforma en algo que huele a falso, a estiramiento de metraje porque no se sabe que hacer con tan explosivo material, rodeándolo de una galería de situaciones y personajes desaprovechados cuando no innecesarios. Al mago se le ve el truco y los Cresbinsky siguen su viaje interior al margen de la película que otros quieren hacer con ellos. Sorte irmáns.
SOLO SE VIVE UNA VEZ
Puntuación: 9
Duración: 1 h 22 m
País: USA / 1937
Dirección: Fritz Lang
Lang, ya en su madurez, recala en Hollywood huyendo de los nazis y renunciando a la propuesta de estos de dirigir los prestigiosos estudios de la UFA.
Uno se aventura a pensar que el rechazo a sus proyectos en América y las represalias que sufrió por parte de MGM cuando por fín consiguió estrenar "Furia" en la que ahondó en la critica social, le llevaron a buscar productores más independientes como Walter Wanger.
Con la escusa de realizar películas de genero, en este caso policíaco, basado en los famosos Bonnie y Clyde que habían sido tiroteados tan solo tres años antes, hizo aquello de: "si no quieres caldo toma dos tazas", y se descolgó con esta tragedia, donde el papel de dioses que manipulan el destino lo encarna la propia sociedad "democrática" estadounidense, llena de prejuicios y su sistema judicial donde el delito siempre se paga, sean los acusados culpables o no.
Me llamó la atención los uniformes de los policías al final de la cinta con una aire que me recordó a los uniformes fascistas de la Italia de Mussolini. Después leí en "El blog de solaris" que a el le recordaban nazis. No creo que este tipo de detalles no fuesen una indirecta muy directa del amigo Fritz.
La mayoría de las escenas no tiene desperdicio, bien sea por su contenido social, tensión dramática o estética donde la fotografía de Leon Shamroy se luce al servicio del maestro expresionista Lang. Considerada una de las primeras del llamado cine negro, con una Silvia Sidney estupenda en un personaje que se va transformando a medida que avanza la trama, sustituyendo las falsas normas sociales por las que le dicta su corazón y un Fonda que con tan solo dos años en la industria y 7 películas apuntala su personaje con una sobriedad y dignidad inigualables marca de la casa.
Aún sobra sitio para que acabemos conmovidos con una historia de amor, donde los protagonistas no son afortunadamente príncipes, sino ranas.
MATANDO EN LA SOMBRA
Puntuación: 5
Duración: 1 h 13 m
País: USA / 1933
Dirección: Michael Curtiz
Entre los 167 títulos que rodó este director estadounidense de origen Húngaro, no todo son "Casablancas". Precisamente Curtiz se caracterizó por ser un todo terreno.
Aquí versiona la sexta novela de la saga del detective Philo Vance, "El caso Kennel", cuya traducción por estos lares les debió parecer más impactante para la taquilla.
Las aventuras de este detective dandy, estirado y amante del arte, alter ego de su autor S.S. Van Dine, seudónimo de W.H. Wright, autor y critico de arte estadounidense, tuvieron mucho éxito popular en la década de los 30, hoy prácticamente olvidadas.
William Powell da perfectamente el tipo de Philo y Curtiz se la despacha en poco más de una hora, como se suele decir, rapidito y matizando, con sobreabundancia de elipses que le confieren un ritmo vertiginoso a una trama interesante llena de sospechosos, cuyo "look" es tan parecido que se hace dificil distinguir a los actores.
En definitiva un producto de consumo rápido, comercial, más cercano a un episodio televisivo y fácilmente olvidable.
VICKY EL VIKINGO Y EL MARTILLO DE THOR
Puntuación: 6
Duración: 1 h 36 m
País: Alemania / 2011
Dirección: Christian Ditter
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Ditter, dirige sin alardes y con solvencia hollywoodense, esta segunda entrega de las aventuras de Vicky el Vikingo, basadas en la serie de animación para tv, que con gran éxito disfrutamos grandes y pequeños allá por el 75.
El producto es casi exclusivo para el público infantil, lleno de ingenuidad y con el mensaje habitual de la serie de menos violencia y más inteligencia. Los papas y familiares pasaran un rato agradable con sus peques, mientras que entre ellos comentan que la serie era mejor. Efectivamente lo era.
Con una cuidada producción acompañamos a Vicky y sus amigos en busca del tesoro de los dioses y sentimos algo de envida sana en descubrir como otros son capaces de adaptar a la pantalla grande su ídolos de infancia sin que tengan que sonrojarse.
VERBO
Puntuación: 6
Duración: 1 h 27 m
País: España / 2011
Dirección: Eduardo Chapero-Jackson
Valiente y "original" propuesta dentro de la tónica del cine patrio juvenil. El cortometrista de éxito C-J, alarga su trabajo con un poema rapero de mensaje esperanzador y algo ingenuo dirigido a una juventud actual no necesariamente circunscrita al extrarradio físico, sino al extrarradio anímico interior de cada uno.
Apoyándose para ello en un lenguaje audiovisual más cercano a sus intereses, que trata de aunar el pasado y el futuro como soporte para un presente basado en la imaginación, la belleza y el amor, motor intemporal cuya fuerza puede cambiar el mundo. Ahí es nada. Pero el intento se agradece.
Por el camino se quedan escenas pelín pretenciosas, encuadres forzados por la estética y unos voluntariosos actores jóvenes que sin desmerecer su labor, no estan a la altura del proyecto.
Los que intentan encasillarla o toman como comparación géneros como la ciencia ficción o la aventura fantástica creo que andan un poco desencaminados con lo que pretende Chapero.
No ha tenido gran recibimiento, pero ya sabemos que por aquí a quien levanta la mano le crujen. Suerte para la próxima, si te dejan.
BOUDU SALVADO DE LAS AGUAS
Puntuación: 8
Duración: 1 h 27 m
País: Francia / 1932
Dirección: Jean Renoir
El inclasificable Boudu se conserva más fresco y actual que nunca. Renoir nos regala esta pieza maestra a instancias de su protagonista Michel Simon que produce y con el que ya había colaborado anteriormente.
Con aire despreocupado y con una aparente sencillez aplastante, Renoir compone una sátira sobre sobre la sociedad pequeño burguesa de entreguerras, introduciendo el sentido de la vida como un elefante en un cacharrería, arrasándolo todo y provocando mediante el humor la reflexión inteligente.
Simón fuerza su personaje hasta un absurdo no menor al de la vida hipócrita y anodina de la casa burguesa donde se le recoge. El movimiento de los actores y de la cámara debería ser lección obligada en las escuelas de cine.
El aspecto documental del París de la época es impagable. Y podemos ver a otro gran cineasta como Jaques Becker, ayudante de Renoir en un pequeño papel del poeta.
En el 2005 se realizó un remake, "Bodou", con Depardieu sin ningún éxito.
En la del 32 todos parecen estan disfrutar con sus roles. Renoir/Bodou nos lanza su pedorreta final y nos dice "que os den" mientras se pierde en la dirección que sople el viento.
No conozco manera mejor de hacer una revolución.
LOS GRANDES
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| FREDERIC MARCH (1897-1975) |
La carrera de este actor estadounidense solo puede despertar envidia. Sus inicios, como casi todos los grandes comenzaron en el teatro, medio que nunca abandonó y que le reportó dos Tonys. Las puertas al cine se le abrieron de par en par cumplidos ya los 30, en su primer protagonista en "La loca orgía" (1929). No lo desaprovecho y la década de los 30 fue "suya" cimentando una solidez actoral, profesionalidad y versatilidad que ya nunca le abandonarían.
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| March en Mr. Hyde |
En las cuatro décadas posteriores se ganó el privilegio de poder elegir sus proyectos, apostando más por la calidad que por la cantidad, para poder compaginar cine y teatro. Fue uno de los pocos actores con contrato fijo en un gran estudio sin renunciar a poder trabajar con los demás.
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| Junto a Veronica Lake en "Me case con una bruja" |
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| En "Ha nacido una estrella" |
Más de 60 títulos en su haber con los mejores directores, 2 Oscars y 3 nominaciones, amén de haber tenido el privilegio de ser el primer Willy Loman, protagonista de "La muerte de un viajante" de Arthur Miller. Frederic March poseía el don de la interpretación en todas sus facetas y sus personajes podían no estar perfectos, en ocasiones. Algo que muy pocos pueden decir.
Supo envejecer personal y actoralmente adaptando su físico y su presencia vital a cada uno de los personajes que interpretó. Murió como los grandes, interpretando, ya con cáncer terminal "The Icemen Cometh" dirigida por Frankerheime sobre la gran obra de O´neill.
El tiempo que injustamente lo ha relegado a un cierto olvido lo volverá a poner en lo más alto. Revisitemos y murámonos de envidia con su obra. Gracias Frederic.
MEN IN BLACK 3
Puntuación: 7
Duración: 1 h 43 m
País: USA / 2012
Dirección: Barry Sonenfeld
Después de 10 añitos, esta franquicia sigue dando guerra. Un guión simple y entretenido con el siempre atrayente viaje en el tiempo, una cuidada producción de Spielberg y unos actores y director que saben a lo que juegan, con un excelente Brolin en su imitación de Tommy Lee Jones, al que se le ve algo desangelado en sus escenas.
Puro entretenimiento comiquero de acción, humor y un toque sentimental. Nada más. Y nada menos.
INFILTRADOS EN CLASE
Puntuación: 4
Duración: 1 h 49 m
País: USA / 2012
Dirección: Philip Lord, Chris Miller
La pareja protagonistas se ha mojado con la propuesta, Hill guioniza y Tatum produce, y les ha salido bien. Critica y taquilla le han dado su beneplácito y la secuela parece asegurada. Sus directores, ya nos regalaron la divertida "LLuvia de albondigas".
La idea no es mala. Tomando como base la serie de los 80 "21 Jump Street" en la que se dio a conocer Johnny Depp, parodiar todo lo que se ponga por delante dentro de la linea de las llamadas comedias gamberras, intentando marcar diferencias, aunque sean sutiles con la factoría Apatow. Y probablemente lo consiguen con algunas situaciones "interesantes".
Pero con todo y con eso a un servidor, le hace muy poca gracia el resultado y lamenta profundamente que el listón de lo que hoy en día se considera "comedia" y hace reír a las nuevas generaciones de espectadores sea tan..... ¿vulgar, podría ser la palabra? Sí, probablemente.
A uno de los personajes le dan un tiro en los huevos y se le cae la polla al suelo, que tiene que recoger con la boca. Malos tiempos para la lírica.
SOMBRAS TENEBROSAS
Puntuación: 6
Duración: 1 h 53 m
País: USA / 2012
Dirección: Tim Burton
Si uno no conoce la serie de culto televisiva en la que se basa (no estrenada en España), si uno se olvida de quien firma la dirección y de lo que supuestamente se espera de él (a estas alturas y repasando su filmografía, no mucho la verdad) y si su "cultura" cinematografica se limita a pelis de palomitas dos veces al mes.... estas "Sombras tenebrosas" se digieren como esos zumos de frutas enriquecidos con vitaminas hechos a base de agua y polvos químicos que engañan a la sed unos segundos para inmediatamente generarnos más sed.
Tiene delito que Depp sea un fan del personaje que interpreta y por ende de la serie y trague con este desaguisado comercial que no sabe a donde camina y que nos recuerda a otras pelis ("The Haunting (1999), "La muerte os sienta tan bien (1992)") más alla del posible homenaje.
Depp, acepta ser el eje de todo el cotarro en detrimento de una galería de personajes que le rodean cual maniquíes de grandes almacenes y poco más ( mi querida y adorada Michel, ¿tanto te a costado los infructuosos intentos de conservar tu eterna belleza?). Todo ello, eso sí, con la solvencia habitual y ya un poco cansina de un equipo artístico creador de la marca Burton.
La cosa arranca con un inicio prometedor al que se suma el sugerente choque generacional entre el no muerto del siglo XVIII y los delirantes 60 del pasado siglo. El guionista consigue un par de escenas dignas con tan jugosos material y el resto es una espiral sin sentido en la que vamos dando bandazos de un lado para otro en un túnel de la bruja de feria con música de los 60.
Al menos gozamos de una explosiva y sugerente Lolita, Chloë Grace Moretz que viene arrasando y comiéndose la pantalla con tan solo quince añitos.
A pesar de los pesares la franquicia Burton nos promete más de lo mismo. Esperemos que algún día sea mejor.
LES LYONNAIS
Puntuación: 8
Duración: 1 h 42 m
País: Francia / 2011
Dirección: Olivier Marchal
Desconozco la carrera cinematografica de Marchal, cimentada en el genero policíaco, parece se que con notable éxito. No en vano fue policía antes que cineasta.
Esta claro con esta propuesta de madurez que domina el genero y nos ofrece una obra contundente con buen ritmo narrativo y apoyada en unos actores de gran presencia física cuyos rostros ajados y curtidos encajan en la personalidad de un "grupo salvaje" que al igual que el de Peckhimpack son capaces de apostarlo todo lo ganado, por la amistad y el honor, sabedores de que a pesar de haber sobrevivido a una intensa vida en el filo de la navaja no acaban de ver su fin en una cama rodeados de la familia.
Construida sobre una base doble mediante, quizás sobreabundancia de flashbacks, asistimos a la adaptación de la biografía de Edmond Vidal, alias "Momon": "Por un puñado de cerezas". Criado por la etnia gitana de la que nunca olvida los códigos de jerarquías y honor, acaba convirtiéndose en delincuente con una banda que perpetró múltiples robos en los años 70 en Francia, sin delitos de sangre que le granjearon el respeto de amigos y enemigos.
Sus alter egos juveniles estan a la altura de sus mayores. Fotografía y banda sonora muy acertadas. Marchal aún le sobran minutos para homenajear a "El Padrino" en la escena de la fiesta, marcar bien los tiempos en las explosiones de violencia inherentes al mundo de los protagonistas y realizar algunos apuntes sobre las relaciones familiares donde el amor es tan fuerte como las rígidas reglas que lo enmarcan.
El cine francés única alternativa europea al cine USA, goza de buena salud en cualquier tipo de géneros. Valga "Les Lyonais" como muestra.
LOS DIARIOS DEL RON
Puntuación: 6
Duración: 2 h
País: USA / 2011
Dirección: Bruce Robinson
No acabo de encontrar en esta propuesta de Robinson producida por Depp, la fama transgresora que arrastra el director a raíz de su primera obra "Withnail y yo"(1987).
Tampoco uno se aventura a pensar que este Thomson que se nos presenta posee el germen explosivo, iconoclasta y autodestructivo que le llevó a convertirse en un potente articulista, con un estilo personal (gonzo) subjetivo, alucinado por el alcohol y las drogas, irreverente y políticamente incorrectisismo a pesar de que al final se nos avisa en unas lineas de que llegó a "triunfar".
No se si en esta su primera novela, publicada muchos años después y de carácter autobiográfico él se suaviza tanto como lo han hecho en la película, en la que aparece casi como un ingenuo, cuando ya contaba con un historial que lo retrataba como prácticamente un delincuente juvenil pasado de alcohol y drogas. La imagen del casi cincuentón Deep tampoco ayuda mucho con la locura y el inconformismo añadido que le daban los veintipocos años que tenía Thomson por aquellos 60.
En fin que si dejamos a un lado lo que pudo ser y no fue el retrato de juventud del explosivo Thomson que acabó sus días pegándose un tiro en la cabeza, asistiremos a un producto correcto e interesante que se deja ver y que no dejará la menor huella en nuestros recuerdos cinematográficos.
BLANCANIEVES (Mirror, mirror)
Puntuación: 6
Duración: 1 h 46 m
País: USA / 2012
Dirección: Tarsem Sing
Cuarto largo de este director indio que no se prodiga demasiado en la gran pantalla y cuyas señas de identidad son un potente y estético acabado visual, forjado en la publicidad. Ha esperado a la cincuentena para en tan solo dos años ofrecernos dos productos bastante comerciales, "Inmortales" y esta vuelta de tuerca al cuento de los hermanos Grimm que parece que se esta poniendo de moda en todas las productoras.
Tanto el guión como la dirección se conforman con una base de mínimos en la que de forma algo desganada (las escenas en el bosque sobre todo), tratan de sacarle punta a los tópicos del cuento con desigual acierto. No da la sensación tampoco de que Singh haya dedicado mucho tiempo a la dirección de actores, que tiran de oficio salvando situaciones y diálogos en la cuerda floja. A la Roberts no le favorecen trajes y peinados y es dificil pensar que antes de Blancanieves era la más guapa del reino.
Sobresaliente la dirección artística, destacando el apartado de un variopinto y exuberante vestuario.
Algunos gags (pocos) y escenas que nos evocan a Carroll ayudan a que pasemos el rato sin mayores emociones.
EL HOMBRE SIN PASADO
Puntuación: 7
Duración: 2 h
País: Corea del Sur / 2010
Dirección: Lee Jeong-beom
Con cuentagotas nos llega el cine de Corea del Sur. Segundo largo de Lee Jeong-beom que arrasó en la taquilla de su país. Dice Lee que es: "una película de acción con un tono diferente". Creo que lo consigue aunque sea a base de amontonar tópicos mil veces vistos, con algo de manga, western y de las perennes películas de artes marciales orientales.
El acierto de Lee es filtrar todo esto y ofrecérnoslo con una factura impecable, gran fotografía digital y una depurada coreografía en las escenas de acción. Dos horas de ritmo y fuerza sostenidos, aunque creo que sobran algunas escenas discursivas por parte de la niña Kim Sae-rom que llevan al limite una forzada sensiblería innecesaria en el personaje.
Lee consigue dentro de este thriller violento abrir puertas y ventanas a la denuncia social del trafico de órganos, uso y explotación de los niños realmente sobrecogedor, en sociedades donde la superpoblación y la pobreza hacen que sean tratados como material de desecho.
El hombre sin pasado puede que tenga futuro.
LAS NIEVES DEL KILIMANJARO
Puntuación: 8
Duración: 1 h 30 m
País: Francia / 2011
Dirección: Robert Guédiguian
Descubro a Guédiguian con esta película y no puedo compararla ni valorarla en función de su obra anterior. Diecisiete films de marcado carácter social y que a raíz de esta propuesta me apetece revisar.
Cuando hemos entrado en un nuevo siglo, han caído los muros socialistas y vivimos entre las ruinas y los escombros del capitalismos más feroz, los veteranos de la lucha de clases, en el último tramo de sus vidas "aburguesadas", se miran al espejo y se preguntan qué se ha logrado, si ha merecido la pena y en qué nos hemos equivocado para que los principios, ideas e ilusiones hayan derivado en corrupciones de todo tipo a las que partidos y sindicatos no son ajenos y en un sálvese quien pueda inmoral e inhumano.
Todo ello contado en una fabula, donde el realismo se difumina en un tono en el que posiblemente Capra no estaría en desacuerdo y en el que se abre paso de forma sencilla pero imparable, la fuerza del último reducto, donde se atrinchera nuestro propio yo y decidimos sacrificarnos hasta la última bala de coherencia con nuestra dignidad y nuestros principios. Los héroes y heroínas de este cuento Marselles y universal cuentan además con los refuerzos y las ayudas impagables del amor y la amistad.
No es un drama realista y esta contado con claridad, humor y magníficas actuaciones en una Marsella llena de luz y esperanza, alejada de su otra realidad mucho más gris.
Se disfruta con agrada y se sale del cine con aquella idea, quizá utópica, de que por encima de otras consideraciones, las personas tenemos la última palabra para en cualquier situación construir un mundo mejor.
PROFESOR LAZHAR
Puntuación: 6
Duración: 1 h 34 m
País: Canadá / 2011
Dirección: Philippe Falardeau
Salí algo decepcionado de este trabajo de Falardeau, quizás por que mis expectativas a razón de lo bien que lo había tratado la prensa especializada eran muy altas.
Es cierto que su director pone sobre la mesa un montón de buenos ingredientes y actores con un tono elegante y sutil para hablar de temas trascendentes como la inmigración, la educación, la infancia y como aceptar, enfrentarnos y en la medida de lo posible aceptar convivir con nuestros traumas personales por muy duros que estos sean.
Sin embargo uno tiene la sensación de que amontona frases para la discusión y abre caminos que no acaba de explorar y como dice el refrán abarcando mucho y apretando poco. Y si bien lo importante está en el fondo, no me acabo de creer la forma, encontrando las relaciones entre los distintos personajes más bien forzadas: el juicio, la contratación, la relación con la profesora, incluso con los niños, mucho más auténticos cuando se relacionan entre ellos.
La labor de Falardeau me recuerda al "Capitan Araña", ese personaje que propone y nos implica a todos para luego el no mojarse en nada.
A nivel personal y dado mis años de experiencia en la educación creo que la escena final se da mucho más en la vida real del día a día del profesorado que no como esta transgresión valerosa y especial para cerrar emotivamente una película.
THE PELAYOS
Puntuación: 7
Duración: 1 h 40 m
País: España / 2012
Dirección: Eduard Cortés
"La vida de nadie" e "Ingrid", tan dispares entre si me parecieron interesantes y atractivas. En estos "The Pelayos", Cortes da otro golpe de timón en su carrera ofreciéndonos un producto "original" en el panorama patrio y con los suficientes ingredientes como para que pasemos algo más de hora y media entretenidos con las andanzas de esta singular familia.
Pero el caso es que cuando uno está viendo la película se da cuenta que el material da para mucho más y que por debajo de la anécdota de haber encontrado un método para desbancar casinos, estos Pelayos pueden ofrecernos algo más jugoso, dramáticamente hablando. Actores tiene para ello. Y es ahí donde Cortes se queda corto y busca un equilibrio entre el drama y la comedia de robos consiguiéndolo con desigual fortuna.
A Homar le falta guión para desarrollar el retorcido alambique que parece tener la personalidad del patriarca Gonzálo García Pelayo, y el hipotético conflicto que supone el triangulo amoroso se queda en eso, en hipotético. Brül por otro lado parece no encontrarse agusto con su personaje y lo compone a base de oficio, algo forzado y deja ver al actor actuando. Al final es Eduard Fernández quien se enfunda su personaje como un guante a medida y nos regala un par de escenas de alta calidad. El resto no desentona en el buen nivel general, y la cinta transcurre algo errática con subidas y bajadas de tensión y ritmo. Al final uno sale con sabor agridulce por la oportunidad "perdida" pero agradeciendo que haya cineastas que no apuesten, valga el caso, siempre a lo mismo.
CASA DESOLADA (Serie tv.)
Puntuación: 9
Duración: 15 episodiós de 1/2 h.
País: Reino Unido / 2005
Creador: Andrew Davis / BBC
En el 85 la BBC emitió una miniserie de esta obra de Dickens obteniendo gran éxito y 3 BAFTAS. Veinte años después repite la formula pero esta vez son 5 los BAFTAS, más 2 Emmys y 2 Globos de Oro. Se los merece.
Casi es chulería el dominio que poseen los británicos a la hora de producir series de éxito, sobre todo si estan basadas en escritores y temas patrios, con repartos, en su mayoría curtidos en las prestigiosas tablas inglesas que elevan la dignidad y formación actoral a cotas difíciles de alcanzar sobre todo en países como el nuestro que se nutren de jóvenes promesas elegidas en su mayoría por su imagen y poco más. Claro que si estos jóvenes se curtieran en obras consagradas cuya riqueza de personajes es apabullante aprenderían algo más que a hacer de si mismos en comedias juveniles actuales.
En fin. Dickens, escribió "Casa desolada" siendo ya autor de éxito. Fue su novena novela, publicada por entregas durante 1853-54 en el semanario Household Words, que él mismo creó, siendo la tercera después de "Dombey e hijo", en el que la planificación total sustituyó a la improvisación, según las reacciones de los lectores de sus anteriores obras.
Básicamente destaca por su rica galería de personajes perfectamente definidos que entrecruzan sus vidas en torno a la critica despiadada que Dickens realiza del sistema judicial de su época, lastrado por una burocracia impenetrable y sangrante económicamente que él conocía muy bien pues siendo muy joven fue pasante y taquigrafo judicial. Se dice que el éxito de la novela ayudó a impulsar el cambió que se estaba efectuando en la Cancillería.
Lo dicho, una gozada de serie que nos da una buena muestra del dominio de Dickens como novelista en su 200 aniversario y que a buen seguro se sentiría orgulloso de esta adaptación. Disfrútenla.
THE MYTH OF THE AMERICAN SLEEPOVER
Puntuación: 8
Duración: 1 h 33 m
País: USA / 2010
Dirección: David Robert Mitchell
Opera prima de D.R.Mitchell. Cine indi sobre adolescentes americanos, que desmonta la imagen de tarados descerebrados y supersalidos con que Hollywood nos los presenta habitualmente. En una sola noche y con el denominador común de las fiestas de pijamas conque despiden el curso antes del verano, un grupo de chicos y chicas deambulan desorientados vitalmente en busca de nuevas experiencias marcadas por el primer amor, los primeros besos y algo que les reafirme su propia identidad.
Obra coral con un buena cantera de jóvenes promesas, la mayoría aún no profesionales y una dirección dulce que mima a cada uno de los protagonistas identificándose e indentificandonos con ellos acompañándoles con una mirada respetuosa de la cámara, sin animo de molestarlos en sus sentimientos.
Mitchell alude a Truffaut como referente de su película con razón. Dosifica con acierto los temas musicales bien elegidos y compone un todo emotivo y agradable con algo de provincianismo, evocador para los que ya abandonaron esa etapa mágica y a veces cruel que nunca volverá.
No se si los propios adolescentes se sentirán identificados o les gustará la propuesta pero es que la película no esta hecha para ellos sino sobre ellos.
LA CALLE
Puntuación: 8
Duración: 1 h 15 m
País: USA / 1931
Dirección. King Vidor
El todo terreno King Vidor (1894-1982) que consiguió estar 7 décadas en activo y hoy injustamente casi olvidado, adapta con solvencia y acierto la obra de Elmer Rice´s. Casi 20 años después nuestro Buero Vallejo ganó el Lope de Vega con "Historia de una escalera" heredera sino deudora de la obra de Rice´s.
Obra coral con un "primer y segundo acto" donde Vidor no renuncia a la teatralidad apoyándola con técnicas cinematográficas que subrayan y mejoran la acción.
La presentación de personajes, bien interpretados, reflejan el microcosmos humano de una casa de vecinos neoyorquina extrapolable a cualquier comunidad universal.
Hace calor en esta calle en un verano donde las ilusiones, esperanzas, frustraciones y miserias de los inquilinos de este inmueble salen a las ventanas y las escaleras, charlan, sufren, ríen y son testigos de la vida y la muerte. La calle es la vida misma.
Antes de que la censura metiese mano Vidor se permite teorizar y hacer critica social. Bolcheviques, judíos, inmigrantes, todos dan su punto de vista. El amor en todas sus facetas y con todas sus aristas siempre está presente como motor esencial de alegrías y desgracias.
Es en su último tramo donde Vidor ejerce más sus dotes de director (magníficos travellings) saca la cámara fuera de la fachada de la casa y nos regala algunas escenas de maestro, quizás para compensar la caída en el melodrama del texto original con diálogos y situaciones algo forzadas y cargadas de moralina.
Paradojicamente la obra de Rice´s había recibido en el 29 el premio Pulitzer, quien había sido el padre de la prensa amarilla, prensa que critica la propia obra y la película dejando bien claro que el poder del cotilleo, las habladurías y el que dirán está fuertemente arraigado en las sociedades que hemos construido.
NUESTRO MUTUO AMIGO.
(Serie TV.)
Puntuación: 8
Duración: 6 horas / 4 episodios.
País: Reino Unido / BBC / 1998
Creador: Sandy Welch
La guionista de televisión Sandy Welch se llevó el BAFTA a la mejor serie dramática por esta brillante adaptación de la última novela acabada de Dickens, del cual celebramos en este año el 200 aniversario de su nacimiento.
No sé si la obra de Dickens goza de favor popular hoy día a pesar de que conserva su merecida fama y prestigio. Pero nunca es tarde para visitar o revisitar su extenso legado novelistico. O en su defecto su adaptaciones a las pantallas, máxime si son tan buenas como esta de la BBC en el 98, inedita en España como tantas otras.
Filmin, la acaba de incluir en su catalogo afortunadamente, junto con Oliver Twist.
Todos los integrantes del elenco estan soberbios, aunque lógicamente cada espectador tendrá sus favoritos, al igual que en las escenas.
Por otro lado y dado los tiempos que corren esta critica brutal que Dickens hace a una sociedad regida absolutamente por el dinero viene que ni pintada. El tanto tienes, tanto vales y el clasismo que eso provoca, dando lugar a relaciones de autentica conveniencia que acaban por un desarraigo afectivo y la paradoja de que no por ser más rico eres más, o ni siquiera feliz. No nos engañemos ni seamos ilusos, siempre será más duro para aquellos que carecen y lo de "contigo pan y cebolla", dura lo que se tarde en comerse el pan y la cebolla.
El pronto descubrimiento del misterio inicial, resta fuerza e intriga en general, aunque pronto se ve compensada por la sabia dosificación de personajes que van tomando el relevo de la acción, mantienen la tensión y se integran perfectamente en el todo de la trama. Adolece en ocasiones de un ritmo lento y un capitulo final rendido al gran publico de todas las épocas.
Las connotaciones e influencias de tinte biográfico con el momento que el autor estaba viviendo, (mantenía socialmente un matrimonio acabado y vivía con una actriz mucho más joven que él, cosa que tuvo dificultades para ocultar al sufrir un accidente ferroviario cuando viajaba con ella) queda en manos de los historiadores.
ME CASÉ CON UNA BRUJA
Puntuación: 7
Duración: 1 h 18 m
País: USA / 1942
Dirección: René Clair
Segunda de las cuatro películas de Clair en Hollywood, que no debemos confundir con el remake "Me enamoré de una bruja" de Richard Quine en el 58.
Este entretenido y "original" cuento de brujas da pie a una comedia romantica agradable, bien interpretada y con un equipo de profesionales de peso detrás, acreditados o no. El cabeza de cartel Frederic March tuvo que ceder espacio y aguantar lo suyo a la malograda Veronica Lake que con sus veinte añitos venía arrasando con todo y se comía la pantalla y todo lo que le pusieran por delante. March, como otros después, se negó a volver a trabajar con ella. Aquí está deliciosa y capaz de embrujar al público como así hizo.
Clair dirige con su acreditado feeling para la comedia y los efectos especiales funcionan en toda su encantadora simplicidad. Cecill Kellaway compone un padre brujo malvado y divertido a la vez y Susan Hayward saca petroleo de su secundario prefigurando éxitos posteriores.
A la comedia el tiempo la ha tratado con condescendencia a pesar de que se notan las arrugas. En los 60 la serie de tv "Embrujada" prolongó el acierto de mezclar el reino de los brujos con los simples mortales.
AUGE Y CAÍDA DE MARGARET THATCHER.
MARGARET.
(Películas para TV. / BBC)
Puntuación: 8 / 8
Duración: 1 h 25 m / 1 h 53 m
País: Reino Unido / 2008-09
Dirección: Niall McCormick / James Kent
El ser humano, como animal social y gregario que es, desafortunadamente y sobre todo en tiempos de crisis necesita de "jefes de la manada" de lideres a los que seguir ciegamente, al menos durante un tiempo, para no tener que enfrentarse con los problemas cotidianos. Que piensen otros. Aunque esos otros a veces utilicen ese liderazgo en su provecho o nos lleven directos al precipicio. O como la señora Thatcher y sus amigos Reagan, Bush... y los conservadores varios aboguen por un sálvese el que pueda. Y ya sabemos que los que pueden siempre son los mismos a costa de los mismos. Por no hablar de su defensa de individuos como Pinochet que prefirieron acelerar dicho proceso sin tener que dar tantas explicaciones.
En fin. Pausa. La historia esta llena de ejemplos de los que lucharon para darle la vuelta a la moneda y cuando lo consiguieron, descubrimos que dicha moneda tenia dos caras iguales, a cual más terribles.
Otra pausa. El caso es que por las razones que fueren el gracioso imperio de su majestad nos ha "bombardeado" últimamente con tres películas sobre La dama de Hierro. No he visto la de la Streep. Pero estas dos son estupendas.
Las excelentes producciones de la BBC deben más de la mitad del éxito a las actrices que encarnan a la Thatcher. Andrea Riseboroug como una joven que suda tinta para conseguir romper el bloqueo machista y clasista de la política de los años 40 en las islas y Lindsay Duncan que ve llegado en su madurez el momento de decir adiós a lo que tanto esfuerzo y sacrificio le ha costado. Margaret Thatcher también era humana y ambas cintas, sobre todo la primera, nos descubren su entorno familiar, para descubrir que sobre todo era un animal político, incansable luchadora, que quiso demostrar al mundo y así misma que la hija de un tendero podía llegar a lo más alto. Una vez conseguido se le debió olvidar que había muchos más tenderos y muchas mas hijas. Pero eso es otra historia que cuenta la historia y no estas magnificas películas.
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HOMBRES INTRÉPIDOS
Puntuación: 8
Duración: 1 h 45 m
País: USA / 1940
Dirección: John Ford
Francamente el festivo y colorido cartel es la antítesis de este drama oscuro fotografiado magistralmente por Gregg Toland con influencias expresionistas de la etapa que Ford pasó en Alemania y que en su conjunto nos recuerda más a "El delator", con sus callejas y ambientes sórdidos de tabernas portuarias que al Ford de los westerns y sus grandes espacios.
El guionista Dudley Nichols consigue ensamblar las cuatro piezas cortas del dramaturgo O´Neill componiendo uno de los mejores retratos de la vida de las gentes del mar.
Un gran reparto de secundarios, en una actuación coral capitaneada por un gran Thomas Mitchell y donde John Wayne sigue subiendo peldaños después de su éxito en "La diligencia" del propio Ford.
La amistad, la camaradería, la vida y la muerte en esa olla a presión que supone vivir en un espacio tan cerrado tanto tiempo, las luces y sombras interiores que les motivaron a embarcarse una y otra vez, la añoranza de la tierra y los seres que quedaron atrás, la lucha diaria con la mar, navegar en tiempos de guerra... van forjando unos hombres hechos de un material especial. Estupenda la actuación de Wilfrid Lawson como el capitán del barco, autentico hombre intrépido, cuyo temple, dureza y comprensión con su tripulación daría para otra película.
Ford se luce en su faceta más "artística" que no es del gusto de todos, apoyado por una producción en estudio que consigue que nos olvidemos que el autentico mar y Londres quedan muy lejos. Canciones, algunas anacrónicas, que recuerdan Irlanda y el debut en la pantalla de la estupenda actriz Mildred Natwick, que se consagraría en las tablas y nos regalaría en el cine la inolvidable madre de Jane Fonda en "Descalzos por el parque".
PLAN DIABÓLICO
Puntuación: 9
Duración: 1 h 45 m
País: USA / 1966
Dirección: John Frankenheimer
Devastadora en su fondo de crítica social al sistema y valiente y arriesgada en su forma, en un momento en que su director gozaba del éxito "comercial".
Frankenheimer siempre fue un director comprometido, aquí contaba con 36 años y uno se aventura a suponer que el shock de las ilusiones (ficticias o no) cercenadas del sueño americano que supuso el asesinato de JFK en el 63 y su madurez personal le hicieron atreverse a dar este salto cualitativo que fue repudiado por la critica de su momento y alabado como uno de sus mejores films posteriormente.
La angustia vital que sufre el protagonista, magníficamente interpretados por John Randolf y un Rock Hudson atípico en una de sus mejores composiciones, refleja el vacío existencial que provoca un sistema social basado en uno patrones de éxito económico por encima de cualquier otra consideración y donde los seres humanos somos piezas intercambiables en el engranaje de un Morlock devorador insaciable cuyos hilos son manejados desde la oscuridad.
El sistema de falsas recompensas con que acallar a los más desfavorecidos y marginales es sencillo y se soluciona con bienes de consumo, pero para aquellos que ya gozan de un estatus elevado y descubren la gran mentira, solo queda la promesa engañosa de una nueva vida (juventud, sexo, belleza...etc) o en caso fallido la eliminación. Realmente alguien acertó con el titulo en castellano, porque es un verdadero plan diabólico, aunque supongo y dada la fecha de su estreno que los motivos del cambio fueron más bien comerciales, para una cinta que no lo es. Como siempre la censura pico una vez más en el anzuelo del sexo, cortando dichas escenas, cuando la carga de profundidad que implica toda la cinta es mucho más "peligrosa" para los amantes del orden establecido.
La influencia de los movimientos hippies de los 60 estaban en su auge, como alternativa social y Frankenheimer ejerce de visionario cuando los refleja en una gran orgía libertaria que en el fondo también serán absorbidos y manipulados por "la empresa".
La fotografía de Wong y la música de Goldsmith son todo un acierto.
En definitiva un joyita que andaba por ahí perdida y que es imprescindible recuperar. Con la que esta cayendo.
LAS ACACIAS
Puntuación: 9
Duración: 1 h 30 m
País: Argentina / 2011
Dirección: Pablo Giorgeli
Los hechos y situaciones en los que se apoya esta película son apenas unos momentos simples y "vulgares" de dos vidas en los que aparentemente no pasa nada. Pero narrar cinematograficamente, durante hora y media la sencillez de dos mundos que se encuentran por azar tan cerca uno del otro y las fuerzas que se desencadenan es muy complicado y Giorgelli consigue que seamos testigos privilegiados de ese encuentro de esas oportunidades que pasan fugazmente en la vida muy escasamente y que dejarlas pasar o aprovecharlas supone una lucha interior donde la palabra no tiene mucho sentido y el alma sale por la mirada, ansiosa de compartir con otro ser humano el resto del corto camino y el bálsamo de las heridas.
Hay que ser muy fuerte para empujar los escombros acumulados y abrirse paso para, una vez más, arriesgarse a un fracaso del que ya no haya tiempo para recuperarse.
Las esperanzas e ilusiones de unas vidas que comienzan y otras que anhelan un digno final generan la tensión que mantiene firme Giorgelli hasta un final de cara o cruz.
En esta road-movie paradojicamente hay muy poco paisaje, hay otro tipo de paisajes mucho más infinitos desolados y bellos tan interiores que nos cuesta mucho compartirlos. En realidad la esencia de los seres humanos es muy simple, tan simple como esta película. Entre los antiguos la Acacia dicen que tenía propiedades curativa y ahuyentaba la mala suerte. Los dioses del azar o el destino quieren que el camión donde viajan lleve un cargamento sacrificado de ellas.
LOS VENGADORES
Puntuación: 9
Duración: 2 h 15 m
País: USA / 2012
Dirección: Joss Whedom
A finales de los 60 muchos alucinábamos con los nuevos superheroes que la Marvel de Stan Lee había creado y Ediciones Vértice nos hacía llegar en blanco y negro aunque fuera de "aquella manera", no muy respetuosa con los diseños originales. Verlos trasladados a la gran pantalla por supuesto que se nos antojaba una autentica utopía. Bueno, tampoco había móviles, ni PC´s. Apenas una década después, el "Superman", de Richard Donner en el 78 nos advertía en su publicidad de que creeríamos que un hombre puede volar y la semilla de la esperanza comiquera empezó a crecer.
Digamos que con los inicios del nuevo siglo el sueño se hizo realidad gracias a los avances tecnológicos, aunque cada nueva entrega no acababa de dejarnos completamente satisfechos. Hasta que en "El caballero oscuro"cuajó el universo DC y Joss Whedom a culminado nuestras ilusiones consiguiendo abrir el portal a esta dimensión del otro universo, el "marveliano", con todo su esplendor y para todos los públicos, sean fans o no.
La experiencia de Whedom como realizador de series de ciencia ficción para tv, su puesta de largo con "Serenity" que cosechó buenas criticas y su herencia familiar en el campo de las comedias de situación, eran una buena carta de presentación pero apuesto que su inmersión como guionista en el mundo del cómic Marvel con su excelente labor en la serie "Astonishing X-Men" le ha dejado claro lo que todos los fans, incluido él, queríamos ver en la pantalla. Y lo hemos visto.
Acción, aventura, amistad, pizquita de puya politico-social, buenos actores encarnando a los héroes y villanos, presupuesto adecuado, humor, ironía, guiños a los incondicionales, épica, y tiempo para equilibrar acción y darle volumen a los personajes y sus relaciones, sin que ninguno pierda su identidad y protagonismo. Vamos, pleno al 15 y un listón del que no deberían bajar futuros proyectos.
A pesar de que el "Capi" siempre fue uno de mis preferidos y creo que Chris Evans encajaba mejor como La Antorcha de los 4F no pude menos que emocionarme viendo a Hulk y a Thor teniendo más que palabras. Robert Downey Jr. aporta un peso inmenso que liga y sustenta el nivel y el equilibrio actoral donde me ha sorprendido gratamente Scarlett con su Viuda Negra, personaje que debería aparecer por la franquicia de Daredevil que buena falta le hace.
Por ponerme puntilloso uno hecha de menos en los Vengadores El hombre hormiga y La Avispa, miembros fundadores del equipo original, que aquí dejan sus puestos a un Ojo de Halcón y Viuda Negra, dado que la cinta se apoya en la versión Ultimate que lanzó Marvel hace unos pocos años para modernizar y contemporizar a unos héroes que van por la cincuentena.
También se nota, aunque sutilmente que los nombres de los actores como Downey o Scarlett pesan más a la hora de protagonizar acciones y sigo pensando que las posibilidades de liderazgo y espectacularidad del Capitán América aún estan por llegar. (Por cierto ¿no es un poco pequeño el escudo?)
Termino, que como fan me emociono. Después de lo visto y dado que en la cinta no se dice, solo queda por gritar: !VENGADORES REUNÍOS¡".
AL SERVICIO DE LAS DAMAS
Puntuación: 8
Duración: 1 h 34 m
País: USA / 1936
Dirección: Gregory La Cava
Probablemente La Cava alcanzó su techo como director de comedias alocadas, desde sus tiempos como encargado de películas de animación para el magnate Hearst y su paso por las comedias de dos rollos del cine mudo, con esta "My man Godfrey", viéndose recompensado con varias nominaciones al Oscar incluida la de mejor director.
Cuando los tiempos de la depresión daban su últimos coletazos nos presenta una ácida y critica visión sobre la "alta sociedad", plagada de descerebrados niños y niñas consentidos, cuyo despilfarro económico y moral les arroja a un abismo en el que arrastran a la clase trabajadora.
Evidentemente este substrato lleva encima toneladas de glamour, trajes y salones elegantes y un humor delirante, rozando el absurdo, con un ritmo ágil y buenos diálogos e interpretaciones por parte de todo el elenco donde destacaría a Alice Brady como una matrona en la que se encarnan todas "las virtudes" de esta feria de vanidades. La escena en la que el protegido de ella imita a un gorila es digna del Jardiel más lúcido.
La maquinaria funciona muy bien engrasada y la redención social del final suena a forzada y algo cínica sin que por ello hayamos dejado de disfrutar durante hora y media.
Fue un éxito en su momento que parece ser llegó demasiado tarde para salvar de la quiebra a los hermanos Laemmle, máximos accionistas de una Universal plagada de deudas.
DIEZ NEGRITOS
Puntuación: 7
Duración: 1 h 37 m
País: USA / 1945
Dirección: René Claire
Ultima película de las 4 que realizó Claire en Hollywood antes de su regreso a Francia. Siendo en su aspecto formal muy fiel a una de las obras maestras y más populares de la literatura de intriga y misterio de la genial Aghata Christie, este Diez negritos pasa por la mano maestra de Claire y por decisión propia o impuesta por el estudio se convierte sorprendentemente en una comedia deliciosa de intriga, plagada de gags, muchos de ellos visuales que recuerdan al mejor Lubitsch y termina con un final que nada tiene que ver ni con la novela ni con el espíritu de la misma.
La atmósfera sobrecogedora, el terror psicológico, la angustia y la inquietud ante el desenlace desaparecen en un producto muy entretenido plagado de secundarios famosos con un Walter Houston como cabeza mas visible. Obviamente el original y magistral final de la novela no encajaba en el tono de esta cinta y es que recién terminada la guerra el público necesitaba finales más acordes con el momento histórico.
Lo que podía considerarse un sacrilegio para los devotos de Aghata entre los que me encuentro y puedo presumir de haber "devorado" en mi adolescencia todas sus novelas del genero, gracias a Claire se convierte en una agradable variante, en otra mirada sobre la misma base.
Se han realizado cuatro versiones más hasta la fecha sin demasiado interés a excepción de una rusa del 87 que no he visionado, amén de ser fuente de inspiración para otras cuantas.
Si no lo han hecho, háganme caso, lean el libro y disfruten de la maestra.
THE HILL
Puntuación: 7
Duración: 2 h 2 m
País: Reino Unido / 1965
Dirección: Sidney Lumet
En otra ocasión creo haber comparado la carrera de Lumet como una montaña rusa, con grandes éxitos en la cumbre y algunos fracasos en la zona baja. Lógicamente entre una y otra hay tramos intermedios donde ubicamos esta Colina, rodada en los desiertos almerienses y cuyo cabeza de cartel es un Sean Connery consagrado ya como James Bond (ese mismo años rodó "Operación Trueno") y que buscaba ser algo más que un agente al servicio de su majestad.
Lumet que ya había demostrado sus subidas y bajadas, apostó por el cine británico e inició una colaboración con Connery que les reportaría éxitos futuros a los dos, aunque aquí 007 apenas aporta su tirón popular, su imponente presencia ante las cámaras y algunos apuntes actorales de lo que vendría en años posteriores.
El que manda en la cinta, como en el campamento de prisioneros del ejercito británico en Africa del Norte es Harry Andrews, consumado actor teatral y "secundario" de los llamados de lujo. Fue nominado a mejor actor británico por este papel y se llevó el National Board of Review´. También fue premiado el guión con un BAFTA.
Buen trabajo grupal de los actores, Michael Redgraves es otro lujo, mágnifica fotografía en blanco y negro y un Lumet poderoso con el movimiento de cámara en el campamento y meticuloso con los planos de los actores consiguiendo transmitirnos la atmósfera opresiva exterior e interior de los personajes.
Sin obviar los tópicos del genero carcelario, Lumet abre en canal al sistema militar, sacando a la luz todas sus miserias, a saber: Los hombres son más hombres con la disciplina del palo, racismo, discriminación y fobias sexuales, crueldad, afán de poder, mandos acomodaticios, anulación de la personalidad, corporativismo encubridor.... vamos un buen repaso.
Adolece sin embargo de un exceso de metraje, con una planificación bastante lineal y reiterativa hasta llegar a un clímax algo tardío (fantástico Andrews en el motín) y un final resuelto sin demasiada brillantez, a pesar de la moraleja final: "Si respondemos a los violentos con violencia, ellos siempre saldrán ganando". Quizá por todo ello no figura como obra destacada en la filmografia del director y del actor protagonista.
En cualquier caso esta colina merece el esfuerzo de ser coronada.
7 DÍAS DE MAYO
Puntuación: 8
Duración: 2 h
País: USA / 1964
Dirección: John Frankenheimer
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Sexta película de Frankenheimer y segunda con Burt Lancaster con quién ya había realizado "El pajaro de Alcatraz", a instancias del actor con el que seguiría colaborando con notable éxito.
Aquí produce otro de los "monstruos" que participan en la cinta, Kirk Douglas. Un placer tenerlos juntos en cualquier cinta, por no hablar de Frederich March, grande entre los grandes cuya popularidad, decaída con el paso del tiempo no refleja sus muchos méritos o la siempre poderosa Ava Gadner. March se llevó el David de Donatello por el papel del presidente de EE.UU. y estuvo nominado al Oscar, al igual que Edmund O´Brien como secundario de lujo.
Al cabo de eso se trata, de un lujo de reparto con dos horas de una trama que no ha perdido interés y con unos bis a bis entre los protagonistas que son todo un recital de actuación y de poder ante la cámara (como aguantan los primeros planos) de un director que siempre tuvo el don de conseguir el equilibrio entre el entretenimiento y el fondo de sus temas.
Tema que da para mucho e invita a reflexionar sobre sus variantes hoy día. El poder del miedo para controlar al pueblo. Pero no es este el espacio para extendernos sobre ello y si disfrutar de dos horas de buen cine.
Por ponerle algún pero, algunas escenas no están muy bien resueltas, o se quedan cortas y el final resulta discursivo y precipitado. Nobody is perfect.
LAS MANOS EN EL AIRE
Puntuación: 5
Duración: 1 h 30 m
País: Francia / 2010
Dirección: Romain Goupil
Desgraciadamente para esta película la veo despues de visionar "Le Havre" y dado que las dos critican muy seriamente las políticas europeas de inmigración en Europa y en Francia en particular, la cinta de Goupil lleva las de perder. No se trata evidentemente de comparar el sello de autor que imprime Kaurismäki sino del resultado final y las emociones que nos provoca. En la del finlandes todo es ternura, magia y crudeza con la realidad subyacente. En la del francés no acabo de empatizar con esta pandilla de niños que parecen entresacados de las novelas de una Enid Blyton del siglo XXI, con su Club de los 7 secretos o Los cinco.
El ver como asumen los chavales las medidas barbaras y antisociales de repatriación de su país y su particular toma de conciencia con las actuaciones policiales es una propuesta más que interesante que el comprometido director izquierdista se deja escapar como agua entre las manos de una forma bastante light, "perdiéndose" en la belleza del rostro de la niña chechena y las aventuras y amorios de esos veranos inolvidables donde casi todos tallábamos corazones en los árboles. En algunos momentos me recordaba a las películas al efecto de Manolo Summers.
Sin apenas tensión ante el futuro desenlace, el final nos parece algo pretencioso y forzado y no sabemos si meditar sobre las injusticias sociales o recordar las travesuras de estos enfants terribles.
HA NACIDO UNA ESTRELLA
Puntuación: 7
Duración: 1 h 51 m
País: USA / 1937
Dirección: William A. Wellman
Remake de "Hollywood al desnudo" (What price Hollywood?) que había dirigido Cukor en el 32 y primera de la serie de tres que se hicieron con el mismo titulo, la segunda en el 54 también dirigida por Cukor y la tercera en el 76 por Frank Pierson con Barbara Streisand. La critica en general apuesta por la del 54 que calca algunas escenas de esta.
Dicen que se inspira en los comienzos de Barbara Stanwyck, aunque el personaje del marido tanto pudo ser el actor cómico Frank Fay marido de la Stanwyck o el director Owen Moore, anfitrión en la película de la fiesta donde se conocen los protagonistas.
Melodrama desigual, donde se lleva la peor parte las escenas destinadas a ensalzar la voluntad y el coraje de la chica de provincias que está dispuesta a triunfar con consejos de la abuela, enérgicamente interpretada por Mae Robeson y donde destaca la visión de un insensible Hollywood cual Saturno devorador de sus hijos. Visión atrevida hasta ese momento aún cuando todo se cubra de una patina de elegancia y glamour. Aquí es donde Frederich March se hace dueño de la cinta componiendo un convincente alcohólico abandonado a su suerte por la industria cuando pierde el favor del público y ve como ocurre lo contrario con su mujer. La Gaynor a un año de abandonar su carrera aún aguanta el tirón de jovencita en busca de sus sueños. Curioso verla recibir un Oscar a ella que fue quien se lo llevó en la primera ceremonia de los premios. March también lo había conseguido
La química entre ambos funciona y obviando las pretendidas escenas cómicas en el viaje de luna de miel en caravana, nos creemos que estan muy enamorados y llegan a emocionarnos en el previsible desenlace de su historia.
Interesantes los personajes de Menjou como el productor ambiguo que nunca sabemos si le mueve el interés, la amistad o ambas, y la crueldad conque Lionel Stander como agente de prensa hace leña del arbol caído.
Original y muy sugerente final, donde en el fondo todos se constituyen en marionetas de un guión que escriben otros. Recordemos que en esta época los estudios eran dueños y señores del producto terminado, por encima de directores y actores.
Dicen que Eastwood planea otro remake con Beyonce. Sería el quinto de la película más versionada con éxito por no hablar de la influencia en "The Artist" y ademas ya se sabe que no hay quinto malo.
SI NO NOSOTROS, ¿QUIEN?
Puntuación: 6
Duración: 2 h 4 m
País: Alemania / 2011
Dirección: Andres Veiel
¿Por qué el cine alemán es tan aburrido?. Ahí queda la pregunta. Veiel, estudió psicología, teatro y se consagró como documentalista y las tres cosas se le notan en este su primer debut en un largo de ficción.
Si uno no esta muy documentado y no le suena el nombre de Gudrum Ensslin y su implicación en el grupo terrorista RAF y relación e influencia con Andreas Baader, la primera hora, como se ha escrito con acierto, eres incapaz de ver por donde van los tiros y que nos quiere contar Andres Veiel. Podemos entender a posteriori que es un largo sustrato de la situación mundial desde el final de la guerra (reflejado en cortes intercalados de documentales) y de como ello influenció a Gudrum y su marido para adoptar posturas radicales que pudieran cambiar el mundo. Y fue el mundo y se los comió.
En la segunda hora el drama toma sentido y va en creschendo explotando todos los traumas psicológicos de los protagonistas para mayor lucimiento de los actores, con una intensidad a veces sobrecogedora en el descenso a los infiernos personales de cada uno de ellos.
La sombra que el nazismo pudo dejar en los descendientes de la nueva Alemania, la tortuosa relación entre el matrimonio y los vientos de cambio que trajeron los espejismos de los 60 y 70, casi darían para una enciclopedia.
Hay que reconocerle al director su valentía en aproximarse a tan gigantesca empresa. Existen otras cinco películas sobre la vida de Gudrum, la última" RAF" del 2009 es un buen complemento para entender un poco mejor los hechos que de forma general se describen en esta.
La cinta consigue y nos invita a una reflexión nada optimista sobre el poder de rebelión de los individuos contra los sistemas, cualesquiera que estos sean en cualquier época. Aquello de si matas a millones eres un estadista y si son unos pocos, un terrorista.
UNA HORA CONTIGO
Puntuación: 6
Duración: 1 h 20 m
País: USA / 1932
Dirección: Ernst Lubitsch
Cuando Lubitsch recaló en Hollywood, le adjudicaron a Chevalier por la simple razón de que los dos eran europeos. Reconozco que no trago a Chevalier con su voz melosa y sus impostados movimientos de galán de vodevil. Si tuvo tanto éxito por algo seria. Dicen que Jeanette MacDonald fue su mejor pareja, quizás a lo mejor por eso tan poco es que me entusiasme.
De todos modos esta comedia "musical" picara y sofisticada de la que podría haber tomado nota nuestro genial Jardiel, en la que apreciamos en general más a Cukor, que ejerció de ayudante de dirección, que al propio Lubitsch, resulta hoy día tan antigua como es, a pesar de los brillantes diálogos y los enredos de la situación, a mi juicio todo ello lastrado por una inmensas pausas teatrales entre los mismos que telegrafían los gags restandoles eficacia, como si el espectador necesitara tiempo para darse cuenta de que lo que esta pasando es gracioso.
Todo ocurre en París donde la frivolidad y relajación de costumbres queda alejada del puritanismo norteamericano.
Algunas escenas son brillantes como el primer encuentro de Chevalier con Mitzi en el taxi o la charla del marido de esta, el magnifico Roland Young (uno de los primeros Dr. Watson), con el propio Chevalier. Diálogos en verso y canciones noñas propias de la época que empalagan aún más si cabe la acción. Fue nominada ese años como mejor película. Como diria Chevalier en el eterno papel en el que le encasillaron: !Viva La France!
UNA MUJER PARA DOS
Puntuación: 8
Duración: 1 h 30 m
País: USA / 1933
Dirección: Ernst Lubitsch
Parece ser que el dúo de guionistas apenas dejó una frase de la novela original del mismo titulo, "Design for living" de Noel Coward. Desconozco la reacción del autor y tampoco he leído la novela así es que el eterno conflicto entre que el cine deba ser fiel en sus adaptaciones literarias, no ha lugar. Por otro lado algo tendría que ver la censura.
El resultado sin embargo es una deliciosa comedia, escandalosa en su momento por la propuesta de una vida en común a tres bandas y con el siempre sello personal de Lubitsch. March y Cooper, algo forzados, sobre todo el segundo, en sus caracterizaciones, cumplen como dúo enamorado de la misma mujer, Mirian Hopkins, la cual no está dispuesta a renunciar a ninguno de ellos. El siempre eficaz Edwar Everett Horton complementa perfectamente la otra cara de la moneda , mas respetable y por supuesto más aburrida. Diálogos chispeantes, irónicos y atrevidos con los consabidos equívocos en una trama que va perdiendo fuerza a medida que avanza el metraje. El paso del tiempo la ha tratado bien y sigue siendo una buena opción hoy en día.
LAS DIVAS
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| BARBARA STANWYCK (1907-1990)
Esta "carita de angel" de belleza poco ortodoxa y tremendamente atractiva se convirtió por méritos propios en, utilizando esa expresión que siempre me pareció absurda, un pedazo de actriz como la copa de un pino.
Sus inicios, prácticamente huérfana, fueron tan duros como cualquiera de las coristas que aparecen en "Calle 42" o "Vampiresas" y su encuentro con el famoso actor Frank Fay con el que se casó, le abrió la puerta que nunca más se volvió a cerrar. Dicen que "A nacido una estrella" se basa en la historia de sus inicios y de su tortuosa relación con la decadencia del actor. Como quiera que fuese su carrera siempre fueron peldaños hacia arriba convirtiéndose en el prototipo de femme fatale. Habitual de Capra en sus comienzos, trabajó con todos los grandes, o todos los grandes querían trabajar con ella. Obtuvo cuatro nominaciones al Oscar, mereció muchas mas y al final se quedó con el que realmente importa, el de toda una vida de profesión. Toco todos los géneros, hizo películas buenas, malas y regulares, pero ella siempre estaba estupenda. En el teatro y en el cine también triunfó.
Su vida privada fue el reverso de la moneda donde el sufrimiento afectivo y físico (padeció escoliosis) la acompañó casi tan inseparablemente como sus éxitos. Larga vida en el recuerdo a Ruby Catherine Stevens: La Stanwyck.
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EL HAVRE
Puntuación: 8
Duración: 1 h 33 m
País: Finlandia / 2011
Dirección: Aki Kaurismäki
Hasta el momento mi camino como espectador, por las razones que fueren no se había cruzado con ninguna obra de este afamado director finlandes. Después de un cuarto de siglo creo que "Le Havre" me llega en el momento ideal para poder degustar este plato original y colorista y descubrir un director de los llamados de autor, que imprime su estilo personal en cada uno de sus trabajos.
El puerto francés de El Havre, emblemático en el trafico de mercancías a nivel mundial, le sirve a Kaurismäki como escenario y metáfora de un mundo que nos trata como tales. A modo de fabula apuesta por la esperanza en un reducido grupo de personajes casi marginales, entrañables, reforzados por una estética anticonvencional a los cánones de belleza (aquí si que se encuentra en el interior) que son capaces de hacer frente mediante el amor y la amistad a un sistema deshumanizado e hipócrita, en donde afortunadamente también se dan excepciones. La cinta rezuma encanto, sencillez y poesía a la vez que la candidez de su planteamiento subraya con rotundidad que las cosas no son así. Inteligente planteamiento donde los actores encajan a la perfección en un ritmo casi de diapositivas con unos planos exquisitos y una fotografía que juega con un color casi irreal, bello y que a pesar de encajar en el tono de cuento existe en esta realidad tan llena de grises sin que sepamos valorarlo. Geniales los detalles de vestuario y como consigue el tono francés, el aroma del cine francés y sus creadores recurriendo a los tópicos incluida la música con una mesura y un buen gusto que hace que no lo parezcan.
Fantástico final donde a pesar de su efímera vida la flores del cerezo renacen cada año.
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| YOLANDA RIOS (1951-2012) |
Ahora que se cumplen y se celebran 40 años del mítico concurso "1,2,3", se nos va una de sus "contables" más emblemáticas junto con Victoria Abril. Esta venezolana que debutó en las tablas con 19 años comprobó lo que es la fama cuando Chicho la eligió para el programa estrella de la televisión estrella (no había otra) de nuestro país en el 72. Solo estuvo un año pero su rostro, su tipazo y su simpatía dejaron huella mientras que multiplicaba las respuestas acertadas. Yolanda caía bien a todo un país que estaba desperezándose de un letargo oscuro y castrador y más a un adolescente como un servidor que soñaba con chicas como Yolanda. Hay que reconocer que lo hacia muy bien. Después tuvo que pasar por el aro del destape de la época y le perdí la pista. Cuando volví a encontrarla como actriz, descubrí que lo seguía haciendo muy bien. Volví a perder su pista hasta la fecha en que su imagen de 21 años ha vuelto a mi memoria tan fresca como si el tiempo no hubiera pasado, y así seguiré recordándote Yolanda. Hasta siempre.
LA CALLE 42
Puntuación: 6
Duración: 1 h 29 m
País: USA / 1933
Dirección: Lloyd Bacon
Emblemático film del genero musical americano con el que la Warner lo revitalizó, después del cansancio del publico ante la sobreabundancia de musicales que trajo la llegada del sonoro. Encuadrada dentro de las películas "realistas" que definían a la Warner en los tiempos de la depresión y antes de la censura de la Oficina Hays, presenta la dureza y desmitificación del mundo del espectáculo y las miserias de sus entresijos laborales y sociales. Todos luchan sin escrúpulos por sobrevivir o conservar su estatus. Todo ello envuelto en tono de comedía descarada donde se nota la ausencia de Melvin Leroy, quien tuvo que dejar la dirección por enfermedad en manos de Bacon, a mi juicio menos dotado, como se pone de manifiesto en "Vampiresas de 1933" rodada seis meses despues con parte del mismo elenco y director coreográfico, donde Leroy se desquita y si bien la fama para la historia se la llevo la calle 42, creo que Vampiresas es superior como musical y como comedia y ha resistido mejor el paso del tiempo, aunque redujese su critica social debido a la censura.
Gran parte del éxito, sino todo, de "La calle 42" se debe a las coreografías novedosas y caleidoscopicas con las que Busby Bekerley cierra los últimos 20 minutos de la cinta y que le consagraron como el genio que fue. Supuso también el debut de Ruby Keeler, en aquellos momentos mujer del famoso Al Jonson y destacada bailarina de claqué y abrió la puerta a la carrera como actriz a Ginger Rogers a quien recomendó el propio Melvin Leroy con quien tenía un affaire.
¿Para cuando un libro que recopile como consiguieron tener su oportunidad muchísimas estrellas, hombres y mujeres que tuvieron que pasar, consentido o no, por el aro de los que manejaban el cotarro?
Al final Warner Baxter como el genial y despótico director del show, acaba extenuado preguntándose si merece todo el esfuerzo y sacrificio un trabajo cuyo fiel de la la balanza del éxito o el fracaso es el pulgar hacia arriba o hacia abajo de unos espectadores de etiqueta que lo olvidaran en menos de lo que dura un aplauso.
LA SOMBRA DEL PODER (SERIE TV)
Puntuación: 10
Duración: 6 episodios de 52 m
País: Reino Unido / 2003
Dirección: David Yates / BBC
Han pasado 9 años desde que la BBC nos hizo otro de sus regalos a los que nos tiene acostumbrados, con este thriller político magnifico heredero de aquellos de los 70 con "Todos los hombre del presidente" de Alan J. Pakula en el 76 a la cabeza.
Un brillante guión de Paul Abbot y un reparto excepcional, alguno se consagraría años despues, donde destaca Bill Nighy como editor del Herald londinense.
La trama no solo se sigue con interés sino que a pesar de que parte de su andamiaje es previsible, no deja lugar al espectador despistado sobre todo si se ve en v.o.
La construcción de cada una de sus elementos y de las piezas de sus personajes encajan a un ritmo preciso dosificándose de forma magistral en cada episodio, conformando una historia compacta y solida, sin el mínimo resquicio.
El mundo de la alta política y del periodismo, antagónicos y complementarios, enfrentados e inseparables. Dos mundos poderosos que se aman y se odian donde la ética siempre es un frágil funambulista al borde del abismo.
Los hombres y mujeres que constituyen los engranajes de estos mundos dibujan unas vidas cruzadas tan apasionantes como la intriga que sustenta la narración. Peter Yates se consagró como director televisivo de éxito con ella antes de dar el gran salto a las sagas "Potterianas". En el 2009 Hollywood realizó una notable versión de Kevin McDonald, también con un excelente reparto y un soberbio Russell Crowe, aunque la serie me ha parecido más "redonda".
Si como yo, aún queda alguien que no ha disfrutado de la serie, no se la pierdan.
LOS JUEGOS DEL HAMBREPuntuación: 4
Duración: 2 h 22 m
País: USA / 2012
Dirección: Gary Ross
Me desconcierta pensar que Gary Ross, director de títulos tan notables como "Pleasentville" o "Seabiscuit", haya dirigido tan horriblemente esta apabullante mediocridad. Tambien me desconcierta que Gary Ross, capaz de escribir la genial comedia "Big" participe en el impresentable guión a tres bandas de esta adaptación de la exitosa novela de Suzanne Collins. Mayor inri tiene el hecho de que la propia Collins haya colaborado y aprobado tal desaguisado. Esto último me hace pensar que o bien la novela (que no he leído) es tan mala como la película (esto último lo dudo), o bien que los rumores malintencionados de que para escribirla plagió "Battle Royale", suavizando la abundancia de gore que le imprimió el japones Khousun Takami, puedan ser ciertos. Máxime cuando solo se decidió a escribir las otras dos novelas que continúan la saga al recibir el encargo (y el cheque) de la correspondiente editorial. Sea como fuere, con semejante material se podía haber hecho una película al menos digna, cinematograficamente hablando.
A veces uno no sabe si está viendo una cinta de serie B, una interesante y bien elaborada disquisición sobre una distopia con tintes sociales, buena puesta en escena y actores solventes ( Tucci lo borda como siempre) o un telefilm barato de sobremesa dirigido por un principiante de escuela. La respuesta puede estar en que Shoderberg maneja la segunda unidad y puede que sea él el responsable o de la parte mas lograda a la llegada de los protagonistas a la ciudad Capitol. O por el contrario se haya permitido el lujo de jugar con sus excentricidades a las que de vez en cuando da rienda suelta y se la haya ido la pinza con la parte del inicio y el desarrollo de los juegos en si. Lo que está claro es que hay dos estilos y dos directores claramente diferenciados y esto, en este caso no mejora el resultado de un producto de "bajo presupuesto" (78 millones) muy mal repartidos. Por no hablar del espeluznante, montaje, la utilización o no, supongo que con pretendidos fines dramáticos de la melosa banda sonara y la sonrojante elección del casting de actores y dirección de los mismos donde Shuterland y Harreson estan abandonados a su suerte y solo se salva Jennifer Lawrence que mantiene la coherencia de su personaje en todo momento en situaciones absurdas, disparatadas y en la mas absoluta soledad actoral. Menos mal que es la protagonista. Será una gran estrella si consigue trabajar en proyectos a la altura de sus dotes.
Seria muy largo pormenorizar cada uno de los desaguisados que contiene la cinta, solo tomar como muestra la falta de credibilidad y volumen de aquellos personajes que condicionan las acciones de la protagonista, su falta de empatía y química con el esforzado Josh Hutcherson, la inverosimilitud y coherencia dramática de los otros competidores, el vergonzoso diseño de algunos elementos donde se desarrollan acciones importantes (la cornucopia, el campamento...), el previsible desarrollo de la trama y su desenlace anticlimatico total en función de siguientes partes, la nefasta utilización de la cámara de mano, la chapuza de las escenas de acción por mucho que quieran escamotear violencia....etc. Ahora viene el triangulo amoroso y Gary Ross ha dicho que no la dirigirá porque no tiene tiempo de hacerla como el quisiera. Si aquí lo ha tenido, ya le vale.
En mi sesión en unos cines almerienses el abundante publico al final guardó un silencio sepulcral. No sabían si les había "molado" o les habían tomado el pelo. A servidor lo segundo.
Puntuación: 8
Duración: 1 h 37 m
País: USA / 1933
Dirección: Melvin LeRoy
A estas alturas del siglo, que bueno es, revisualizar las comedias y los musicales de la época dorada de Hollywood en la década de los 30. Volver a coger confianza en el cine con historias increíbles e imposibles en las que subyacía toda una filosofía de escapismos de los tiempos duros de la depresión y de una sociedad que intentaba tapar con oropeles la cruda realidad del sálvese quien pueda. La censura de la Oficina Hays y las presiones religiosas puritanas pronto harían que el cine durante un tiempo contribuyese a ocultar con su poder, aún mas, los trapos sucios de las desigualdades sociales. En esta "Gold Diggers de 1933" ya metió mano la censura pero aún pudo mostrar bajo la mano experta de LeRoy y las caleidoscopicas coreografías de Busby Berkeley alegatos contra el abandono de los soldados que regresan de la guerra y son olvidados por la sociedad por la que han combatido (ocurre en todas) y la precariedad laboral representada por el mundo de la farándula y las coristas.
Todo ello contado de manera ágil, agradable y simpática con un excelente reparto donde empezaba a despuntar Ginger Rogers entre un puñado de estrellas a las cual superó en el recuerdo de la historia. Rodada pocos meses después de "La calle 42" con la que se complementa como un juego de espejos que nos invita a encontrar las diferencias. La "Calle...", se libró por los pelos de la censura. A cuatro años del inicio del sonoro fue nominada al Oscar por el mejor sonido. Al final el titulo con el que se estrenó en España, "Vampiresas" fue premonitorio de su inmortalidad. Disfrútenla.
Puntuación: 7
Duración: 1 h 16 m
País: USA / 1933
Dirección: Alfred E. Green
A pesar de estar concebida como un vehículo estandar, para el lucimiento de La Stanwick a quien Capra ya había puesto en órbita y dirigida por un hombre de la casa, la Warner, con esta y otras películas dejó testimonio de un país en depresión, cuyas gentes se buscaban la vida como podían. Que esto lo hiciera visible una mujer utilizando "sus encantos" y que ademas no tuviera escrúpulos por ello fue un escándalo que la reciente censura no permitió, obligando a modificar el final y a tergiversar las palabras de Nietsche en las que la protagonista encuentra justificación a sus hechos para con una sociedad clasista y machista que la condenaba a prostituirse de por vida sin nada a cambio. Significativo es que su "venganza" y ascenso la ejecute en un Banco al que llega a hundir aprovechándose de cada uno de sus peldaños. Peldaños que si bien están a distinto nivel en el fondo son todos iguales.
La Stanwick a sus 26 años esta atractiva a mas no poder a pesar de algunos modelitos de la época y perfilando su rol de femme fatal que la llevaría a ser una de las grandes.
Green la dirigió con solvencia y pasados 79 años se ve con agrado.
La Stanwick a sus 26 años esta atractiva a mas no poder a pesar de algunos modelitos de la época y perfilando su rol de femme fatal que la llevaría a ser una de las grandes.
Green la dirigió con solvencia y pasados 79 años se ve con agrado.
Duración: 1 h 23 m
País: USA / 1932
Dirección: Varios (8)
El primero que figura en la lista de los 8 que dirigieron cada uno de los episodios fue Ernst Lubitsch que en aquellos años gozaba del favor de critica y público y sobre todo de la Paramount, de la que llegó a ser, si no lo era ya, supervisor de producción. Aún le quedaban muchos éxitos por delante hasta su fallecimiento en el 47. El reclamo de esta cinta en su momento, fue que estaba constituida por episodios, cosa infrecuente y puede, como apunta "Miquel" en su ejemplar disección de esta película en "Filmaffiny" a la que les remito, fuese la primera de esta índole en el sonoro. Paramount reunió a sus actores estrellas a la manera que ese mismo año inauguró MGM con "Gran Hotel" de Edmund Goulding ganadora del Oscar a la mejor película.
Aquí las estrellas esta juntas...pero no revueltas y se dosifican en cada uno de los episodios. También ocurrió lo mismo con los directores entre los que se encuentra el propio Lubitsch y Mankiewicz. La propuesta, en plena depresión, es hacer soñar al espectador: ¿Que haríamos si nos regalaran el suficiente dinero para ser millonarios?. Un millón de dolares en el 32 era tocar el paraíso. O quizás no. Esto es lo que nos proponen estas 8 historias para todos los gustos y con desigual acierto, que siguen siendo encantadoras en estos otros tiempos de crisis. Drama, tragedia, comedia, humor negro y critica social, para recordarnos que lo esencial del comportamiento del ser humano apenas a cambiado y que el dinero no da la felicidad pero ayuda bastante.
En su momento no tuvo gran éxito y el episodio (uno de mis preferidos) de la prostituta, fue censurado por "motivos morales". "Si yo tuviera un millón", nos hace reír y reflexionar. Ya es mucho.
JOHN CARTER / BATTLESHIP
Duración: 2 h 12 m
País: USA / 2012
Dirección: Andrew Staton
Duración: 2 h 11 m
País: USA / 2012
Dirección: Peter Berg
Volvemos a los años 60, al cine de Sesión Continua, al 2x1, cuando daba lo mismo entrar con la peli ya empezada y luego te quedabas a ver lo que te faltaba de unas cintas, ingenuas, facilonas y muy previsibles, donde la frontera entre buenos y malos estaba muy clara y al final siempre había beso. Por supuesto en estas aventuras "exóticas" solo se podía gastar la pasta quien la tenía, y los norteamericanos siempre ganaban y tenían la razón. Solían acompañarse de un simpatico animal, generalmente perro o caballo y un amigo probablemente negro y simpatico. Los tiempos, los presupuestos y los amigos y mascotas han cambiado, pero la vieja formula renace de nuevo. A algunos ya nos pilla algo tarde y solo puede engancharnos cierta nostalgia. A los cada vez menos, nuevos espectadores, tan dispersos y volubles, lo mismo pueden elevar a record de taquilla a "Battleship", como dar la espalda sin compasión a "John Carter", siendo básicamente el mismo producto. El batacazo de Pixar/Disney con la potencialmente atractiva historia de Burroughs, ha sido de ordago. Uno de los denominadores comunes en ambas es la ausencia de actores con un mínimo de carisma, con unos personajes absolutamente planos y estereotipados, obligados a soltar unos "diálogos" dignos de figurar enmarcados en cualquier museo del horror. La de barquitos me entretuvo algunos minutos, con algunos cachivaches de los lejanos alienigenas menos vistos que los diseños marcianos y he de reconocer que rompen muy bien las cosas y todo se destruye a la perfección. El premio a la mejor interpretación se la daría al "perro" (o lo que sea) Gula. Una mascota de animación, que de momento es lo que mejor controla su director.
Si van a verlas, pongan su neuronas a cero y déjense llevar.
IRA DE TITANES
Duración: 1 h 40 m
País: USA / 2012
Dirección: Jonathan Liebesman
Bastante más aceptable que su predecesora "Furia...." e infinitamente mejor que el último trabajo de su director "Invasión a la tierra", aunque esto no creo que sea un gran merito. El día que Liebesman le de por trabajar con guionistas que no estén bajo mínimos puede que su estilo visual y narrativo nos depare alguna sorpresa agradable. Mientras tanto pasamos un rato con este peplum de siglo XXI cuyos efectos digitales respetables chocan con nuestra falta de ingenuidad y capacidad de sorpresa, de la que poseíamos mucha los que teníamos algo de uso de razón allá por 1981 cuando se estreno la "Furia de Titanes", original. Neeson y Fiennes aderezan con una pizca shakesperiana sus Zeus y Poseidon dando algo de volumen a sus intervenciones y lo demás es un tebeo sin otra pretensión ni exigencia que entretenernos hora y media. Si ponemos de nuestra parte, lo consigue.
EL CASO DE LOS DEDOS CORTADOS
Duración: 1 h 8 m
País: USA / 1945
Dirección: Roy William Neill
"The woman in green", titulo original no pasará a la historia como la mas brillante de las aventuras del detective, ni siquiera como brillante. Película número 11 de la serie de 13 que se realizaron entre 1943 y 1946 sobre Holmes y por las que se recuerda a su director, ya que fueron muy populares. Neill, forjado en las cintas de serie B y que fallecería al año siguiente, imprime un cierto gusto y elegancia en las imágenes con una cuidada fotografía, precursora del estilo de cine negro que triunfaría en los 40.
Cuando tenemos que recurrir a datos e historia es que la cinta no da para mucho más. La trama alejada de las novelas de Doyle excepto en alguna escena particular, transcurre de forma mecánica con la pareja protagonista funcionando con el piloto automático. Un Watson relegado en esta ocasión a cargar con el papel de bufón de la historia, un Basil Rathbone que luce cansado, probablemente por ver que su gran capacidad como actor había sido relegada y atrapada por la popularidad de Sherlock y un Henry Daniell que nos ofrece una imagen inquietante de Moriarty.
GRUPO 7
Duración: 1 h 36 m
País: España / 2012
Dirección: Alberto Rodriguez
Alberto Rodriguez lleva ya un tiempo buscando su lugar en este páramo que es la industria del cine español y precisamente cuando peor están las cosas consigue un pleno con este "Grupo 7", donde un inteligente guión del propio Rodriguez y Rafael Cobos es llevado a las imágenes con mucho nervio, fuerza y excelente ritmo narrativo, para dejarnos entrever una galería de personajes que encajan como una falange en formación cerrada y resisten la desnudez fugaz de sus vidas a base de un gran trabajo donde los unos se apoyan a los otros con una encomiable solidaridad actoral.
Sevilla, año 1992, La Expo es un escaparate al mundo. España ya es Europa, moderna y ha iniciado un camino que la llevará a que no la conozca ni la madre que la parió (Guerra, dixit), la realidad debajo de la alfombra es otra y como siempre peones de uno y otro lado de la ley se confunden en la caja de los "comidos" para que luzcan las piezas más "nobles".
Cuando acaban de fallarse los Goyas 2011 este Grupo 7 podría quedarse con un buen puñado de ellos, por las buenas o por las malas. La gran virtud de Alberto Rodriguez y del trabajo de sus actores es que nos muestran solo lo suficiente de su mundo para que nosotros, los espectadores imaginemos el resto, que es mucho. Excelente trabajo del injustamente denostado cine español.
Duración: 1 h 55 m
País: Corea del Sur / 2006
Dirección: Bong Joon-ho
Dicen las criticas que Joon-ho es un director interesante (en Corea del Sur "The Host" batió récords de taquilla). Dicen los críticos que "The Host", es graciosa y sorprendente. Supongo que dado el nivel de los géneros de comedia y terror de las últimas décadas, cualquier cosa medianamente bien hecha, puede parecer una genialidad. En fín, en esta cinta hay un monstruo muy logrado gracias a un trabajo impecable de efectos especiales y una cuidada fotografía. ¿Hay algo más? Yo es que debo reírme y asustarme poco a estas alturas de la cincuentena con películas que no me aportan nada nuevo a lo mil veces visto, con un guión bajo mínimos y unos personajes a los que estoy deseando que se los zampe el pobre monstruo que no tiene culpa de nada. Eso sí como es asiática y tirando a serie B, se le puede poner la etiqueta de película de culto (una mas). Las nuevas generaciones van poco al cine y desconocen los referentes de los grandes clásicos de la edad de oro. Es lógico por tanto que quien no ha degustado a Billy Wilder se entusiasme con Judd Apatow .
Duración: 1 h 10 m
País: USA / 1919
Dirección: D.W. Griffith
Una vez más recordar que la puntuación de una película que cumple 86 años es algo más que relativo. Intento que sea un reflejó entre lo que fue en su momento y la sensación que nos provoca hoy día. En cualquier caso "Lirios rotos", también conocida como "La culpa ajena", es un bello poema trágico donde Griffith consigue sintetizar muchos de sus logros técnicos, sin los excesos de sus obras anteriores más conocidas. Una ejemplar dirección artística y un gran trabajo de fotografía enmarcan este cuento corto entresacado de la novela de Thomas Burke, "Limehouse", barrio londinense donde la miseria local convive con una fuerte inmigración asiática. Rodada prácticamente en interiores en tan solo 18 días consigue reflejar por contraste las contradiciones del ser humano capaz de lo mejor y lo peor. Las secuencias alternadas entre la delicadeza con que el inmigrante chino cuida a la joven y la pelea de boxeo son reveladoras de una sociedad envuelta en la primera guerra mundial cuyos millones de muertos no fueron capaces de hacernos corregir el rumbo. Griffith consigue tensión, drama, critica social y poesía. Las actuaciones muy alabadas en su día de sus protagonistas (prefiero la de los actores de Sjöstrom), hoy nos pueden parecer excesivamente teatrales.
Griffith seguirá siendo recordado por sus grandes producciones que nos ocultan la autentica joya que es "Lirios rotos".
BOARDWALK EMPIRE (Serie Tv. 1ª y 2ª Temporada)
Duración: 24 episodios de 55 m.
País: USA / 2010-11
Creador: Terence Winter / HBO
Probablemente solo HBO, dado el éxito y calidad de sus series, podía apostar tan fuerte con una producción multimillonaria para una serie de televisión, Scorsese incluido, como director del primer episodio y supervisor general. La pasta se nota y la recreación artística de la Atlantic City de principios de siglo y sus gentes es apabullante y a dado sus frutos con nominaciones y premios. Tan apabullante que deja en segundo termino, aunque este también sea elevado, a unos guiones donde Terence Winter no consigue superar el listón que él mismo puso con Los Soprano. La abundante galería de personajes impecablemente interpretado por el elenco de actores y actrices hace bueno el refrán aquel de que "quien mucho abarca, poco aprieta". Puede que sea por atenerse a la novela de Nelson Johnson, pero uno acaba con una cierta insatisfacción de que el gran potencial de cada uno de los personajes que confluyen en la historia daba para mas que los tejemanejes corruptos consabidos y la violencia espectacular dosificada sabiamente cada x episodios.
Dicho esto y en espera de la tercera temporada donde puede que el foco se centre en menos personajes dada la situación en que ha quedado la trama, Boardwalk merece estar en lo más alto de lo que debe ser la ficción dramática de la televisión del siglo XXI.
INTOCABLE
Duración: 1 h 49 m
País: Francia / 2011
Dirección: Olivier Nacache / Eric Toledano
Basta un pequeño repaso a la historia del cine para constatar que éxito en taquilla no es necesariamente sinónimo de una gran película. Intocable a pesar del buen hacer de sus protagonistas y secundarios está trazada con tiralíneas y es tan falsa como solo puede serlo aquellas que se basan en hechos reales. La cosa daba para mucho más y cuando uno se pone serio los chistes hacen más gracia. Aquí todo es buen rollito y situaciones políticamente incorrectas metidas con calzador para que el público como dios manda se escandalice al tiempo que se hecha unas risas y piense que la vida puede ser del color que queramos en cuanto que nos pongamos unas gafas de marca en 3D. A parte de buenos actores, que guapos y atractivos son Sy y Cluzet. Hubiera sido interesante ver la reacción del público con los caretos, más trabajados por la vida de los auténticos protagonistas que salen al final. Vayan a verla, pasaran un buen rato. Si pueden compárenla con Conversaciones con mi jardinero en la que también está Cluzet y notaran la diferencia entre lo autentico y lo sucedáneo. Y si nos vamos a mayores Goodby solo. La publicidad la compara con Paseando a Miss Daisy y El discurso del rey. A mi personalmente en su esencia me recuerda más a Pretty Woman, otro gran éxito de taquilla.
MISFITS (Serie Tv.)
Duración: 6 episodios de 45 m
País: Reino Unido / 2009
Creador: Howard Overman / E4
Sorprendente, atrevida, irreverente... ¿Pueden estos cinco "inadaptados sociales", condenados a trabajos para la comunidad, representar a los adolescentes del siglo XXI ? Probablemente si. Overman consigue un increíble equilibrio inestable entre la comedia disparatada con cargas de humor negro, el drama, la ciencia ficción, y la critica social. Y además sabe dosificarlo con temporadas de pocos episodios (acaban de aprobar la cuarta). El sexo, la rebeldía y la "locura" existencial forman parte biológica ineludible de esta etapa del ser humano y en Misfits no se cortan un pelo, aderezándolo con abundante lenguaje procaz. Los actores y la composición acertada de sus diferentes personajes y sus relaciones son la base de una producción modesta que sabe jugar con unos guiones ágiles y entretenidos. Dirigida a un publico juvenil Misfits tiene suficientes alicientes como para ser degustada por una audiencia más amplia carente de prejuicios.
DOG SOLDIERS
Duración: 1 h 41 m
País: Gran Bretaña / Luxemburgo / 2002
Dirección: Neil Marshall
Dos minutos de cualquiera de las tres películas que se citan como reclamo en el cartel estan a años luz de este pastiche de serie Z del que reconozco solo he podido visionar los primeros 41 m y algunos más sueltos, incluido el final por si la impresión que me dio en el espeluznante (de malo) comienzo pudiera haber cambiado. Por alguna razón que no llego a comprender, Marshall no solo no ha sido condenado al ostracismo cinematográfico durante estos diez años de semejante debut sino que se ha hecho un hueco creando una linea de serie B que da sus frutos económicos y tiene su publico al que respeto pero con el que no comparto los criterios mínimos de calidad que debe tener el cine. De cualquier modo si nuestro nivel de exigencia está por debajo de 0....lo que no mata engorda.
AFTER LIFE
Duración: 2 h
País: Japón / 1998
Dirección: Hirokazu Koreeda
Esta es la cuarta película que veo de Koreeda y no por orden cronológico. "Wandafuru raifu" titulo original de After life, fue su segundo largometraje. Aunque con resultados desiguales en cada una de ellas no hay que ser muy espabilado para darse cuenta de que Koreeda es un genio. Un cineasta apabullante con su oficio que ademas es un poeta capaz de filmar el alma humana, la esencia común con sus luces y sombras de nuestra especie, siempre con el gusto agridulce, refinado hasta en su crueldad, respetuoso y exquisito de la filosofía oriental. Me gusta más hasta la fecha cuando rueda con guiones más apegados a la realidad que cuando fantasea como en "Air Doll" o en esta que nos ocupa donde unos "funcionarios celestes" se encargan de que elijamos después de muertos ese recuerdo de nuestra vida que nos acompañará en la eternidad olvidando todo lo demás. Parece que fue el Alzheimer de un familiar el que le inspiró. Con mucha influencia de su experiencia como documentalista, consigue implicarnos en una reflexión sobre el sentido de la vida aprovechando la espontaneidad de muchos de los entrevistados no profesionales no sujetos a guión y supliendo con sus dotes narrativas con la cámara y su manejo de los tiempos un presupuesto escaso, en el que incluso se permite rendir un homenaje al cine como notario idealizado de nuestras vidas.
Cuando uno acude a una cita con una obra de Koreeda sabe que va a encontrarse con uno mismo, a degustar un plato exquisito lleno de olores y sabores agradables o no pero inolvidables, y hay que dejar las palomitas para otros momentos.
TROPA DE ÉLITE
Duración: 1 h 54 m
País: Brasil / 2007
Dirección: José Padiha
Se estrenó en el cine de ficción José Padiha con una cinta vigorosa que bebe en gran medida de su experiencia como documentalista y que no solo causó sensación y polémica en su país sino que se llevo el oso de oro en el Festival de Berlín.
El sistema social universal con el que vamos subsistiendo es tan brutal en sus desigualdades y corrupto en su esencia que genera monstruos a los que solo sabemos combatir creando otros monstruos en una concepción simplista y maniquea de buenos y malos que solo beneficia a los que se encuentran en lo alto de la pirámide de dicho sistema. Los auténticos culpables de la degradación, embrutecimiento y cómoda pasividad con que estos monstruos se comportan no aparecen delante de la cámara, como en la realidad y permanecen escondidos observando como caen las piezas una y otra vez de un juego en el que siempre ganan. Fuera de esta visión general, la cinta de Padiha no nos ofrece un segundo de respiro en una realización esplendida, golpeando nuestra atención sin detenerse en juicios morales y abriendo puertas a la discusión e interpretación para que sea el espectador quien se defina en uno u otro sentido sobre lo que nos está narrando. El riesgo de fomentar actitudes simplistas de corte fascista es un elemento más en esta valoración. Las gafas que regalan al niño que tiene problemas de visión, como metáfora, quizás hagan más por mejorar la vida de las partes que no la represión y la violencia que solo produce más represión y más violencia.
CINCO METROS CUADRADOS
Duración: 1 h 30 m
País: España / 2011
Dirección: Max Lencke
Parece que Lencke esta abonado a recibir premios en el festival de Málaga. Ya lo consiguió con otra obra, a mi juicio, mucho más redonda, Casual Day, donde Malena Alterio aprovechaba, como en esta el escaso juego que le dan para seguir demostrando lo buena actriz que es. Me encanta también Tejero, aunque su vis cómica juega en su contra en un personaje dramático que se ve obligado por el guión (no todo el mundo puede ser Azcona) a estar en misa y repicando. Tosar quizás hubiera encajado mejor. En cualquier caso la cosa se queda a mitad de cuarto de un patetismo tragicómico potenciado por una dirección simplona, (menos helicópteros y más imaginación) poco ágil, rodada sin gracia y con un montaje racano, casi de escuela. Demasiados lastres, para una película del siglo XXI que tiene sus virtudes en la solidez de sus actores y en el atroz reflejo de la realidad que plantea. Me ilusiona pensar que hubieran hecho Vittorio de Sica o Billy Wilder con semejante material. Es lo que hay.
Duración: 2 Temporadas con 8 episodios cada una de 51 m
País: Reino Unido / BBC / 2006-07
Creador: Mathew Graham
Acabo de descubrir esta notable y entretenida serie con la consabida calidad de la BBC cuyos 16 capítulos conjugan los clásicos casos policiales "de siempre" con un componente de ciencia ficción, que no solo te engancha sino que ofrece muchas posibilidades tanto dramáticas como cómicas a cada uno de los episodios.
Un inspector jefe de la policía de Manchester, debido a un accidente entra en coma, despertándose 33 años atrás, en 1973, incorporándose a un división cuyos métodos distan mucho de ser un ejemplo de profesionalidad. Independientemente de la solidez de los guiones y la acertada composición de personajes de sus protagonistas, el humor negro y la critica social son constantes, poniendo al descubierto lo poco o mucho que hemos avanzado en poco más de tres décadas. El personaje protagonista, Sam Tayler, se siente como en la canción de Bowie viviendo en Marte, aunque poco a poco descubrirá que allí también hay una vida que merece la pena ser vivida. Los personajes se hacen entrañables y junto con la música de los 70 se apoderan de nuestro salón. Su ajustada duración de solo dos temporadas es ideal para convertirla en un grato recuerdo. A pesar de que no se creía mucho en ella en un principio y tuvo que aguardar su momento al final fue premiada con Emmys y Baftas y tuvo un remake americano de escaso éxito. Si en algún momento pierden la conciencia y ven pasar un Ford Granada de color cobre a toda leche, puede que sea el inspector jefe Gene Hunt que va a resolver un caso. Más vale que se aparten de su camino.
ARRUGAS
Duración: 1 h 20 m
País: España / 2011
Dirección: Ignacio Ferreras
Las novelas gráficas, o cómics adultos o tebeos de tapa dura estan siendo fuente sustancial de la industria cinematografica. Por fín se les reconoce su calidad y sus infinitas posibilidades. Ahora que estan de moda los superhéroes, Arrugas también nos habla de otros, los auténticos superhéroes que combaten hasta el último aliento con los poderes que les ha dado toda una vida contra los indestructibles villanos, de la ingratitud, el olvido y una monstruosa maquinaria social que los encierra y abandona en ghettos carisimos, en corrales convertidos en pingües negocios donde poder comer, dormir y cagar es lo más excitante que puede pasar. Cualquiera que haya tenido o querido utilizarlos sabe de lo que hablo (criterios de dirección deshumanizados, falta de personal bien pagado y cualificado, y nulas o ridículas actividades que puedan estimular el día a día). Por otro lado siempre encontraremos un puñado de empleados explotados cuya calidad humana supera con creces las dificultades de su trabajo. Este es el final más digno que hemos sido capaces de dotarnos en nuestros sistemas sociales más avanzados y democráticos.
Paco Roca, autor original y Ignacio Ferreras nos hablan con un tacto exquisito de todo ello con unos personajes entrañables de animación "sencilla" que nos hacen reír e inevitablemente llorar cuando tomamos consciencia de que sus rostros son el retrato robot de cada uno de nosotros.
Ojalá que nuestra mente, única compañera real, sea capaz de imaginarnos un mundo fantástico y maravilloso donde poder escaparnos de un cuerpo con fecha de caducidad.
SHERLOCK (2ª Temporada)
Duración: 3 episodios de 1 h 30 m
País: Reino Unido /BBC
Creador: Steven Moffat
Después del sorprendente éxito de trasladar al inmortal detective al siglo XXI, con audacia, buen hacer del dúo protagonista y siempre con la garantía de producción de la BBC, esperábamos con ansiedad la segunda temporada cuyo resultado aún siendo notable empiezan a aflorarle, para mi gusto, algunos peros. No critico ni comparo con la obra y los personajes originales en los cuales se basa y es importante subrayar esto último: se basa. Son propuestas lógicamente diferentes y a mi juicio complementarias.
El primer episodio de esta segunda etapa me pareció magnifico y la versión y adaptación del personaje de Irene Adler no puede ser más perfecto y encajar como anillo al dedo con este Sherlock, al que sus guionistas empiezan a hacerle más hermético y repelente de lo que debieran. El segundo, basado en el mítico y popular "Perro de los Baskerville" me defraudo enormemente y me pareció muy simplona la adaptación del famoso relato. Y al final remataron la temporada con un episodio muy interesante, rayando en lo farragoso y complicado con un Sherlock más frió e insensible que nunca (acabaran por volverlo antipático como sigan así) con un final inverosímil y forzado que queda arropado a espensas de un continuará, donde desenredar lo enredado.
En cualquier caso es tan grande la fuerza del personaje de Doyle y tan atractiva la propuesta de la BBC, que no queda menos que suspirar por la tercera temporada.
Duración: 1 h 37 m
País: España / Portugal / 2011
Dirección: Susana Guardiola / Françoise Polo
Voces...., básicamente es aburrido. Ello no significa que lo que cuenta no sea actual ni interesante, que lo es y mucho. Pero la narrativa es plomiza y no llegamos a empatizar con ninguna de las narradoras que ilustran la lucha pasada y actual por la igualdad de los derechos de la mujer en África y por ende del resto del mundo. Los documentos gráficos sobre la revolución mozambiqueña y la vida de Josina Machel, una de sus heroínas pasan por el metraje de forma deslavazada y con un run-run hagiografico que nos distancia más que nos une a esta mujer de la que esperamos conocer algo más que media docena de hechos cronológicos. La cámara se mueve con pereza encuadrando edificios, paseos y rincones que no pasan de dejar constancia que allí ocurrió algo, pero actualmente estan mucho más frío y olvidado que lo que nos quieren transmitir aquellos que lo vivieron, como esos celuloides que se van amontonando en el instituto de cinematografía ante un montador que trata, quizá en vano, de salvaguardar la memoria histórica de una lucha que esta lejos de haber terminado.
TRALAS LUCES
Duración: 1 h 52 m
País: España / 2011
Dirección: Sandra Sanchez
Sandra Sanchez se suma a la excelente tanda de mujeres que estan encontrando en el documental su forma de expresarse cinematograficamente con resultados dispares como Mercedes Álvarez (Mercado de futuros) o Susana Guardiola (Voces desde Mozambique), quizás representadas por Coixet con su Goya por otro documental. En cualquier caso este Tralas luces totalmente recomendable es un recital de vida, en el que llegamos a formar parte de la cámara como testigos, a veces incómodos espías, de una familia de feriantes, de rostros esculpidos por la dura vida itinerante y donde la joven matriarca se sincera en sus frustraciones y anhelos. Todo ello con una fotografía excelente de mirada bella e inteligente. Es cierto que pasado el ecuador la narración se estanca y empieza a repetirse sobrandole algunos minutos de metraje y que el subrayado dramático musical esta rozando el limite, también por repetición. No obstante esta familia y las gentes que la acompañan acaban por engancharse a nuestros propios sentimientos y sera dificil y ademas no nos apetece desprendernos de ellos. Seguro que en cada feria de este país buscaremos sus rostros.
EL MUNDO ES GRANDE Y LA FELICIDAD ESTA A LA VUELTA DE LA ESQUINA
Duración: 1 h 45 m
País: Bulgaria / Alemania / Eslovenia / Hungría / 2008
Dirección: Stephan Komandarev
Con el retraso habitual nos llega esta bienintencionada y entrañable coproducción que navega en varias aguas y mal que bien consigue salir a flote, sobre todo gracias al gran Miki Manojlovic, al que pudimos verle en la más reciente Cirkus Columbia, que logra enderezar la deriva de una dirección algo errante.
Ante la perdida de memoria debido a un accidente de un joven, su abuelo ve en ello una oportunidad para ayudarle a recordar y de paso a reorientar su vida. Película optimista que aboga por seguir siempre mirando adelante en espera de esa felicidad que redima todas las penas. O al menos intentarlo. Komandarev intenta crear un paralelismo entre la vida de este joven y la de Bulgaria, sometida durante muchos años al yugo soviético, pero el ritmo irregular, la abundancia de flash-back y la escasa credibilidad de algunas escenas hacen que, como en el juego del Backgammon, omnipresente en la cinta, el espectador quede a veces bloqueado y pierda el interés. Podría ser la cara amable de Honeymoons (Goran Palskaljevic.2009) con la cual desde luego se complementa.
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| PACO VALLADARES (1935-2012) |
LOS IDUS DE MARZO
Duración: 1 h 41 m
País: USA / 2011
Dirección: George Clooney
Si queremos buscarle las cosquillas a estos idus, seguro que se las encontramos, pero cuando uno califica con un 10, lógicamente añade un componente subjetivo de las emociones que como espectador único e irrepetible le transmite la cinta.
Cine clásico, adaptación de una obra teatral, dirigida con maestría y sobriedad narrativa que mantiene la tensión durante todo el ajustado metraje con una aroma de thriller, que no oculta el descarnado retrato de la hipocresía ética, social y moral con que nos dirigen aquello a los que votamos. Asistimos al derrumbe de un idealista que es capaz de sobrevivir aún a costa de sacrificarse a si mismo convirtiéndose en una pieza más del engranaje impersonal y sin nombre que mueve el mundo. Clooney se apoya en un reparto estratosferico donde Hoffman y Giamatti dan un recital, Gosling sube un peldaño más en sus excelentes trabajos y La Tomei una vez más se pone a la altura con unos secundarios que no se merece. El propio Clooney lo borda en uno de sus mejores trabajos dramáticos. El resto no desmerecen en sus roles, junto con una fotografía y banda sonora estupendas. Hasta el cartel esta por encima de la media. Los augurios favorables que según el calendario romano eran el tiempo de los idus, no han tenido reflejo en estos Oscars retro, pero no por ello hay que negarle a Clooney lo que es de Clooney.
TIRAD SOBRE EL PIANISTA
Duración: 1 h 18 m
País: Francia / 1960
Dirección: Francois Truffaut
Después del gran éxito de Los 400 golpes, Truffaut pensó que todo el monte era orégano y realizó esta stravaganzza con el único fin de dar rienda suelta a su libertad creativa, pasárselo bien y experimentar rompiendo todas las "reglas" narrativas que le viniesen en gana. Lógicamente el resultado fue un fracaso de taquilla que le hizo ser más prudente en el futuro, pero que sirvió para desatascar y abrir puertas a futuros directores que se inspiraron en esta sátira/homenaje sui generis sobre el cine negro americano, tomando como base una novela vulgar del genero. Hoy día ha quedado como testimonio de las ideas de la Nouvelle vague con escenas interesantes salpicadas de humor y melodrama. Aznavour, que también sabía actuar y todo el elenco entran en el juego y juegan al juego del cine inventando sus propias reglas.
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| PEPE RUBIO (1932-2012) |
Cuando uno rondaba los veinte y aspiraba a meterse en la piel de Hamlet, este guapito que triunfaba con una obra de Alfonso Paso, Enseñar a un sinvergüenza, me parecía un ídem, que estaba en las tablas por su cara bonita llevándoselo crudo con una obra de tercera. Ahora que ya peino canas en esto de las candilejas me emociono con el adiós de otro actor que dedicó su vida a un maravilloso e ingrato oficio y que tuvo la suerte de poder comer de ello gracias al éxito siempre esquivo e incomprensible que te acompaña cuando menos te lo esperas y te abandona sin ningún remordimiento. Pepe Rubio a quien no tuve el gusto de conocer se lo curró y mereció cada uno de los aplausos entregados que durante 17 años le regaló la obra de Paso. Mucho cine, mucha televisión y un rostro popular que algunos pudieron ver en el Teatro Español o en el Lope de Vega en obras inmortales, que si bien no le dieron fama, seguro que alimentaron su espíritu. Eternamente joven, cuando la vida le obligó a bajarse del escenario, todos los que nos dedicamos a esto sabemos que falta poco para la bajada del telón definitivo. !Vivir del teatro! pero bueno Pepe, menudo sinvergüenza estas hecho. Mi admiración y mis respetos actor.
LUCES ROJAS
Duración: 2 h
País: España / USA / 2012
Dirección: Rodrigo Cortés
Pues sí, la verdad es que hay vida después de "Buried", aunque esta se tambalee y no dure más allá de una primera hora esplendida donde Cortes demuestra que como director funciona mejor que como guionista a mayor gloria de una Sigourney Weaver que demuestra que sabe llevar las riendas apoyada por una atmósfera de tensión y misterio que como en las montañas rusa nos va subiendo a lo mas alto y cuya caída presumimos terrible y excitante. Pues no. Weaver desaparece y a Cortes se le funden los plomos. Por mucho que se esfuerza con su buen hacer Cilliam Murphy la cosa va dando bandazos de un lado para otro, dejando cabos sueltos y rellenando metraje con escenas cuyo aporte a la trama hacen tambalear la coherencia de la misma, cuando no, sobran directamente (la pelea en los lavabos). De Niro hace acto de (gran) presencia y poco más. Y todo el entramado se desteje de forma banal abocado a un final sorprendente y confuso a partes iguales. Cortes consiguió un crédito del 100 por cien y aquí ha perdido la mitad. Confiamos en que con lo que le queda pueda seguir demostrando que tiene mucho que contar. Suerte.
EL MAQUINISTA DE LA GENERAL
Duración: 1 h 14 m
País: USA / 1926
Dirección: Buster Keaton y Clyde Bruckman
La vi por primera vez hace 33 años y me sorprendió que una película muda del 26 fuera tan actual y tan gozosa, claro que en aquellos años de apertura al mundo después de la dictadura y con la fuerza de la juventud estábamos mas receptivos a casi todo. Ahora, ya en la madurez, he vuelto a ella gracias a esta revisión de los primeros años del celuloide que nos ha motivado The Artist y con mucho más cine sobre mis espaldas The General sigue perfectamente engrasada y caminando incansable como inmortal que es. Vamos, una maravilla. Keaton tuvo unos años tocado por la genialidad y nos regaló media docena de obras maestras en los años 20 del pasado siglo. Ciclicamente La General pasa por las estaciones de nuestra vida y es un tren que no podemos permitirnos el lujo de perder. Como diria Groucho, ya en el sonoro, Keaton podría haber exclamado: "más madera, es la guerra". Comedia, acción, aventura, ironía, historia y un dominio del medio como actor y director como pocos hicieron que a Keaton y su mundo le sobraran las palabras.
Duración: 1 h 34 m
País: USA / 2010
Dirección: Adam Green
Bajo la apariencia inicial de un telefilm de sobremesa Adam Green y sus tres actores protagonistas van consiguiendo (independientemente de los detalles de credibilidad más que dudosa) un creschendo narrativo y emocional donde el terror y el horror acaban estando por encima de la media de muchas otra cintas del genero. Mas merito si se cuenta con un planteamiento minimalista de espacio y tiempo. La cámara se mueve con claridad y elegancia al servicio de una historia de supervivencia que te coge por donde más duele y que consigue que el espectador prácticamente interactue con la cinta criticando decisiones, fallos (que los hay) y poniéndose en el lugar de los actores para plantearse sus propias decisiones y disfrutar de la catarsis de que sean otros los que las pasen canutas. Al salir del cine para bien o para mal se sigue comentando y eso siempre es bueno.
VIVIR DE LA LUZ
Duración: 1 h 42 m
País: Austria / 2010
Dirección: P.A. Straubinger
Documental al uso sin ningún tipo de ambiciones creativas, donde el tema tratado y su singularidad es el que soporta todo el entramado. Partiendo de el hecho de que una serie de personas declara no necesitar comer ni beber para obtener energía, Straubinger se limita a escuchar sus experiencias, apuntar riesgos y opiniones científicas y dar a conocer al gran público filosofías orientales en las que el ayuno es una constante básica. Vivimos en una época donde gracias a la explosión científica del siglo XX estamos mucho más predispuestos a creer que lo que ahora es imposible, mañana puede que no lo sea. Este pensamiento "positivo" genera mayor oportunidad de descubrir lo mucho que nos queda por descubrir y nos ofrece una alternativa a algo mejor o diferente en sociedades cada día más deshumanizadas donde la religión carece de credibilidad. Lo que esta claro es que el campo de la alimentación es otro de los aspectos, uno más, en los que el ser humano y las sociedades que ha construido ha fracasado.
CHRONICLE
Duración: 1 h 23 m
País: USA / 2012
Dirección: Josh Trank
En cuanto a su realización el paralelismo con "Monstruoso" (Matt Reeves.2008) es evidente. A mi personalmente lo del hiperrealismo cámara en mano me cansa bastante pero Trank lo lleva con eficacia y el estupendo guión de Max Landis (un recuerdo para su padre) hace que estemos pendientes de la pantalla todo el metraje. Mezcla de géneros, adolescentes, superheroes, comedia y drama consigue posarse en cada uno de ellos lo justo y suficiente para no molestar a nadie y entretener a todos. Buenos efectos especiales en una cinta de bajo presupuesto cuya parte final flojea apostando por la acción y privándonos del personaje más interesante cuya evolución merecería una secuela. Acertadas interpretaciones en un conjunto fresco, divertido y muy sugerente que pone imaginación en tiempos de crisis. Ya lo dijo el tío Ben: "todo poder conlleva una gran responsabilidad".
LA CUESTIÓN HUMANA
Duración: 2 h 14 m
País: Francia / 2007
Dirección: Nicolas Klotz
Esta claro que a Klotz le interesa la música (realizó diversos documentales sobre músicos de diferentes estilos), aquí nos regala una actuación completa del cantaor Poveda que puede sea lo mejor de esta cinta básicamente muy aburrida, donde se establece un paralelismo entre los métodos de las grandes empresas multinacionales y el genocidio nazi, en el sentido de tratar a las personas como material susceptible de ser desechado en cuanto que no interese. Los encargados de realizar dicha labor serían los departamentos de recursos humanos. Aprovecha Klotz para filosofar sobre los eufemismos del lenguaje humano, utilizados por la clase dirigente, que desvirtúan la realidad de los hechos. Vamos, que al pan lo llaman, "alimento nutricional básico" y al vino "destilado de la uva", con el premeditado objetivo de encubrir lo peor de sus despiadadas acciones sociales.
Tan interesante presupuesto lo vamos "descubriendo" a través de la mirada de uno de estos directores de recursos humanos y como esto le afecta en su desordenada vida privada.
Klotz hace todo lo posible porque desconectemos lo antes posible con una propuesta antipática, lenta y de una frialdad estética extrema. Mathieu Amalric aguanta como puede y siempre es grato ver las interpretaciones de Michael Lonsdale.
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| QUIQUE CAMOIRAS (1928-2012)
Ayer cumplió 84 años y hoy nos ha dicho hasta siempre uno de esos cómicos a los que se da en llamar de raza. Esos que patearon todos los teatros de una España, mala, buena y regular, ganándose el pan con mucha vocación, talento y sudor de su profesión de actor, que para más inri tuvo que compaginar con su faceta de funcionario del insalud (que buen argumento para una de sus comedias). Payaso musical, bailarín, y sobre todo cómico de comedias de esas que nos hacen reír a todos, sin más pretensión que la de evadirnos de nuestra rutina diaria y que no pasaran a la historia más alla del tiempo efímero que por el precio de una butaca nos hicieron disfrutar. A los 79 decidió dejar de pisar esas tablas que las suelas de sus zapatos tenían ya muy desgastadas. Mucho cine y mucha televisión y mucho trabajo para uno de esos actores singulares, irrepetibles que se ganaron a pulso el que su nombre, independientemente de que nos gustase o no el genero que dominaba, se conozca y se diga con el gran respeto que se merece. Chao QUIQUE.
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MI SEMANA CON MARILYN
Duración: 1 h 41 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Simon Curtis
Ante todo un ejercicio de osadía. Tanto por parte de su director que se estrena en el largo proveniente del mundo de la tv y que se la ha jugado con un elenco de impresión y un mito de los considerados intocables. Osadía también por parte de Michelle Williams a quien un personaje como este podía consagrarla o frenar su exitosa carrera. Ambos han salido más que vivos del intento. Cualquier acercamiento al icono hará que se viertan opiniones encontradas y extremas sobre el sacrilegio y el acierto conque se retrata a Marilyn. No debemos olvidar que no es un biopic al uso sino la adaptación de una novela basada en su experiencia real de un momento determinado de la vida de su autor, Colin Clark, en la que se cruzó profesional y sentimentalmente con la estrella. Desde su propia visión y en apenas una semana se esboza el carácter inseguro, caprichoso, voluble y falto de estabilidad emocional que arrastraba entre pastillas una Marilyn rodeada de aduladores, incapaz de distinguir con claridad quien era Norma Jean y quien Marilyn Monroe. El complejo interior de Norma Monroe probablemente siempre quedará oculto por el brillo de su estrella y no es en este apunte cinematografia donde se profundize en ello.
Después del "shock" inicial en los primeros minutos de tener que superar el contraste visual entre el magnetismo irrepetible que irradiaban Olivier y Marilyn con Branagh y Williams estos últimos se van afianzando en sus magníficas interpretaciones, calmando nuestra ansiedad y nos permiten disfrutar de su trabajo.Cine dentro del cine, donde asistimos de forma bastante light al infierno que debió ser el rodaje de "El príncipe y la corista", y a la gran mentira del cine con relación al teatro de donde provenía y adonde volvió Olivier (al igual que Branagh, Dench o Jacobi). En el primero el espectador solo disfruta de la toma elegida, probablemente después de un buen puñado de intentos. Bien sabida es la proverbial falta de aprendizaje de los textos de Marilyn y sus retrasos que llevó al borde de la locura a directores y productores. La relación de amor incondicional que Marilyn tenía y tiene con la cámara es un don que solo pertenece a los elegidos y que no se aprende en las escuelas de método. Desde Enma Watson que comienza sus pinitos adultos,
pasando por Julia Ormond, hasta el propio Eddie Redmayne todos estan estupendos. Deliciosa la banda sonora y correcta la dirección de Curtis a quien acabos por agradecerle su osadía.
EL INVITADO
Duración: 1 h 55 m
País: USA / 2012
Dirección: Daniel Espinosa
El director chileno-sueco se ganó el pase a Hollywood en el 2010 con "Easy money", en la que ya apuntaba maneras. Aquí repite la formula con mayor presupuesto, mejores actores y aunque convencional, también mejor guión. La apuesta le ha salido bien gracias al estupendo trabajo de Washington y Reynolds, apoyados por el resto del elenco con eficacia y una dirección a la que no le ha temblado el pulso, con un montaje notable y un ritmo incansable. Quizás en este guiso se le ha ido un poco la mano con la sal de la acción, que desnivela la balanza e impide un mayor calado psicológico de unos personajes que merecían algo más. Es una lastima que Washington no se prodigue en otro tipo de papeles. Estos los domina con una suficiencia apabullante y Reynolds se esta convirtiendo en un todo terreno (comedia, superheroes, thrillers....) merecedor de guiones con más "chicha". Si uno sabe lo que va a ver, "Safe House", se gana su precio en taquilla.
LAS RAZONES DEL CORAZÓN
Puntuación: 8
Duración: 2 h
País: México / 2011
Dirección: Arturo Ripstein
Brutal y desolador drama existencial, trasunto de la Madame Bovary de Flaubert. Ripstein rueda con maestría en un ambiente teatral donde cada una de las piezas cumple a la perfección su rol en un guión notable que pincha un poco en los minutos finales cayendo en un melodrama donde afloran algunas frases algo pretenciosas. Película de actores con una excelente fotografía. La desesperación de esta mujer (gran interpretación de Arcelia Ramirez) que no es capaz de encontrar una salida a la frustración de saber que sus elecciones vitales han sido equivocadas le hace caer en una depresión sin retorno donde la pasión y los instintos primarios crean más frustración. La vida es corta y nuestros sueños pocas veces se cumplen, la aceptación de ello en diversos grados (la portera, la vecina, el marido) marcará la diferencia entre la subsistencia y la locura.
LA REINA KELLY
Duración: 1 h 35 m
País: USA / 1929
Dirección: Erich Von Stroheims
La versión que nos ofrece Kino internacional del 85 es un vano intento de acercarnos a lo que pudo ser este proyecto de Stroheims, cercenado por sus productores entre los que se encontraba papa Kennedy que ponía pasta en el negocio de su amante la propia Swanson. Pero el dolar es el dolar y cuando el magnate intuyó que la innegable consolidación del sonoro haría que "La reina" no diese beneficios cortó el grifo y terminó la carrera de Stroheims como director. Por otro ladio como ya le había sucedido con el avispado Irving Thalberg de la Metro, los productores tenían muy claro que para el negocio eran mejor actores y actrices estrellas que no directores que se considerasen genios, como era el caso, y derrocharan un presupuesto imposible de recuperar en taquilla por aquel entonces. Incluso la poderosa Swanson que en principio había elegido al director, más tarde declaró que se sintió engañada por el derrotero sordido e iconoclasta que iba tomando la trama y como la compañía era suya rodó otro final, lo sonorizó y algo de rentabilidad le sacaría a la distribución que hizo por Sudamérica y Europa ya que, Stroheim pudo vetarla en USA. Todos estos líos marcaron la carrera de Stroheim como director cuyos metrajes, presupuestos y atrevimientos sociales en sus argumentos eran demasiado para los "felices" 20.
Constituida como el prologo del resultado total no aporta gran cosa hoy día, exceptuando el tramo final donde el director se suelta en su particular visión sórdida y a veces grotesca, con una boda funeral en un burdel africano, no tan alejado del mundo frívolo y vacuo de esa Europa de cuento y monarquías despóticas que nos presenta en su primera parte.
Billy Wilder volvió a unir a director (en este caso como actor) y actriz en "Sunset Boulevard", pero eso es otra historia.
ELECTIÓN 2
Duración: 1 h 35 m
País: Hong Kong / 2006
Dirección: Johnnie To
Más de lo mismo. To repite la formula de su primera entrega sin apenas aportar nada nuevo. Podríamos decir que es la misma película rodada en dos partes. La Yakuza se enfrenta a una segunda elección en la cual se vuelven a enfrentar intereses contrapuestos que utilizan sus tradiciones como más les conviene. Dura violencia y ritmo ágil para mantener la atención en unos personajes que siguen careciendo de mayor calado psicológico. La policía, ante la imposibilidad de desmantelar las mafias opta por apoyar al candidato que mejor puedan controlar. Del mal el menos.
LA INVENCIÓN DE HUGO
Duración: 2 h 8 m
País: USA / 2012
Dirección: Martin Scorsese
El maestro cambia de registro y apuesta, en el año de los homenajes y la nostalgia por el propio cine, por un cuento entretenido y didáctico para todos los públicos, con una dirección, una vez más, soberbia y un despliegue técnico apabullante que a recibido merecidamente cinco Oscars. Un elenco que resuelve con eficacia sus roles sin grandes alardes en el que quizás la pareja protagonista de niños carece del carisma que hubiera añadido algo más de emoción y menos discurso al resultado final. En cualquier caso una maravilla para degustar, aprender y recordar que hace un siglo el cine abrió la puerta para que los sueños se hicieran realidad.
INFIERNO BLANCO
Duración: 1 h 57 m
País: USA / 2012
Dirección: Joe Carnahan
Una vez más Carnahan nos ofrece una cinta eficiente al igual que su anterior "El equipo A". En este caso con menor presupuesto que se nota en ciertos momentos digitales. Basada en un relato corto, Ghost Walker, de Ian Mckenzie que también coguioniza. Dice el refrán que quien mucho abarca poco aprieta y Carnahan ambiciona mucho tocando diferentes palos en lo que a priori es una cinta de aventuras de supervivencia. Las vicisitudes por las que pasan los supervivientes y los propios lobos que los persiguen exigen un dejarse llevar por lo emocionante de la propuesta y no ser muy riguroso con ciertos aspectos algo increíbles. El retrato humano de los personajes y sus reacciones ante situaciones limites no va mas allá de algunas pinceladas sugerentes, los flashbacks estan en el limite del tedio y afloran momentos de terror y filosóficos interesantes, sobre todo si ponemos de nuestra parte pensando que los lobos son la metáfora de nuestros propios miedos existenciales, que el viaje es duro largo y aunque vayamos acompañados al final siempre estaremos solos en ese día en que viviremos y moriremos. En conjunto, apoyado por el entorno natural y una buena fotografía, la cosa se sostiene e incluso se eleva gracias a Neeson que como en la trama se hecha a la espalda toda la responsabilidad demostrando que es un gran actor.
ELECTIÓN
Duración: 1 h 41 m
País: Hong Kong / 2005
Dirección: Johnnie To
Descubro con retraso a este afamado director en Hong Kong por algunos comentarios como que esta es la mejor película del año (2005) dicho por mi admirado Tarantino o que se puede comparar a las sagas del Padrino o a la dirección de Scorsese. Ya quisiera. De todos es sabido el amor que Tarantino siente por la violencia de pelis de series B y Z, y las otras comparaciones ofenden bastante. En cualquier caso interesante propuesta sobre las mafias de la Yakuza con sus rituales ancestrales y la lucha de poder por dos de ellos por heredar un mandato temporal que se soluciona con un par de escenas de cruda violencia mas o menos inesperada y poco mas. Tiene una segunda parte donde sería de agradecer un poco mas de volumen psicológico de los personajes. Veremos.
EL TOPO
Duración: 2 h 7 m
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Tomas Alfredson
Alfredson me dejo pasmado con la excelente "Déjame entrar". Lo ha vuelto a conseguir. En sentido contrario por supuesto. Cuando uno tiene el valor suficiente para abordar un rompecabezas tan complejo como la novela de Le Carre (por mucho que el propio autor te haya dado carta blanca), no puedes unir las piezas como te venga en gana, forzando su encaje y desfigurando el conjunto. Por muy compleja que sea la trama, que los es, ¿nos toma por tontos Alfredson y sus guionistas?. Lo bueno, sustancialmente, de las novelas de espionaje es que la madeja se va desenredando y nos exige estar atentos a todos los nudos que se van deshaciendo y más en esta que como tosas ya te has perdido en un laberinto. No le perdono a Alfredson y cia, que me escamotee el desenredo de cada uno de los nudos o incluso los mismos nudos. Uno estaba animado ante el crédito ganado por el director en su trabajo anterior, la novela por supuesto y sobre todo un reparto que quita el hipo. Parafraseando a Churchil, que algo sabía de espías, "nunca tantos (buenos actores) se desaprovecharon con tan poco". La dirección artística y la mágnifica BSO de Iglesias consigue recrear la atmósfera de la guerra fría en los 70 y quizás ayude y mucho a la desolación de las almas de estos "funcionarios grises" cuya simple y a la vez enrevesada psicología digna de un tomo de 500 páginas no se soluciona con un ritmo cansino y caras de poker. Se da la paradoja que parece que Alfredson deja de lado la trama para centrarse en estos hombres pero no tiene tiempo para pararse en ellos porque los minutos se los come la trama sin que al final nos quedemos satisfechos con ninguno de los dos. Por no hablar de la verosimilitud.... no me puedo creer que cuando el boss del espionaje britanico desaparece del juego su domicilio no sea inmediatamente "limpiado". Smiley contacta con el agente supuestamente desaparecido por arte de Houdini. Los minutos dedicados a la entrevista con el agente de guardia son ¿para?. ¿Los sistemas de control y seguridad en los archivos de la central de inteligencia eran tan cutres?. Smiley descubre el nudo gordiano gracias a....(si alguien lo descubre que me lo cuente). El contraespionaje es acojonante, los agentes salen y entran de los países y no se entera ni Dios. Una vez atrapado al topo que lleva decadas pasando información confidencial lo "custodian" en una !jaula al aire libre!... en fin parece que Alfredson y sus guionistas han hecho en definitiva lo mismo que el personaje de Control (que grande John Hurt): coger una vieja canción infantil (Calderero, sastre, soldado, espía) y suprimir aquellas palabras que no le convenían a su rima. En última instancia me alegro que me hayan incitado a comprar el libro que es lo que el inteligente Smiley de Le Carre, sabía que ocurriría si dejaba el Control en otras manos.
MERCADO DE FUTUROS
Duración: 1 h 53 m
País: España / 2011
Dirección: Mercedes Álvarez
Una vez más las fronteras entre el cine documental y de ficción se difuminan en obras como esta que nos recuerdan que el cine es arte, aunque sea el séptimo. Cine filosófico, poético, no exento de sátira, belleza, denuncia social y por supuesto humor. Trabajo impecable de Mercedes Álvarez y su equipo que hacen gala de un estilizado dominio del lenguaje cinematográfico, conviertiendonos en observadores de ese hormiguero que ha construido nuestra especie, donde todo es efímero y no somos o no queremos ser conscientes de ello, acumulando planos de futuros tesoros que nos impiden ver y disfrutar el que se encuentra bajo nuestros pies, el único existente: la propia vida. Cada escena nos provoca sensaciones de uno u otro tipo y nos invita a la reflexión ya sea a corto, medio o largo plazo. Impresionante el dialogo de los dos ancianos hablando sobre su propia muerte. Quizá la directora quiso denunciar el boom especulativo inmobiliario y sus causas, que nos han llevado a esta penúltima crisis, pero le ha salido algo mucho más importante. Seguiremos atentos a su trabajo.
Duración: 2 h 26 m
País: USA / 2011
Dirección: Steven Spielberg
Uno ha salido con una extraña sensación después de estas dos horas y media (reconozco que he mirado el reloj en un par de ocasiones) de la última entrega de Steven "Midas" Spielberg. Algo no funciona como debiera en esta épica historia melodramática para todos los públicos que nos pide un acto de fe, que sigamos creyendo que los presupuestos del cine de mediados del siglo pasado pueden seguir funcionando en este XXI. Seria bonito, pero no lo es. Ni siquiera estoy seguro de que esta sea la causa por la que he llorado y me he emocionado mucho menos de lo que esperaba en una historia que lo tiene todo para un servidor que adora a los animales. De entrada, ya en los primeros minutos la música del maestro Williams me sonaba con falsa sordina épica, al igual que me desconcertaba la poca gracia conque se fotografiaban los planos generales de la campiña inglesa, la excesiva y poco creíble luz de las escenas de planos medios y cortos, tan falsa como la cara "brillante y recién lavada de mama Watson y la perfecta barba de papa Mullan, que vivían en una casa impresionante con una acabado exterior e interior de revista de decoración. Si lo aceptamos como homenaje (hay más) al cine de aquellos años geniales (The quiet man....etc) puede que nos desconcierte menos pero aún así..... La primera media hora se sostiene gracias al equilibrio que le proporcionan tres excelentes actores como son Watson, Mullan y Hiddleston, (amén del excelente trabajo del caballo y sus entrenadores). A partir de ahí, el cuento va subiendo y bajando como una montaña rusa sin que lleguemos a identificarnos con ninguno de los propietarios ocasionales de los caballos (magnifica no obstante la composición de personaje secundario de Benedict "Sherlock" Cumberbatch). Puede que sea lo corto de sus intervenciones o el doblaje o el aspecto de "Heidi y su abuelo" de los granjeros franceses......!Dios! ¿porqué todo esto, no tiene tensión?. ¿Porqué la magnificas escenas, que las hay, me parecen tan falsas?.... Al final en su ultima media hora, llegan los reyes magos y nos traen muchos regalos bonitos. Y uno se pregunta ¿era esto lo que había pedido?
INTOLERANCIA
Puntuación: 8
Duración: 3 h 14 m
País: USA / 1916
Dirección: D.W. Griffit
Esta es otra de esas películas que figuran en todas las listas de las 100 mejores de la historia y cuyo visionado es obligado para cualquier amante del cine y su historia. Básicamente supuso un salto de calidad, debido a la gran acumulación de recursos técnicos que utiliza con una gran labor de montaje, y en cantidad ya que gozó de un presupuesto astronómico para la época de casi dos millones de dólares. Si bien fue la ruina para su productora y el comienzo del ocaso de Griffit, consiguió abrir las puertas para que el cine en general fuera tomado como algo más que un mero entretenimiento para las clases "inferiores", se afianzaran los largometrajes en contraposición a los cortos de dos rollos y se aumentaran los presupuestos, 6 años después Douglas Fairbanks que aquí trabaja de extra duplicaría este presupuesto. Tuvo la admiración de critica y público, aunque este no fuera suficiente para compensar costos, e influenció a casi todos los directores, sobre todo a los rusos que la estudiaron con lupa.
Hoy día es cierto que aún sorprende el despliegue espectacular de la parte de la caída de Babilonia y la simultaneidad conque Griffit alterna las cuatro historias, dos de ellas de menor desarrollo y calado, en un ritmo creciente que culmina en la parte contemporánea, germen inicial de la propuesta a la que luego añadió las otras tres.
Planteada como una respuesta por las criticas de racismo que se ganó a pulso "El nacimiento de una nación", Griffit quiso autojustificarse con un planteamiento simplista y maniqueo sobre las consecuencias de la intolerancia a través de los tiempos. Excusa en definitiva para subirse a lo más alto del podio. Al final por unas u otras razones, lo consiguió.
Duración: 2 h 3 m
País: USA / 2008
Dirección: Martin Scorsese
Han pasado 38 años desde que Scorsese rindió tributo al rock con la esplendida "The last waltz", en el que la mítica The Band escenificaba su despedida acompañada de una élite de figuras. Los tiempos han cambiado, y mucho, pero el espíritu del rock sigue inmortal observando a través de las cámaras de uno de sus fans como sus "satánicas majestades", fieles al pacto de eterna juventud pagan su precio y se retratan con la clase política, sus parientes, niños y amigos dando uno de sus penúltimos conciertos para un publico muy "satisfation" con sigo mismo que no parece muy animado a que las piedras sigan rodando y se lleven por delante toda la mierda que nos rodea. Dicho esto uno tiene la sensación que el director y la estrella Jagger no tuvieron buen feeling a la hora de trabajar juntos. Antes de que comience el concierto y justo hasta el primer segundo del mismo, Scorsese, aprovecha su momento con un arranque magistral, a partir de ahí corre como un poseso convirtiéndose en la sombra de Jagger para, ayudado por un complejo despliegue técnico, tranmitirnos toda la fuerza incansable de estos sesentones, de estos dinosaurios que un día dominaron la tierra. Larga vida al Rock and roll.
LA MUJER DE NEGRO
Duración: 1 h 35 m
País: Reino Unido / Canadá / Suecia / 2012
Dirección: James Watkins
Más que notable en su aspecto formal, de hecho la dirección artística y los exteriores se constituyen en el autentico protagonista, se hace insufrible en su fondo. Una historia de fantasmas mil veces vista y cuyo director encuentra una formula acertada que repite hasta decir basta para encadenar una ristra de estéticos "sustos" previsibles que mantengan el desastroso guión de nula verosimilitud. Los tópicos se acumulan en un entorno de personajes deslavazados que dejan todo el asunto en manos de un Radcliffe que sale airoso, de una historia pesada de final folletinesco, demostrando que ya hacia cine antes de Potter y que lo seguirá haciendo después. Lo mejor es la llegada de su personaje al entorno de la mansión con la marea baja, cuando esta sube se lleva por delante hasta la paciencia del espectador.
DR. JEKYLL Y MR. HYDE
Duración: 1 h 35 m
País: USA / 1920
Dirección: John S. Robertson
Se tiende a mitificar y simplificar la importancia de algunas cintas del periodo mudo, por este o aquel dato que las distingue de las demás, por otro lado poco conocidas por el gran publico. En esta asistimos al debut del afamado actor teatral John Barrymore en el mundo del cine, en una política de producción en la que se quiso incorporar a las estrellas del teatro al celuloide para dignificarlo, sobre todo con la adaptación de obras clásicas, históricas o de reconocido prestigio, como la novela de Stevenson de 1885, que ya había pasado por las tablas con éxito y versionada en algunas cintas cortas. Parece que gustó al publico (nunca esto fue sinónimo de calidad) y Barrymore y su sobreactuada actuación teatral le abrió las puertas a un futuro donde supo evolucionar y mantener su calidad actoral. Por otro lado ligó el nombre de Robertson a la adaptación de la novela al cine mudo. Algo tendría el director que dirigió 40 películas, cuando el consagrado Barrymore aceptó ponerse en sus manos. En cualquier caso, incluso con los cánones de la época, la película es bastante floja y aburrida, anclada en presupuestos teatrales, poco fluida, con abundancia de intertitulos explicativos, pasada de maquillaje, y con escasos recursos técnicos que aporten un lenguaje más cinematográfico. Concebida a mayor gloria de Barrymore que acapara todo el metraje. Si a esto le añadimos una insufrible banda sonora totalmente inadecuada añadida a posteriori lógicamente, estamos ante un producto de museo, ejemplo de un cine comercial de transición del teatro al cine, o una curiosidad para los fans de Barrymore.
Duración: 1 h 47 m
País: Suecia / 1921
Dirección: Víctor Sjöström
Una de sus últimas películas suecas, dicen que no la mejor de ellas, alcanzó una gran aceptación internacional que le sirvió para dar el salto al cine Norteamericano, donde no fue capaz de mantener su nivel y acabó regresando a Suecia dedicándose a su faceta actoral hasta el final de sus días. Considera un clásico del cine mudo, tres son los aspectos a resaltar en este melodrama moral al estilo de "Cuento de Navidad" de Dickens, de la premio Nobel Selma Lagerlof, habitual inspiradora no solo de Sjöström sino también de su compatriota Stiller. El primero es la acertada utilización de la técnica del flash-back para conducir la narración y la doble imagen como recurso técnico para los personajes del más allá. Dichos recursos técnicos parece que tuvieron gran acogida entre los profesionales del momento. La cuidada dirección de actores, a los que le concede el tiempo que necesitan para expresar lo que sienten, alejados de exageraciones teatrales, en las que destaca como actor el propio director y por último abrir la puerta a las posibilidades del cine fantástico y de terror, aunque este no lo sea. Una gran fotografía y ambientes muy cuidados terminan por hacer que "La carreta...", aún después de 93 años se siga con interés, por encima de su moralina superficial y sus protagonistas nos arrastren a compartir con ellos sus cruces existenciales.
HUMBERTO D.
Duración: 1 h 24 m
País: Italia / 1952
Dirección: Vittorio de Sica
Después de cuatro años de su "Ladrón de bicicletas", De Sica vuelve a apostar por un cine social con un argumento durisimo ante el que somo incapaces de que no se nos salten las lagrimas. El público de la época, como sucede en la cinta, rechazó comercialmente la propuesta. Como a Don Humberto, las nuevas generaciones, no querían acordarse de los "viejos" problemas y el director buscó más éxitos en el mundo de las comedias. Basado en su propio padre y con un excelente guión de Cesare Zavattini, De Sica denuncia el abandono social, con miseras pensiones, de aquellos que se encuentran en su último tramo vital y parece que estorban más que otra cosa. Don Humberto representado por un actor no profesional profesor de Filosofía, nos dejó para el recuerdo en su única actuación, a un entrañable personaje lleno de dignidad y de amor por la vida, por mucho que le flaqueen las fuerzas. Escenas memorables: el viaje a la perrera, el intento de pedir limosna, junto al tren....quedaran siempre en la memoria. Eso solo esta al alcance de muy pocos. De Sica fue uno de ellos.
NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN
Duración. 2 h 3 m
País: Irán / 2011
Dirección: Asghar Farhadi
Farhadi ya demostró de lo que era capaz con "A propósito de Elly". Aquí se doctora cum laudem con esta pieza magistral como uno de los mejores directores actuales. Su dominio del lenguaje cinematográfico es apabullante, al servicio de un guión magnifico, donde los seres humanos nos vemos reflejados en estas dos familias cuyo momento vital hace que Farhadi nos diseccione como un aplicado entomologo y salgan a la luz las esencias de lo que estamos compuestos. Nuestra educación, nuestro entorno social, nuestras relaciones con aquellos que queremos o decimos querer, nuestras necesidades básicas tanto físicas como morales o éticas.... en fin todo un muestrario de quienes somos y hasta donde estamos dispuestos a llegar, y que gira en torno a una ruptura de una pareja, pasando por el mcguffin del mejor suspense. Todo ello aderezado con interpretaciones estupendas y un ritmo impecable. Salomón parece que lo tuvo claro, la realidad sin embargo demuestra que nadie es inocente si no se demuestra lo contrario.
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| SAHIR FARHADI |
J. EDGARD
Duración: 2 h 17 m
País: USA / 2011
Dirección: Clint Eastwood
Decepción. Con tanto talento reunido, Di Caprio, Watts, Dench y el propio Eastwood a los mandos sobre el "jugoso" personaje de Hoover uno esperaba mucho más. O al menos no esperaba que la palabra tabú, aburrimiento, apareciese ni por asomo. Y aparece, en un guión que no ha sabido encontrar el equilibrio entre la figura histórica y sus "aportaciones" positivas y negativas a un buen trozo del pastel americano del siglo XX y el ser humano lleno de complejos y contradiciones, deseos y miserias con las que, como todos, Hoover cargaba. Eastwood nos informa y nos abre una ventana documental para que echemos un rápido y desangelado vistazo a hechos y fechas y cuando el guión le deja, parece encontrarse más agusto en el entorno intimo del personaje sin que figuras tan relevantes como su madre o su secretaria puedan desarrollarse como se merecen en manos de tan excelentes actrices. Di Caprio sale airoso en una composición donde el trabajo corporal, dado el paso del tiempo, parece robarle energías para un mayor desarrollo psicológico. Al final Eastwood a desclasificado algunos datos sobre Hoover pero el autentico expediente de J. Edgard sigue escondido en algún archivador secreto de la historia.
THE ARTIST
Duración: 1 h 38 m
País: Francia / 2011
Dirección: Michel Hazanavicius
Si uno es capaz, una vez superada la agradable sorpresa de la original propuesta, de conservar la cabeza fría y obviar las emociones nostálgicas que indudablemente en buena parte de los espectadores provoca esta obra, nos quedaremos con una muy aceptable comedia de sencillo y previsible argumento con la que pasaremos un buen rato. Si uno se detiene a escuchar la magnifica banda sonora, a observar la inteligente planificación del guión, la esplendida interpretación de sus actores, el astuto riesgo de hacer una película muda en el siglo XXI, el desafió a la industria americana por unos franceses que les "atacan" con sus propias armas, un puñado de escenas inolvidable, y el respeto con que se rinde homenaje a "nuestros mayores" cinematográficos, entonces, The Artist, se merece todos los premios del mundo, aunque solo sea porque consigue que a estas alturas nos emocionemos y sonriamos como lo hicieron nuestros abuelos con esas figuras en blanco y negro que gesticulaban aceleradas dando vida a nuestros sueños.
EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN
Duración: 3 h 10 m (En dos partes)
País: USA / 1915
Dirección: D.W. Griffith y Frank E. Woods
Es muy complicado valorar una película que ha cumplido 97 años desde la óptica actual. Se considera que con ella se produjo un antes y un después en la historia del cine y que su forma narrativa y sus aciertos técnicos marcaron la pauta del cine moderno, dado su éxito y aceptación por parte del gran público. Probablemente todo esto es cierto pero con tal cantidad de matices propios de una época convulsa, de un rió revuelto en la primera década del siglo y con un arte tan por descubrir y desarrollarse que, a mi juicio, lo más acertado sería decir que Griffith supo recopilar los avances técnicos existentes, fueran invención suyas o no, apostó por un gran presupuesto y una larga duración, subió los precios (de un nickel, 50 centavos, a 2 dólares) y sobre todo supo vender el producto más como arte que como entretenimiento para las clases bajas y por encima de todo supo venderse a si mismo, realzando la figura del director como artista, frente a la del productor como simple empresario. Y le salio bien la jugada. Con un presupuesto de 90.000 dólares recaudó 5 millones y se hizo un hueco en la historia.
Evidentemente entre las miles de cintas que se rodaron en su época hubo otras que fueron mejor en su conjunto o en parte pero la historia la escriben los vencedores y al no tener elementos de comparación (pocas se conservaron y menos se han distribuido posteriormente) es más facil simplificar y dados a clasificar elegir "El nacimiento...." como punto referencial en la historia del cine.
Así pues posee un valor histórico cinematográfico innegable y muy escaso en los hechos que narra, siendo bastante aburrida en sus primero rollos (hora y media) y alternando un ritmo moderno con un montaje y planos bien construidos con otros herederos del cine "antiguo" y teatral de Meliés. Amén por supuesto de tomar partido por una de las partes en la contienda de secesión, los sudistas (Griffith lo era) y profundamente racista, basada en la novela de Thomas Dixon "El hombre del clan" titulo con el que se estreno en la costa oeste contribuyendo de manera más que notable al resurgimiento por todo el país del extinguido Ku Klux Clan, favorecido por el beneplácito dado a la cinta del mismísimo presidente Woodrow Willson.
El posterior estudio metódico que realizaron los maestros rusos de la siguiente obra de Griffith, "Intolerance", contribuyó a aumentar la leyenda.
8 Y MEDIO
Duración: 2 h 12 m
País: Italia / 1964
Dirección: Federico Fellini
Oscar a la mejor película extranjera del 64 y quizás por ello una de las más famosas del director. Reconozco las muchas virtudes, que las tiene: la maravillosa banda sonora de Nino Rota y la impresionante fotografía de Di Venanzo, amén de la mano maestra del propio Fellini jugando con la realidad, los recuerdos, las ensoñaciones y la angustia de un Mastroianni que pone el físico al alter ego del propio Fellini, acuciado de una crisis de creatividad y agobiado por su entorno personal y profesional. Sin embargo no acabo de empatizar con un personaje cuyas obsesiones interiores se reflejan con una distancia estética que busca más la originalidad y creatividad artística que la emoción y los sentimientos. Desfile de personajes "fellinianos" cual parada circense y grandes momentos para recordar como la surrealista escena del inicio y otras, a mi juicio pasadas de tiempo como la del harem. Simbolismo muy personal donde el maestro descargó sus demonios interiores, a veces demasiado interiores para disfrutarlos con claridad.
PARANOID PARK
Puntuación: 7
Duración: 1 h 25 m
País: USA / Francia / 2008
Dirección: Gus Van Sant
Ejercicio de estilo del ecléptico Vant Sant en el que consigue retratar con acierto el mundo adolescente, alejado de las comedias gamberras de Hollywood. El universo sobre el que gira la vida y los sentimientos del protagonista transcurre en una apatía y desesperanza donde apenas su interés por los skaters le hace sentirse vivo. El trascendental hecho que viene a ocurrirle, apenas modifica su estatus, dándonos una idea de la escala de valores en que se mueve. El acierto del director es la forma en que narra la historia, mezclando estilos, fotografías y adaptando el ritmo narrativo casi onírico al ritmo interior del personaje. Interesante propuesta que toma distancia con sus cintas más comerciales.
LADRÓN DE BICICLETAS
LADRÓN DE BICICLETAS
Duración: 1 h 28 m
País: Italia / 1948
Dirección: Vittorio de Sica
Un clásico. Buque insignia del neorealismo italiano. Radiografía descarnada de la Europa de post guerra, donde subsistir dejaba muy poco espacio para cualquier otro sentimiento. De Sica saca la cámara a la calle en una Roma hormiguero de sálvese quien pueda donde el pueblo es el autentico protagonista. Actores no profesionales son capaces de transmitirnos las esperanzas y frustraciones de unos seres humanos que luchan con uñas y dientes por un futuro mejor para los suyos. Magistral realización, esplendida fotografía y un ritmo incansable que nos atrapa desde el primer minuto. Todos nos pasamos el metraje buscando esa bicicleta que puede inclinar la balanza vital. Al final cada uno debemos tomar nuestra propia decisión. Probablemente una de las mejores películas de la historia del cine.
LA EVASIÓN
Duración: 1 h 53 m
País: Francia / 1960
Dirección: Jacques Becker
"El agujero", titulo original fue la obra póstuma que no llegó a ver estrenar Jacques Becker, cineasta francés de éxito con sus comedias de los años cuarenta que en su corta carrera de apenas 17 años supo imprimir su depurada técnica y maestría en la dirección de actores en diversos géneros. "La evasión" es una pieza tan redonda como el agujero del titulo. Rodada con actores semiprofesionales y en un entorno prácticamente minimalista consigue que todo funcione como un reloj de precisión en una trama carcelaria, probablemente la mejor película de este género, que nunca pierde la tensión en sus rutinas y cuyos personajes, secundarios y protagonistas, poseen una presencia física ante la cámara tan consistente como los muros de cemento que sentimos excavar. Maravillosos manejo de la luz, de los tiempos narrativos que nos mantienen en vilo cada segundo de las casi dos horas de metraje. Excelente guión donde cada frase define perfectamente la psicología de cada personaje..... en definitiva una obra maestra.
SHERLOCK HOLMES CONTRA MORIARTY
Duración: 1 h 18 m
País: USA / 1939
Dirección: Alfred L. Werker
Se inicia con "Las aventuras de Sherlock Holmes", titulo original, y "El perro de los Baskerville", por la Fox, la tanda de 14 películas de irregular calidad con las que Basil Rathbone y Nigel Bruce inmortalizaron la imagen del famoso detective y su ayudante. Parece que el afamado actor teatral Rathbone tenía bastante parecido físico con los dibujos del personaje que ilustraban las novelas de Conan Doyle. En cualquier caso su imagen y su lograda composición del investigador, ayudados por la abundante filmografía y reposición en tv acabaron por dejar una huella imborrable asociando a Sherlock con el rostro de Basil. Por lo demás aquí se basa no en una de las novelas sino en una obra de teatro que tuvo bastante éxito en la que se inventaron y fijaron expresiones como el "elemental...." o la famosa pipa. La historia, hoy día es de una ingenuidad bienintencionada, recreando el Londres de finales del XIX con una puesta en escena muy influenciada por el expresionismo, con sus tomas angulosas y sus juegos de sombras. Ida Lupino nos regala su deslumbrante belleza y dado su escaso metraje aún aguanta una visión entretenida 63 años después.
EL IDOLO CAIDO
Duración: 1 h 35 m
País: Reino Unido / 1948
Dirección: Carol Reed
En la irregular carrera de Carol Reed le sobraron apenas media docena de títulos para dejar su impronta como uno de los mejores directores Británicos. Podríamos decir que con esta cinta comenzó su consolidación rematada al año siguiente con "El tercer hombre". Aquí adapta un relato corto del escritor Grahan Green con quien tuvo una fructífera colaboración, siendo el novelista clave en la carrera del director al proporcionarle un esplendido material en momentos claves de su trayectoria, como sucedería años más tarde con "Nuestro hombre en la Habana". Partiendo de un argumento simple y en un ambiente muy cerrado asistimos a la visión del mundo adulto a través de los ojos de un niño que se ve envuelto en una trama donde el azar puede tener terribles consecuencias. Reed da toda una lección y mueve la cámara con una agilidad envidiable llevándonos por un recorrido donde se superponen lo costumbrista, la intriga, el thriller, el suspense e incluso el terror con momentos magníficos. Absolutamente recomendable.
MENTE CRIMINAL
Duración: 1 h 50 m
País: Australia / 2006
Dirección: Gregory J. Read
Titulo que a pesar de su corrección formal y actoral, podría haber pasado directamente a la venta en DVD. Previsible desde los primeros minutos, algo imperdonable en una cinta de intriga, el guión abunda en una trama rocambolesca, templarios y sociedades secretas incluidos, estirada más de lo necesario, con escenas muy forzadas y de una verosimilitud nula. Eddie Redmayne soporta todo el peso con profesionalidad y Toni Collette hace lo que puede con un rol desafortunado y con el que nunca acabos de empatizar. A medida que nos acercamos a la conclusión la cosa cae en picado y aquello no se sostiene terminando en un final anunciado y decepcionante.
LA DOLCE VITA
Duración: 2 h 47 m
País: Italia / 1960
Dirección: Federico Fellini
Fellini tiene 40 años cuando aborda esta visión satírica, descorazonada y pesimista de la vida. Dice el propio autor que solo se considera un artesano que no tiene nada que contar pero que sabe como contarlo. Lo segundo es cierto y el despliegue de dominio de la técnica puesta al servicio del arte cinematográfico es más que sobresaliente con todo un recital de planos y encuadres que nos hacen olvidar que detrás hay un director que sin embargo siempre está presente. La fotografía y sobre todo la música de Nino Rota hacen el resto. Sin embargo si que cuenta muchas cosas, o mejor, solo una, la vida. El amor, la pasión, los hijos, la familia, los padres, el arte, la riqueza, la religión, la muerte, a través del día a día de un cronista de sociedad. Todo conduce a una soledad existencial cuya única válvula de escape consiste en apurar cada minuto en búsqueda de cualquier sensación que nos de unos segundos de autentica vida como alternativa al suicidio. Prueba de esta vacuidad vital del ser humano es que este fresco de la condición humana es recordado básicamente por el baño de Anita Ekberg en la Fontana de Trevi o por el despiadado acoso de los fotografos en busca de carnaza que ofrecer a la opinión pública. Fellini probablemente estaba atravesando ese momento vital donde uno se plantea el sentido de la vida por muchos logros que se hayan conseguido. Con un tramo final, a mi juicio innecesario y donde planea la sombra de Passolini que colaboró en el guión, Fellini como buen dibujante que era, realiza un retrato acertado, una caricatura agridulce de esta vida que nos ha tocado vivir. Y ademas esta Matroianni y Anouk Aimée , que esos siempre cuenta.
LOS DESCENDIENTES
LOS DESCENDIENTES
Duración: 1 h 50 m
País: USA / 2011
Dirección: Alexander Payne
Es una buena película. Y dicho esto esperaba mucho más del director de la maravillosa "Entre copas". Payne camina al filo de la navaja entre el drama y la comedia, al igual que Clooney y aunque ambos consiguen salir airosos del delicado equilibrio ambas facetas acaban mas por contrarrestarse que por apoyarse y reímos y nos emocionamos menos de lo que deberíamos con un material que podría haber dado mas de si. El peaje medioambiental, Hawai, el ecologismo, etc, etc, no acaba de empastar con la experiencia de este padre de familia que comienza a serlo realmente cuando su mujer entra en coma. Si Clooney, actor al que respeto sus esfuerzos por intentar siempre elevar su rango actoral y su compromiso con el arte, hubiera podido dar la mitad de calidad interpretativa que demuestra Shailene Woodley como su hija, otra "enfant terrible" que añadir a nombres como Dakota Faning o Saoirse Ronan, la cinta hubiera subido muchos enteros. Clooney, imitaciones al gran Gary Grant incluidas, esta muy bien pero, en mi opinión, no debería ser esta la película que le proporcionara el Oscar. Yo se lo habría dado por "Up in the air".
Interesante y folclórica banda sonora y una buena labor de casting, estupendo Robert Foster.
En cualquier caso el guión del propio Payne sabe dosificar bien sus cartas y como en un rebobinado mágico de una explosión los trozos del estallido se van recomponiendo en torno al epicentro de la misma. Como diría don Vito: " !Ah, la familia! Es lo único importante. Capiche".
(El libro negro)
Duración: 1 h 28 m
País: USA / 1949
Dirección: Anthony Mann
Cinta de gran director clásico del cine negro y el western, géneros que ya se encuentran en esta obra a pesar de que este ambientada durante el periodo de la revolución francesa. A sus 63 años aún es francamente entretenida, con un ritmo sorprendente manteniendo intriga y suspense en un blanco y negro muy expresionista y teatral en la mayoría de las ocasiones. Richar Basehart, el que luego será el inefable comandante Nelson en la superpopular serie de tv "Viaje al fondo del mar" da vida a un Robespierre que asume junto con Saint Just el rol de la malo de la historia. Mann se acerca al rigor histórico muy someramente y nos da un visión muy básica de los hechos. Albert Cumming ejerce de prota con solvencia, agente encargado de recuperar el libro negro donde Robespierre tiene anotados los nombre de todos aquellos a los que desea eliminar. Aparecen los históricos Barras y Fouché, jefe de la policía de París, este último interpretado magníficamente por un shekspiriano Arnold Moss cuyo parecido con Adrian Brody es realmente curioso. En resumen cine de aventuras, de sesión de tarde inolvidables donde aprendimos a soñar.
BEN GAZZARA
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| BEN GAZZARA (1930-2012) |
Se nos acaba de marchar a los 81 años este estadounidense que llevaba sus orígenes italianos en el rostro y del cual siempre recordábamos, por su calidad como actor, su nombre exótico cuando aparecía en pantalla. Atractivo seductor y excelente interprete, a pesar de sus muchos éxitos, nunca logró la popularidad ni el reconocimiento de otros. Fue el protagonista original de la famosa "Gata sobre el tejado de cinc caliente" en el teatro, pero al final la gata y el gato se lo llevó en el cine su compañero en el Actor Studio Paul Newman. Gozó de un sonado romance con Audrey Hepburn y siempre dejó la huella de su carisma y personalidad en todos los personajes que interpretó para cine y televisión, durante una carrera de cuatro décadas desde su debut en 1957 hasta bien entrados los 90. Cincuenta y ocho películas en su haber con títulos como "Anatomia de un asesinato" "El viaje de los malditos" "Capone", y todo su trabajo con su amigo el director John Cassavetes. En sus últimos años de carrera aportó su aplomo consolidando secundarios de lujo en cintas como "Dogville", "El caso Thomas Crown" o "El gran Lebowsky". Hasta siempre Ben.
EL CUCHILLO EN EL AGUA
Duración: 1 h 31 m
País: Polonia / 1962
Dirección: Roman Polansk
Se cumplen 50 años, casi nada, de la opera prima de Polanski, este drama simbolista con el que entro por la puerta grande en la historia del cine. Película de autor ante todo, Polanski con 29 años realiza un "tour de fource" rodando en un ambiente mínimo, casi toda ella transcurre en un pequeño velero, con una dificultad técnica asombrosa y una brillantez creativa fantástica. A pesar de su medio siglo sigue conservando brío y tensión y ya quisieran muchos hoy día tener el don de manejar los recursos cinematográficos como demuestra, el hoy ya casi, octogenario director. La aparente minima historia apenas deja un resquicio al espectador avispado, proponiendole un discurso entre lineas donde la cuestión social del entramado socialista de la época, el aferrarse al paso de la vida con la lucha generacional, la vacuidad de las relaciones personales basadas en el poder material, la condición de la mujer, y un sinfín de matices y posibles relecturas que la convierten en un clásico indispensable. No apta para espectadores palomiteros por supuesto. Cine para aprender cine.
Duración: 13 m
País: España / 2011
Dirección: José Mari Goenaga
Cortometraje vertiginoso en el que Goenaga nos demuestra que un mismo hecho objetivo no es igual para todos y que la percepción de la realidad depende mucho de lo que queramos recibir de ella. Los seres humanos establecen relaciones pero en el fondo viven y mueren solos. Interesante propuesta.
ORI
Duración: 1 h 20 m
País: España / Georgia / 2009
Dirección: Miguel Ángel Jiménez
Micro historias en una Georgia de posguerra donde la desesperanza prende de forma desigual en unos personajes que arrastran sus almas a base de un instinto de supervivencia primario, que en algunos ni siquiera es suficiente. Lenta, quizá demasiado a pesar de sus escaso metraje, Miguel Ángel se convierte en espectador sin profundizar en los perfiles de cada uno de ellos y los abandona a un destino demasiado fatalista, como si nada tuviera importancia ni solución, "cuando todo acabe, aquí seguirán las montañas" viene a decir uno de ellos, como si las miserias humanas y la vida en general apenas fueran un instante sin importancia. Momentos cargados de simbolismo, bien fotografiados con una BSO muy acertada y un pesimismo generalizado por el que parece haberse dejado arrastrar también su director.
BERTSOLARI
Duración: 1 h 25 m
País: España / 2011
Dirección: Asier Altuna
Una vez más se demuestra que el genero documental se le da bien al cine español a pesar de que paradojicamente encuentre menor distribución dentro de la ya de por si escasa del propio cine español en general. Descubro en esta obra de Asier Altuna una de las tradiciones Vascas y por ende españolas de una belleza y complejidad dignas de mayor promoción nacional e internacional. Los bertsolaris hijos y herederos de la tradición oral universal componen versos cantados de forma improvisada. Arraigados en la cultura popular abarcan desde los caseríos y las aldeas hasta llenar recintos con 14.000 personas en certámenes competitivos. A través de un guión algo lineal Asier nos acerca a los nombres y apellidos de alguno de sus protagonistas con momentos emotivos e imágenes de gran belleza. La conservación de la minoritaria lengua vasca no solo debe ser responsabilidad de los vascos sino de toda una nación que debería aprovechar su gran diversidad como lazo de unión y no de separación.
Duración: 1 h 7 m
País: España / 2011
Dirección: Carles Torras
La escasa distribución, mal endémico de este país, de obras tan interesantes como esta de Torras, seguirá contribuyendo a la leyenda urbana de que el cine español solo entiende de la guerra civil. Magnifico trabajo de todo el equipo, empezando por unas interpretaciones de gran nivel a cargo de Amadís de Murga y José Maria Blanco, pasando por la excelente fotografía en blanco y negro de Juan González y terminando por un guión milimétrico y una dirección que consigue hipnotizarnos con un tempo inquietante subrayando el proceso interior del protagonista y la denuncia social del mundo que le rodea y nos rodea. Algunas escenas mejorables, como todo, y un final previsible aunque no por ello exento de fuerza y brillantez, cierran un metraje muy ajustado en un circulo casi perfecto. Enhorabuena a todos.
JACKBOOTS ON WHITEALL
Duración: 1 h 37 m
País: Reino Unido / 2010
Dirección: Edward y Rory McHenry
Premio a la mejor cinta de animación en Sitges. Sátira épica sobre una ucronía de la segunda guerra mundial en que las tropas nazis llegan a invadir Inglaterra, todo ello contado con muñecos tipo madelman o geyperman o barbys animados con técnicas de animatrón llenas de encanto y carencias a partes iguales. Los jóvenes hermanos McHenry se lo pasan a lo grande "jugando" a las batallas con sus cuidados dioramas y atrezzo diminuto, aportando humor gamberro sin pasarse demasiado y mezclando churras con merinas en un divertimento sin pies ni cabeza que caricaturiza películas y personajes tipos de la historia del celuloide. Todo ello acompañado de una BSO esplendida de Guy Michelmore que evoca y ya quisieran algunas, a las grandes cintas del género. Al final la sorpresa inicial va perdiendo fuerza a medida que pasan los minutos y los escoceses ponen el punto final.
LOS MUERTOS NO SE TOCAN, NENE.
LOS MUERTOS NO SE TOCAN, NENE.
Duración: 1 h 30 m
País: España / 2011
Dirección: Jose Luis García Sanchez
Cumplido homenaje póstumo al gran Azcona y un cine que nunca volverá y que tantas obras maestras ha dado en manos de directores como Berlanga. En este contexto y ayudado en buen parte por la nostalgia de los espectadores mas adultos, se disfruta con agrado. El reparto sabe perfectamente de que va la cosa, incluso los más jóvenes y estan estupendas Silvia Marso y Blanca Romero. Con producción muy justita y un blanco y negro "demasiado blanco" para mi gusto, la galería de personajes va desfilando ante el cadáver del finado en un sainete costumbrista donde afloran a nuestra memoria los nombres de los desaparecidos, Agustín González, Manuel Alexandre,....entre otros muchos o los que siguen en la brecha como Luis Varela.
LA PIEL QUE HABITO
Duración: 2 h
País: España / 2011
Dirección: Pedro Almodovar
Admiro en Almodovar su tesón por seguir justificando su ego cinematográfico y no retirarse a tiempo antes que los vientos de la historia, siempre cambiantes, hagan justicia y lo archiven en la M de directores mediocres por mucho Oscar que tenga en su vitrina particular. Empezó sorprendiendo en el río revuelto de una España de "movidas" y libertades estrenadas y una cosa llevó a la otra. Aprendió a dirigir un poco mejor cada día y parafraseando a Groucho llegó desde la nada a las más altas cotas del start system petardero mundial al que le ha caído en gracia este Sancho Panza del celuloide que ha acabado por montar su propia ínsula de Barataria rodeándose de buenos profesionales que visten de cine de etiqueta sus despropósitos atisticos. Algo tendrá Pedrooooo que para gustos pintan colores y nunca mejor dicho en sus películas que cada vez se parecen más a una mezcla de catálogos de Venca y Vogue. En fin que ahora adapta una novela con presupuestos interesantes y que en otras manos hubiera dado para mucho. En las suyas da para lo de siempre, encuadres pretenciosos, planos clásicos de grandes clásicos de videoclub y mucho melodrama y folletón de tortilla de patatas con chicas que lloran también como en los culebrones venezolanos. Siempre al ritmo de los cambios de sexo y del "yo soy tu padre" darwadiano. Aderezado en este caso con un Bandera internacional en lo mejor que le he visto y no es un alago y una música de Iglesias a base de violines chirriantes hasta la saciedad. ¿Sera un homenaje a Psicosis?
A los fans del manchego les encantará, a sus detractores les van a sobrar motivos y al resto...busque, compare y si encuentra algo mejor....
MILLENIUM. LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES.
País: USA / Suecia / Reino Unido / Alemania / 2011
Dirección: David Fincher
Poco o nada aporta esta versión del primer libro de la trilogía de Larsson a la realizada por los suecos en el 2009 desde el punto de vista artístico. Las dos caen en el mismo error: dar más importancia a la trama del thriller y prestar poca atención a toda la carga psicológica que poseen cada uno de los personajes. En el fondo es esto lo que distingue a la trilogía Millenium de otras novelas de parecidas tramas. El ejemplo más claro es la propia Lisbeth , icono de la literatura de este siglo, de quien se preocupan mucho de recrearla físicamente y muy poco de desarrollar su mundo interior. Cada uno de los personajes en la novela aporta una forma de entender la vida rica en matices y propuestas que pueden remover conciencias mientras que en las películas pasan a ser simples muñecos, buenos y malos (otros ni eso como la directora de la revista o el jefe de Lisbeth) al servicio de una intriga mil veces vista mejor o peor rodada (los primeros minutos son penosos). En esta ocasión David Fincher no ha estado a la altura de sus anteriores trabajos. Alguien debería escribir un ensayo sobre el daño que puede hacer el cine a la cultura literaria dando una visión banal y comercial de obras destacadas. Los que no hayan leído la obra de Larsson puede que ya no lo hagan a tenor de lo visto en la pantalla. Craso error.
Duración: 2 h 9 m
País: USA / 2011
Dirección: Guy Ritchie
Disfruté, lo reconozco, con la primera entrega. La sorpresa inicial de ver como a Sherlock y compañía se le daba otra vuelta de tuerca tenía su gracia. En esta segunda se acabó lo que se daba. Megaproducción hueca llena de tiros, explosiones y peleas con un guión digno, con perdón para los geniales personajes de Ibañez, de Mortadelo y Filemón. Personaje, el primero, al que cada vez se va acercando mas la composición de Downey Jr, mezclada con buenas dosis del Jack Sparrow de Deep. Una cosa es adaptar y modernizar, véase la excelente serie "Sherlock" de la BBC y otra cosa es caricaturizar hasta perder el alma del personaje. Seria terrible que las nuevas generacioa a dnes identificaran al genial detective de Doyle con este sucedáneo. Law mantiene el tipo con su Watson y Moriarty, mano negra siempre en las sombras, sale demasiado a la luz a pesar de que Jared Harris lo defiende con solvencia. La forma puede cambiar pero la esencia, esto es, el misterio, la intriga y el respeto a la inteligencia de Holmes y del espectador no puede ser tan "elemental" querido Guy.
Duración: 1 h 45 m
País: Francia / 2011
Dirección: Philippe Claudel
Amable, es el adjetivo que más se prodiga al referirse a esta comedía dramática en la que poco o nada desentona pero que también poco o nada deja una huella demasiado profunda. Se ve con agrado y supone un bálsamo ante tanto drama cotidiano, tanto telediario siniestro y tantas comedias USA infumables. Sabemos que a esta realidad que nos presenta Claudel le han cortado las uñas, pero apetece acurrucarse en su regazo y soñar, que no deja de ser una de las funciones del cine. Personajes entrañables que adoptamos enseguida y con los que compartimos casi dos horas entretenidas. Si no cura heridas hace que nos escuezan menos con humor, música y buenas intenciones. Déjense engañar.
HERMANO
Duración: 1 h 37 m
País: Venezuela / 2010
Dirección: Marcel Rasquin
Se estrena en el largo Rasquin con éxito internacional (premios en Moscú, Huelva, Cataluña, seleccionada para el Oscar por su país) con una obra que engancha desde el comienzo y que no acaba de explotar todas sus posibilidades.
La miseria existencial de las favelas de Caracas, como en otros países, son mundos satélites de grandes urbes, donde la violencia es la única ley y donde la esperanza de abrirse camino es tan corta como la media de vida. El deporte, en este caso el fútbol, como también se está utilizando últimamente la música puede ser una puerta abierta pases, son mundos satra abandonar estos ghettos sociales en los que los estados solo entran para reprimir de tanto en tanto. Planteada la trama melodramatica, los personajes se vuelven rígidos en su psicología y sentimientos, con escenas irregulares, subtramas fallidas e interesantes secundarios que se quedan en el camino. Sin embargo Rasquin consigue que la tensión no decaiga y que el conjunto en general sea notable.
NAUFRAGIO
Duración: 1 h 35 m
País: España / Alemania / 2010
Dirección: Pedro Aguilera
Uno tiene la sensación de que Aguilera ha hecho la película que quería hacer. Y esto no es facil. Cine de autor cuyas claves no siempre traspasan la barrera de la propia mente del mismo y sus experiencias personales. Supongo que en la obra de Defoe encontraríamos el reverso de este ser "de otro mundo" que en su búsqueda interior, como la de todos, naufraga en un mundo occidental cuyas reglas pueden ser tan crueles e incomprensibles como lo fueron para el Robinson de principios del XVIII. Su incomprensible objetivo personal le hace subsistir y adaptarse hasta poder lograrlo. De camino Aguilera hace que nos reconozcamos en ese mundo "salvaje" lleno de extraños seres que explotan a otros seres sustituyendo la geografía exótica de la selva y los volcanes por esa otra selva plastificada de invernaderos y la fábrica de explosivos. No falta la aldea de nativos, ese pueblo reseco de tierra adentro donde también encuentra Robinson a su particular Viernes. Todo ello acompañado de una estética muy cuidada y una banda sonora que encaja a la perfección. Cumplen los actores en su papel de figuras alegóricas y todo el conjunto queda impregnado de inquietud y misterio. Alejado de los estándares comerciales, Aguilera, si quiere seguir siendo fiel a si mismo tendrá que asumir que su cine será poco y mal distribuido como es el caso. Seguiremos atentos a su obra.
LA CONSPIRACIÓN
Duración: 2 h 3 m
País: USA / 2011
Dirección: Robert Redford
A veces, muchas, cambiar el titulo original tergiversa gravemente lo que nos quieren contar. "La conspiración" no es lo mismo que "El conspirador", titulo original. Dicho conspirador no es otro que el propio estado capaz de pasarse leyes y constituciones por el forro en base a sus propios intereses en momentos determinados. Ejemplos hay y sigue habiendo y por desgracia habrá. Y en base a esta idea que no creo que sorprenda a nadie, Redford construye una historia algo plomiza con una dirección de arte algo mortecina y un metraje y ritmo algo cansino. Como verán demasiados "algos". Por supuesto que Redford no a pretendido un blockbuster al uso y que su discurso social comprometido, últimamente se hace muy presente y es siempre necesario, amén de ilustrarnos históricamente sobre hechos siempre interesantes.
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| MARY SURRAT |
No obstante no creo que el proceso por el asesinato de Lincon sea el mejor exponente de lo que pretende contarnos, ni Mary Surrat su mejor ejemplo. En cualquier caso Redford también conspira o hace trampas ocultando que los encausados no fueron cuatro sino ocho y que la mitad no fueron condenados a muerte. Por otro lado el hijo prófugo de Surrat capturado poco después fue puesto en libertad de por vida, aún sabiendo positivamente que había participado en la conspiración y que había sido espia confederado, precisamente porque en su juicio un testigo declaró que el día del atentado había sido visto en otro lugar. Hechos que no cuadran con las tesis del secretario de estado interpretado por le siempre eficiente Kevin Kline en cuyas palabras Redford justifica que todos sin escepción tienen que pagar el precio del magnicidio por el bien del país.
En cualquier caso aroma de cine clásico y una gran interpretación de James McAvoy que sustenta todo el entramado como un hombre integro que lucha por sus convicciones cueste lo que le cueste.
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| JAMES McAVOY |
AMANECER. Parte 1
Duración: 1 h 47 m
País: USA / 2011
Dirección: Bill Condon
Supuesto 1: Ud. no conoce la saga literaria, no ha visto las películas anteriores ni le han contado nada sobre ella. Probablemente abandonará la sala antes de tiempo ante tal despropósito.
Supuesto 2: Conoce la historia, vio las anteriores entregas y la valora en sus virtudes, que las tiene. Aguantará el tirón, justificará el guión y podrá recordar con las imágenes lo que disfrutó leyendo la novela.
Supuesto 3: Es un fan incondicional de la serie. Se olvidará de la calidad cinematografia y disfrutará como un vampiro después de una buena mordida.
Personalmente me dicen que es fiel al libro, vi las anteriores y me mantuvo el interés aunque solo fuera por seguir el hilo de la historia y descubrir algún detalle o guiño de este mundo donde licantropos, vampiros y humanos se entrecruzan al rededor de una historia de amor digna de los folletines romanticos.
Por lo demás y a poco que le guste a uno el cine, no hay por donde coger a este Bill Condon que no puedo creerme que sea el mismo director de "Chicago" y "Dreamgirls". ¿Le habrán mordido los no muertos? La planificación, la banda sonora a discreción sin ton ni son, la fotografía, la labor digital y las interpretaciones, (patético Pattison,) están tan en mínimos que uno tiene la sensación de que los criterio de rentabilidad económica, dado que se sabía que el producto recaudaría sí o sí, es lo que ha primado sobre cualquier consideración artística. La saga no se lo merece ni sus fieles seguidores. Veremos el desenlace.
EL VIAJE DEL DIRECTOR DE RECURSOS HUMANOS
Puntuación: 6
^Duración: 1 h 43 m
País: Israel / 2010
Dirección: Eran Riklis
No acaba Riklis de cogerle el punto a esta tragicomedia interesante, manteniéndose todo el metraje en un equilibrio inestable, voluntarioso, amagando pero sin acabar de rematar unas situaciones y personajes que prometen más de lo que dan. Como casi todas las road-movies, el viaje físico, en este caso desde Israel a la Rumanía profunda se convierte en un viaje interior donde cada uno de los integrantes toma la distancia necesaria de su actual vida para replantearse corregir sus errores. Desiguales interpretaciones, desigual ritmo y desiguales situaciones sin que incomoden lo suficiente para que les dejemos de acompañar por un mundo también desigual para todos.
JANE EYRE
Duración: 2 h
País: Reino Unido / 2011
Dirección: Cary Joji Fukunaga
Segunda entrega de Fukunaga y segundo pleno, tras la premiada "Sin nombre". Aquí cambia de registro de forma tan radical como la mezcla de nacionalidad de sus padres, Japones y Sueca. La adaptación de un clásico de la literatura victoriana como es este en pleno siglo XXI era una apuesta arriesgada de la que todo el equipo a salido sobresaliente. El tono de grandeza épica desde el rincón solitario de una alma pequeña rodeada por un paisaje de belleza liberadora y aplastante al mismo tiempo, la lucha entre la razón, las estrictas convenciones sociales de la Inglaterra de la época, el peso de lo sobrenatural y las tormentas emocionales del final de la adolescencia estan en la novela de Bronte tomadas de su vida real y estan en esta joya que nos regala Fukunaga, con unas interpretaciones soberbias (impresionante la declaración de amor). Después de más de 160 años la fuerza interior y el espíritu de Jane Eyre sigue conmoviendo nuestros corazones. Nos deja su director con el deseo de haber disfrutado de algo más de metraje a pesar de sus dos horas. Larga vida a los clásicos.
EL VIAJE DE JANE
Duración: 1 h 46 m
País: Alemania / 2010
Dirección: Lorenz Knauer
Documental pragmático sobre la figura de Jane Goodall que pasa de puntillas sobre la vida privada y los orígenes del personaje para, mediada la media hora, centrarse de lleno en difundir su obra y su labor, consistente en recorrer el mundo ofreciendo un mensaje de esperanza, de no conformismo, de que aún tenemos tiempo para recuperar el desastre medioambiental que hemos https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5tCcSXWv8ePJmOwM9elEEIXV00VTwLyeIeIkswIO2v9LXFohn02aQPK6L4tcXJlysnEnKBM1nxFAb2WvDmwPoYIXSiXprMVCeQS7CMEr0DmDN9FJGet-uCpOLO5xi8wiasUbmiTUHOZEI/s400/el-viaje-de-jane-cartel.jpgprovocado en el planeta y que si lo hacemos también conseguiremos mejorar nuestra propia vida. Asociada mediaticamente a sus inicios como estudiosa y protectora de los chimpancés se nos muestra como una mujer incansable en su labor promoviendo proyectos que devuelvan la ilusión por la vida y su entorno. Rodada con pulcritud, sobriedad, belleza y sin ningún tipo de alarde autoral, el viaje de Jane es una invitación a hacer un alto en nuestro propio y viaje y mirar alrededor con otros ojos.
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| GOODALL Y BARBACANA |
IN TIME
Duración: 1 h 49 m
País: USA / 2011
Dirección: Andrew Niccol
Obra menor, quizá demasiado menor, sobre todo en lo que respecta al guión, también del propio Niccol, en una filmografía hasta la fecha interesante con obras como "El show de Truman" o "Gattaca". El denominador común de la crítica, al cual me sumo por lo evidente, es que tras un planteamiento inicial muy atractivo abandona el asunto y sus personajes en terrenos del thriller convencional cayendo en una nadería insustancial totalmente en las antípodas del perfil revolucionario que subyace en la trama. Relaciones poco creíbles y actuaciones planas a excepción de Cilliam Murphy que nos deja con las ganas de que fuera él el que dispusiera de más tiempo para profundizar en todo aquello que consigue que sugiera su personaje. A la postre entretiene el mismo rato que se tarda en olvidarla.
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| CILLIAN MURPHY |
Duración: 4 h 26 m
País: Portugal / 2010
Dirección: Raoul Ruiz
Testamento cinematográfico de Raoul Ruiz, enfermo de gravedad en pleno rodaje, falleciendo pocos meses después a los 70 años. Una vez más he de reconocer mi ignorancia total sobra la obra de este chileno considerado uno de los directores más interesantes y prolíficos, importante teórico, destacado por su particular punto de vista ante la cámara. Aquí adapta, mediante un afortunado guión de Carlos Saboga,parece que de forma fidedigna, el folletín romántico escrito en 1854 por el reconocido novelista portugués Camilo Castelo Branco. Ruiz realiza una labor primorosa gustándose en las más de 4 horas y cada plano, cada encuadre, cada movimiento de cámara es una lección de cine. Con una excelente producción, fotografía y dirección de arte, estos Misterios, reflejan toda una época y un modo de entender la vida por una clase, la nobleza, en el país vecino. Historias, dentro de historias, que guardan historias en una, a veces compleja red de personajes, que funcionan como una maquinaria perfectamente engrasada en manos de su director. El hecho de no ser una de las más reconocidas obras del novelista a pesar de reflejar muchos hechos de tinte autobiográfico, la repetición de situaciones en la trama y su excesivo metraje, aconseja visionarla con calma, la misma conque Raoul Ruiz parece haberse tomado para regalarnos una gran obra.
INTRO
Por razones que nunca llegaré a comprender blogger me obliga por segunda vez a abrir una nueva pestaña para poder continuar con la sección. Supongo que será por problemas de espacio o vaya ud. a saber. En fin pongamos el cartel de CONTINUAMOS EN LA PESTAÑA DE AL LADO y sigamos tranquilamente hablando de cine. Bienvenidos a The Quiet Man II. Gracias y perdonen las molestias.
LOS GRANDES
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| GENE KELLY (1912-1996)
Parece que la crisis del 29 no le vino mal a Eugene Joseph y obligado por la necesidad de seguir adelante con sus estudios de derecho o económicas, aspecto que no me ha quedado muy claro en sus biografías, decide poner una academia de baile como negocio familiar junto a su hermano Fred (curioso el nombre) aprovechando los conocimientos de danza que adquirió de pequeño fomentados por su madre y sus innegables aptitudes atléticas. Descubrió que aquello funcionaba y tras abrir otra sucursal marcha a New York a probar suerte. Tras algunos musicales llama por fin la atención.....como actor y el todopoderoso O. Zelnick le ofrece una prometedora carrera alejada de la danza. Afortunadamente Mayer de la famosa MGM si apuesta por ello y le ofrece coprotagonizar junto a Judy Garlan "Por mí y por mi chica" dirigida por el prestigioso coreógrafo Busby Berkely, el de "La calle 42". Fue un éxito y la balanza cayó definitivamente del lado de la danza, aunque Kelly siempre dejo su huella como interprete, llegando incluso a estar nominado al Oscar en esa categoría por "Levando anclas".
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Conoce en estos años a Stanley Donen, director con el que formaría una pareja profesional muy bien avenida, longeva y casi perfecta. A partir de aquí se produce una década dorada desde el 46 al 56 donde cada trabajo es un peldaños de éxitos que conduce a otro más elevado y donde Kelly revoluciona la historia del musical integrando las coreografías en la misma linea argumental de la historias que se narran.
"Los tres mosqueteros", "Un día en New York", y "Un americano en París", son obras maestras que preceden a aquella que consigue lo imposible, subir un peldaño más: "Cantando bajo la lluvia", sinónimo del musical por excelencia.
Era y aún es, imposible hacerlo mejor. La carrera de Kelly se fue diluyendo aquejada por desgracias familiares pero aún fue capaz en los 60 y 70 de demostrar su valía como actor y director en títulos como "La herencia del viento", "Hello Dolly", o "El club social de Cheyenne". La industria le recompensó con un premio especial por su contribución al musical y un Oscar a toda su carrera.
Cuando Gene Kelly bailaba transmitía ganas de vivir, era la propia vida en su mejor cara, esa que a veces nos sonríe con la misma sonrisa que el poseía. ¿Quién cuando ha sido feliz aunque solo fuera un instante y por las razones que fueren, no se a atrevido a emular sus pasos cantando bajo la lluvia?
ACERO PURO
Puntuación: 3
Duración: 2 h 7 m
País: USA / 2011
Dirección: Shawn Levy
Pura chatarra cinematográfica. Debería estar nominada a todos los premios razzie habidos y por haber, empezando por Hugh Jackman y terminando por el propio Levy cuya dirección es digna de figurar en un museo del despropósito. Spielberg poco a poco se está ganando una reputación como productor ejecutivo que de seguir así puede igualar sus grandes méritos como director convirtiéndose en un Midas sin escrúpulos fílmicos capaz de convertir cualquier subproducto como este en oro en la taquilla y su merchandising. Abandonando cualquier vestigio de verosimilitud y pegando secuencias de películas mil veces vistas, sin ningún pudor, Levy nos ¿"narra"? una historia de violencia descarada envuelta en papel del peor Disney, niño incluido. La actuaciones brillan por su ausencia y todo lo demás es tan plano y falto de cerebro como los boxeadores robots. Se preveen secuelas en la mejor tradición sonada de Rocky. Por favor que alguien tire la toalla.
ACERO PURO
Duración: 2 h 7 m
País: USA / 2011
Dirección: Shawn Levy
Pura chatarra cinematográfica. Debería estar nominada a todos los premios razzie habidos y por haber, empezando por Hugh Jackman y terminando por el propio Levy cuya dirección es digna de figurar en un museo del despropósito. Spielberg poco a poco se está ganando una reputación como productor ejecutivo que de seguir así puede igualar sus grandes méritos como director convirtiéndose en un Midas sin escrúpulos fílmicos capaz de convertir cualquier subproducto como este en oro en la taquilla y su merchandising. Abandonando cualquier vestigio de verosimilitud y pegando secuencias de películas mil veces vistas, sin ningún pudor, Levy nos ¿"narra"? una historia de violencia descarada envuelta en papel del peor Disney, niño incluido. La actuaciones brillan por su ausencia y todo lo demás es tan plano y falto de cerebro como los boxeadores robots. Se preveen secuelas en la mejor tradición sonada de Rocky. Por favor que alguien tire la toalla.
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